Johnny Cash representa a Prisão Estadual de San Quentin

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“Folsom Prison Blues” deu a Johnny Cash seu primeiro hit country no top 10 em 1956, e sua apresentação ao vivo em Folsom - dramatizada de forma memorável no filme Ande na linha- deu à sua carreira decadente um impulso crítico em 1968. Mas a prisão com a qual Johnny Cash estava mais intimamente associado não era Folsom, era San Quentin, uma penitenciária de segurança máxima nos arredores de San Francisco. San Quentin é onde Cash fez seu primeiro concerto na prisão em 1º de janeiro de 1958 - um concerto que ajudou Merle Haggard, então um presidiário de San Quentin de 20 anos, no caminho para se tornar uma lenda da música country.

Haggard foi produto de Bakersfield, Califórnia, uma cidade dura do Vale Central que foi a parada final para dezenas de milhares de agricultores e trabalhadores pobres e brancos que migraram para o oeste durante as décadas de 1930, 40 e 50 em busca de trabalho nas fábricas e campos agrícolas e campos petrolíferos da Califórnia. Esses Oklahomans, Texans e outros chamados pelo termo genérico “Okies” trouxeram com eles o amor pela música country, e não apenas qualquer música country, mas “Música alta que toca até altas horas”, como Wynn Stewart cantou em seu country de 1962 clique em “Como vive a outra metade”. Merle Haggard acabaria por se tornar um arquiteto do Bakersfield Sound, que abalou o estabelecimento de Nashville na década de 1960. Mas não antes de entrar em conflito com o sistema legal de maneiras que a maioria dos cantores country apenas canta.

Haggard passou pela primeira vez na prisão aos 11 anos, quando sua mãe o entregou às autoridades juvenis como “incorrigível”. Quando adolescente, Haggard foi para a prisão pelo menos mais três vezes e saiu pela fuga pelo menos uma vez. Em 1957, aos 18 anos, Haggard foi preso sob a acusação de roubo e condenado a 15 anos em San Quentin. Ele acabou cumprindo apenas dois anos dessa sentença, no entanto, e credita a Cash por ter lhe dado a inspiração para lançar uma carreira após a prisão que incluiu 38 sucessos # 1 nas paradas country, incluindo "Sing Me Back Home", "Okie From Muskogee ”e“ Hoje comecei a amar você de novo ”. Sobre a estreia de Johnny Cash na prisão, Haggard disse o seguinte: “Ele teve a atitude certa. Ele mascou chiclete, parecia arrogante e mostrou aos guardas - ele fez tudo que os prisioneiros queriam fazer. Ele era uma mãe má do Sul que estava lá porque nos amava. Quando ele foi embora, todos naquele lugar se tornaram fãs de Johnny Cash. ”

LEIA MAIS: Por que grupos de ódio seguiram Johnny Cash na década de 1960


Escolha um dia

2013 Pela primeira vez em 41 anos, o Ano Novo chega sem Dick Clark, que faleceu em 2012. Clark, apresentador de Coreto Americano entre muitos anos de entretenimento na TV e no rádio, apresentado Véspera de Ano Novo de Dick Clark de 1972 a 2012, até mesmo fazendo videoconferências em sua cama de hospital enquanto se recuperava de um derrame nos últimos anos. O show continua com muitos tributos em memória a Clark, enquanto seu protegido Ryan Seacrest assume como o novo apresentador.

2005, "I Don't Want To Be" de Gavin DeGraw, a música tema do popular drama adolescente One Tree Hill, atinge o pico em # 10 na Billboard Hot 100 no meio da segunda temporada do show. Mais

1990 A estação de rádio WKRL de Clearwater, Flórida, torna-se a primeira estação "All Led Zeppelin", dando início ao formato flip com 24 horas consecutivas de "Stairway To Heaven". A rotação all-Zep dura duas semanas, após as quais eles se tornam mais uma estação de Classic Rock tradicional (eles também mudam suas letras de chamada para WXTB).

1975 Stevie Nicks e Lindsey Buckingham oficialmente ingressam no Fleetwood Mac, trazendo com eles as canções "Rhiannon" e "Landslide".

1972 Three Dog Night se tornou a primeira banda de rock a andar em um carro alegórico no desfile Rose Bowl. Três de seus sucessos (incluindo "Joy To The World") tocam em um loop enquanto eles percorrem a rota.

1967 Como um agradecimento aos cidadãos de São Francisco que ajudaram a arrecadar dinheiro para fiança para dois de seus membros que foram presos no dia anterior durante um desfile, os Hells Angels encenam um show no Golden Gate Park com apresentações de Grateful Dead e Big Brother e a Holding Company (vocalista: Janis Joplin). O evento é batizado de "The New Year's Wail".

1966 Simon e Garfunkel se reencontram após uma versão reformulada de sua canção "The Sound Of Silence" atingir o número 1 nos Estados Unidos. Mais

1964 A BBC-TV lança um novo programa de variedades musicais intitulado Top Of The Pops, iniciado por "I Wanna Be Your Man", dos Rolling Stones, seguido por performances sincronizadas de Dusty Springfield, The Dave Clark Five, The Hollies e The Swinging Blue Jeans. Mais

1940 W2XDG em Nova York torna-se a primeira estação FM licenciada e começa a transmitir do Empire State Building.


Fotos recém-lançadas documentam performances históricas da prisão de Johnny Cash

SAN FRANCISCO (KPIX) & # 8212 Cinquenta anos atrás, o falecido Johnny Cash subiu em um palco em uma lanchonete na Prisão Estadual de Folsom e cantou seu coração para centenas de presos. Ao seu lado: um lendário fotógrafo da Bay Area.

KPIX dá uma olhada exclusiva nas fotografias recém-lançadas do histórico evento musical. Alguns nunca foram vistos pelo público e estão em exposição no San Francisco Art Exchange.

A exibição inclui dezenas de fotografias do músico fenomenal enquanto atuava na Prisão de Folsom em 1968 e mais tarde na Prisão Estadual de San Quentin em 1969.

& # 8220Há & # 8217s uma série de fotografias que nunca foram vistas antes por ninguém, & # 8221 disse o cofundador e diretor criativo da galeria, Theron Kabrich. & # 8220Aficionados da performance nem sabem que essas fotos existem. & # 8221

Cada momento dos lendários concertos foi fotografado pelo falecido Jim Marshall, que foi confiado e escolhido a dedo por Cash.

& # 8220Jim era muito amigo de Johnny Cash. Eles já haviam desenvolvido uma amizade e os dois se uniram porque eram dois seres humanos imperfeitos que realmente viveram suas vidas da maneira que queriam, sem desculpas, & # 8221 explicou Amelia Davis. Davis é o único beneficiário do Jim Marshall Estate. Marshall morreu em 2010.

Após a morte de Marshall & # 8217, Davis classificou suas imagens e folhas de prova e ficou surpreso.

Ela disse que ele pegaria um rolo de filme e depois escolheria aquele que queria imprimir. Mas, como ela descobriu, havia inúmeras imagens que eram lindas e ela decidiu publicá-las para que todos possam desfrutar. O livro mais recente é & # 8220Johnny Cash at Folsom and San Quentin: Fotografias de Jim Marshall & # 8221 e será publicado em 24 de julho pela Reel Art Press e BMG Books.

Cash e Marshall tiveram problemas com a lei. O músico sofria de um grave vício em drogas e comportamento autodestrutivo. O fotógrafo estava em liberdade condicional por atirar em um homem na época dos shows na Prisão de Folsom.

Davis disse que Cash era um forte defensor da reforma prisional e dos direitos dos prisioneiros. O músico se identificou com o oprimido e sentiu o poder da redenção.

Johnny Cash na capela da prisão de Folsom. (Foto: Jim Marshall)

Uma foto significativa que Marshall tirou de Cash: uma rara impressão colorida do músico encostado na porta que dava para a Capela Greystone, a capela da prisão. Um presidiário chamado Glen Sherley escreveu uma música sobre isso e a enviou para Cash.

Mal sabia o preso que Cash tocaria a música em Folsom enquanto Sherley se sentava na primeira fila.

Após a música, Marshall capturou uma foto passageira de Cash em seus pés apertando a mão de uma Sherley sorridente.

Kabrich apontou para outra fotografia que ele amava: Johnny Cash do lado de fora da Folsom na faixa de pedestres.

& # 8220Você & # 8217 tem esses marcadores brancos por todo o caminho e normalmente nós igualamos isso a uma faixa de pedestres, como Abbey Road com os Beatles atravessando Abbey Road para o álbum, & # 8221 disse Kabrich. Mas essa faixa de pedestres não era Abbey Road.

& # 8220Se você estiver caminhando sobre isso, você & # 8217 estará realmente entrando na prisão de Folsom & # 8221, disse ele.


O detento Merle Haggard ouve Johnny Cash interpretar a Prisão Estadual de San Quentin

Haggard passou pela primeira vez na prisão aos 11 anos, quando sua mãe o entregou às autoridades juvenis como “incorrigível”. Quando adolescente, Haggard foi para a prisão pelo menos mais três vezes e saiu pela fuga pelo menos uma vez. Em 1957, aos 18 anos, Haggard foi preso sob a acusação de roubo e condenado a 15 anos em San Quentin. Ele acabou cumprindo apenas dois anos dessa sentença, no entanto, e ele credita a Cash por ter lhe dado a inspiração para lançar uma carreira após a prisão que incluiu 38 sucessos # 1 nas paradas country, incluindo "Sing Me Back Home", "Okie From Muskogee ”e“ Hoje comecei a amar você de novo ”. Sobre a estreia de Johnny Cash na prisão, Haggard disse o seguinte: “Ele teve a atitude certa. Ele mascou chiclete, parecia arrogante e mostrou aos guardas - ele fez tudo que os prisioneiros queriam fazer. Ele era uma mãe má do Sul que estava lá porque nos amava. Quando ele foi embora, todos naquele lugar se tornaram fãs de Johnny Cash. ”


De & # 8220I Walk the Line & # 8221 a & # 8220Forty Shades of Green & # 8221 Johnny Cash era um tesouro simples. O artista da música country vendeu milhões de discos e se tornou uma mercadoria quente. Uma de suas canções mais queridas de todos os tempos é a canção de 1955 & # 8220Folsom Prison Blues & # 8221 que foi inspirada no filme Dentro das paredes da prisão de Folsom. TA música fez com que milhares de presidiários quisessem pegar a estrela ao vivo. Os pedidos o levaram a sua primeira apresentação na prisão na Prisão Estadual de San Quentin em 1º de janeiro de 1958.

Por volta dessa época, Cash teve a visão de gravar um álbum ao vivo na frente de prisioneiros. Infelizmente, essa visão foi jogada de lado por uma série de álbuns de estúdio. As coisas deram uma guinada em 1967, quando essa ideia foi apresentada à sua gravadora.


Advocacia da Reforma Prisional

Uma exposição online no site da Biblioteca do Estado da Califórnia destaca alguns dos defensores da reforma prisional de Cash, apresentando links para imagens de suas visitas com nada menos que seis presidentes dos EUA. O site também contém links para depoimentos do Congresso em uma sessão em que Cash apresentou legisladores a ex-presidiários para ouvir suas histórias. O músico sentou-se diante de membros do Congresso apenas no auge de sua fama, após os álbuns concertos ao vivo de Folsom e San Quentin. Vídeo de arquivo o mostra tentando redirecionar o presidente Reagan para uma discussão sobre a reforma. Em vez disso, Reagan parece estar preocupado com um certo conflito da América Central. Cash escreveu em sua autobiografia que orou com o presidente Carter. O concerto para o presidente Nixon tornou-se alimento do horário nobre quando Nixon solicitou publicamente que Cash tocasse duas canções altamente polêmicas - "Okie from Muskogee" de Haggard e "Cadillac de Bem-Estar" de Guy Drake. Ambas as canções podem ter sido originalmente concebidas como sátira, mas fora do contexto, foram interpretadas por muitas pessoas como altamente insultantes para comunidades específicas, especialmente os manifestantes da Guerra do Vietnã e os destinatários desfavorecidos dos programas de serviço social da Grande Sociedade. Nos anos posteriores, Cash foi inflexível ao escolher uma música diferente para o concerto de Nixon porque não conhecia as outras músicas bem o suficiente para um concerto presidencial. Em vez disso, ele tocou "What is Truth" com um segundo verso muito anti-guerra, "The Man in Black", novamente anti-guerra, com uma cutucada em direção ao Vietnã com a frase "Cada semana perdemos cem bons jovens". Seu final foi “The Ballad of Ira Hayes”, uma saga da vida real de Ira Hayes, um jovem nativo americano que ergueu a bandeira em Iwo Jima, mas que descobriu que a pobreza e o trauma pós-guerra eram demais e morreu jovem de alcoolismo. Um documentário recente, ReMastered: Tricky Dick e o Homem de Preto no Netflix, usa imagens de notícias para mostrar o quão explosivos esses intercâmbios teriam sido na mentalidade americana na época. A pergunta, “O que o Cash jogará?” tornou-se um assunto político quente e noticioso das seis horas. Se Cash foi honesto por não ter tempo ou talento para se ajustar às outras canções por si mesmo, ou se ele propositalmente tocou uma música que teria sido um suporte sutil para as noções esquerdistas da época, é algo que ele escolheu seu túmulo. Mas ele capitalizou a atenção na época para as discussões da questão da defesa da reforma penitenciária. Seu concerto para Nixon ocorreu quase na mesma época em que ele testemunhou perante o Congresso. “Eu vi e ouvi falar de coisas em alguns dos shows que gelariam o sangue do cidadão comum”, disse Cash ao Subcomitê de Penitenciárias Nacionais. “Mas eu acho que possivelmente o sangue do cidadão comum precisa ser resfriado para que a apatia e a condenação públicas aconteçam, porque agora temos problemas de 1972 e prisões de 1872 ... As pessoas precisam se preocupar para que a reforma penitenciária aconteça . ”


Ele se tornou um ministro ordenado

Cash era conhecido por sua imagem & # x201Coutlaw & # x201D com base em sua reputação de diabinho, especialmente nos anos 60, quando ele destruía quartos de hotel, dirigia seu jipe ​​enquanto tomava pílulas e se defrontava com a polícia. Este período de sua vida atingiu o ápice quando ele foi expulso do Grand Ole Opry por arrastar um pedestal de microfone pelas luzes do palco em um acesso de raiva, desrespeitando a & # x201 Igreja Matriz & # x201D da música country. Depois, ele bateu com o carro em um poste, quebrando vários dentes e quebrando o nariz. A maior parte dos excessos comportamentais da Cash & # x2019s foi resultado do uso de drogas.

Depois de se casar novamente com June Carter, da famosa família Carter, em 1968, Cash começou um reexame de décadas de sua vida e uma nova dedicação às suas raízes cristãs. Isso culminou em dois anos e meio de estudos no final dos anos 70, após os quais ele se formou em teologia e se tornou ministro. Ele foi incentivado em seus estudos pelo reverendo Billy Graham, que se tornou um amigo íntimo da família Cash durante esses anos. Embora ele nunca tenha tentado comandar uma congregação ou desempenhar um papel de orientação nos serviços religiosos, Cash presidiu o casamento de sua filha Karen. Tornar-se ministro foi a expressão máxima do sentimento religioso que caracterizou grande parte de sua vida.


Conteúdo

Cash nasceu J. R. Cash em Kingsland, Arkansas, em 26 de fevereiro de 1932, [16] [17] filho de Carrie Cloveree (née Rivers) e Ray Cash. Ele tinha três irmãos mais velhos, chamados Roy, Margaret Louise e Jack, e três irmãos mais novos, chamados Reba, Joanne e Tommy (que também se tornou um artista country de sucesso). [18] [19] Ele era principalmente de ascendência inglesa e escocesa. [20] [21] [22] Sua avó paterna também alegou ascendência Cherokee, embora um teste de DNA da filha de Cash, Rosanne, descobriu que ela não tinha marcadores nativos americanos conhecidos. [23] [24] Ele rastreou seu sobrenome escocês até Fife, do século 11, após se encontrar com o então laird das Malvinas, Major Michael Crichton-Stuart. [25] [26] [27] Cash Loch e outros locais em Fife levam o nome de sua família. [25] Ele é um primo distante do político conservador britânico Sir William Cash. [28] Sua mãe queria chamá-lo de John e seu pai preferiu chamá-lo de Ray, então J. R. acabou sendo o único acordo que eles puderam concordar. [29] Quando Cash se alistou na Força Aérea, ele não foi autorizado a usar as iniciais como primeiro nome, então ele mudou para John R. Cash. Em 1955, ao assinar com a Sun Records, ele começou a usar o nome Johnny Cash. [9]

Em março de 1935, quando Cash tinha três anos, a família estabeleceu-se em Dyess, Arkansas, uma colônia do New Deal estabelecida para dar às famílias pobres a oportunidade de trabalhar em terras que poderiam posteriormente possuir. [30] Desde os cinco anos de idade, ele trabalhou em plantações de algodão com sua família, cantando com eles enquanto trabalhavam. A fazenda Cash em Dyess passou por uma inundação, o que levou Cash mais tarde a escrever a música "Five Feet High and Rising". [31] As lutas econômicas e pessoais de sua família durante a Grande Depressão deram-lhe uma simpatia ao longo da vida pelos pobres e pela classe trabalhadora, e inspirou muitas de suas canções.

Em 1944, [32] o irmão mais velho de Cash, Jack, de quem era próximo, foi cortado quase em dois por uma serra de mesa desprotegida no trabalho e morreu uma semana depois. [33] De acordo com sua autobiografia, ele, sua mãe e Jack tinham um pressentimento sobre aquele dia em que sua mãe pediu a Jack que faltasse ao trabalho e fosse pescar com Cash, mas Jack insistiu em trabalhar porque a família precisava do dinheiro. Cash frequentemente falava da culpa que sentia pelo incidente e falava de estar ansioso para "encontrar [seu] irmão no céu". [9]

As primeiras memórias de Cash foram dominadas por música gospel e rádio. Ensinado violão por sua mãe e um amigo de infância, Cash começou a tocar e escrever canções aos 12 anos. Quando jovem, Cash tinha uma voz de tenor alto, antes de se tornar um barítono baixo depois que sua voz mudou. [34] No colégio, ele cantou em uma estação de rádio local. Décadas depois, ele lançou um álbum de canções gospel tradicionais chamado Livro de Hinos da Minha Mãe. Ele também foi significativamente influenciado pela música tradicional irlandesa, que ouvia ser tocada semanalmente por Dennis Day no programa de rádio Jack Benny. [35]

Cash alistou-se na Força Aérea em 7 de julho de 1950. [36] Após o treinamento básico na Base da Força Aérea de Lackland e o treinamento técnico na Base da Força Aérea de Brooks, ambas em San Antonio, Texas, Cash foi designado para o 12º Esquadrão Móvel de Rádio do Serviço de Segurança da Força Aérea dos EUA em Landsberg, Alemanha Ocidental. Ele trabalhou como operador de código Morse interceptando as transmissões do Exército Soviético. [37] Enquanto copiava as transmissões soviéticas, Cash soube da morte do primeiro-ministro soviético Stalin. [38] [ fonte não confiável? ] Enquanto estava em Landsberg, ele criou sua primeira banda, "The Landsberg Barbarians". [39] Em 3 de julho de 1954, ele foi dispensado com honra como sargento e retornou ao Texas. [40] Durante o serviço militar, ele adquiriu uma cicatriz distinta no lado direito da mandíbula como resultado de uma cirurgia para remover um cisto. [41] [42]

Início de carreira

Em 1954, Cash e Vivian mudaram-se para Memphis, Tennessee, onde vendeu eletrodomésticos enquanto estudava para ser locutor de rádio. À noite, ele tocou com o guitarrista Luther Perkins e o baixista Marshall Grant. Perkins e Grant eram conhecidos como Tennessee Two. Cash criou coragem para visitar o estúdio Sun Records, na esperança de conseguir um contrato de gravação. [43] Ele fez o teste para Sam Phillips cantando principalmente músicas gospel, apenas para aprender com o produtor que ele não gravava mais músicas gospel.Há rumores de que Phillips disse a Cash para "ir para casa e pecar, depois voltar com uma música que eu possa vender", embora em uma entrevista de 2002, Cash negou que Phillips tenha feito tal comentário. [44] Cash eventualmente conquistou o produtor com novas canções entregues em seu estilo rockabilly inicial. Em 1955, Cash fez suas primeiras gravações na Sun, "Hey Porter" e "Cry! Cry! Cry!", Que foram lançadas no final de junho e tiveram sucesso na parada de sucessos country.

Em 4 de dezembro de 1956, Elvis Presley apareceu em Phillips enquanto Carl Perkins estava no estúdio gravando novas faixas, com Jerry Lee Lewis apoiando-o no piano. Cash também estava no estúdio e os quatro começaram uma jam session improvisada. Phillips deixou as fitas rodando e as gravações, quase metade das quais eram canções gospel, sobreviveram. Eles já foram lançados sob o título Quarteto de um milhão de dólares. No Dinheiro: a autobiografia, Cash escreveu que era o que estava mais longe do microfone e cantou em um tom mais alto para se misturar com Elvis.

O próximo álbum de Cash, "Folsom Prison Blues", colocou o país entre os cinco primeiros. Seu "I Walk the Line" se tornou o número um nas paradas country e entrou no top 20 das paradas pop. Seguiu-se "Home of the Blues", gravado em julho de 1957. Nesse mesmo ano, Cash se tornou o primeiro artista da Sun a lançar um longa tocando álbum. Embora fosse o artista mais produtivo e de vendas mais consistente da Sun naquela época, Cash se sentiu constrangido por seu contrato com a pequena gravadora. Phillips não queria que Cash registrasse gospel e estava pagando a ele royalties de 3%, em vez da taxa padrão de 5%. Presley já havia deixado a Sun e Phillips estava concentrando a maior parte de sua atenção e promoção em Lewis.

Em 1958, Cash deixou a Phillips para assinar uma oferta lucrativa com a Columbia Records. Seu single "Don't Take Your Guns to Town" se tornou um de seus maiores sucessos, e ele gravou uma coleção de canções gospel para seu segundo álbum para a Columbia. No entanto, Cash deixou para trás um acúmulo suficiente de gravações com a Sun que Phillips continuou a lançar novos singles e álbuns, apresentando material inédito até 1964. Cash estava na posição incomum de ter novos lançamentos em duas gravadoras simultaneamente. O lançamento de 1960 da Sun, um cover de "Oh Lonesome Me", chegou ao 13º lugar nas paradas C & ampW.

(Quando a RCA Victor assinou com Presley, também comprou seus master da Sun Records, mas quando Cash partiu para a Columbia, Phillips reteve os direitos dos master do cantor Sun. A Columbia eventualmente licenciou algumas dessas gravações para lançamento em compilações após a morte de Cash.)

No início de sua carreira, Cash recebeu o apelido provocador de "o Undertaker" por outros artistas por causa de seu hábito de usar roupas pretas. Ele disse que os escolheu porque eram mais fáceis de manter a aparência limpa em viagens longas. [45]

No início dos anos 1960, Cash fez uma turnê com a Família Carter, que nessa época regularmente incluía as filhas da Mãe Maybelle, Anita, June e Helen. June depois, lembrou-se de admirá-lo de longe durante essas viagens. Na década de 1960, ele apareceu na curta série de televisão de Pete Seeger Rainbow Quest. [46] Ele também atuou, escreveu e cantou o tema de abertura de um filme de 1961 intitulado Cinco minutos de vida, mais tarde relançado como Maníaco porta a porta.

A carreira de Cash foi administrada por Saul Holiff, um promotor de London, Ontário. O relacionamento deles foi o assunto da cinebiografia do filho de Saul Meu pai e o homem de preto. [47]

Imagem de fora-da-lei

Enquanto sua carreira decolava no final dos anos 1950, Cash começou a beber muito e tornou-se viciado em anfetaminas e barbitúricos. Por um breve período, ele dividiu um apartamento em Nashville com Waylon Jennings, que era profundamente viciado em anfetaminas. O dinheiro usaria os estimulantes para ficar acordado durante as viagens. Amigos brincaram sobre seu "nervosismo" e comportamento errático, muitos ignorando os sinais de alerta do agravamento do vício em drogas.

Embora ele estivesse perdendo o controle de várias maneiras, Cash ainda conseguia fazer sucesso devido à sua criatividade frenética. Sua versão de "Ring of Fire" foi um sucesso cruzado, alcançando o número um nas paradas country e entrando no top 20 nas paradas pop. Foi originalmente tocada pela irmã de June, mas o arranjo de trompa ao estilo mariachi foi fornecido por Cash. [48] ​​Ele disse que isso lhe ocorreu em um sonho. Vivian Liberto afirmou uma versão diferente das origens de "Ring of Fire". Em seu livro, Eu andei na linha: minha vida com Johnny, Liberto diz que Cash deu a Carter metade do crédito de composição por razões monetárias. [49]

Em junho de 1965, o trailer de Cash pegou fogo durante uma pescaria com seu sobrinho Damon Fielder na Floresta Nacional Los Padres, na Califórnia, provocando um incêndio florestal que queimou várias centenas de hectares e quase causou sua morte. [50] [51] Cash alegou que o fogo foi causado por faíscas de um sistema de exaustão defeituoso em seu trailer, mas Fielder acha que Cash começou um incêndio para se manter aquecido e em sua condição drogada não percebeu que o fogo estava saindo de controle. [52] Quando o juiz perguntou a Cash por que ele fez isso, Cash disse: "Eu não fiz isso, meu caminhão fez, e está morto, então você não pode questionar." [53]

O incêndio destruiu 508 acres (206 ha), queimou a folhagem de três montanhas e expulsou 49 dos 53 condores da Califórnia ameaçados de extinção do refúgio. [54] Cash não se arrependeu e afirmou: "Não me importo com seus malditos urubus amarelos." [55] O governo federal o processou e recebeu $ 125.172. Cash acabou resolvendo o caso e pagou $ 82.001. [56] Em 2018, havia 488 condores da Califórnia vivendo na natureza ou em cativeiro. [57]

Embora Cash tenha cultivado uma imagem romântica de fora da lei, ele nunca cumpriu pena de prisão. Apesar de ter sido preso sete vezes por contravenções, ele ficou apenas uma noite em cada estada. Em 11 de maio de 1965, ele foi preso em Starkville, Mississippi, por invadir uma propriedade privada tarde da noite para colher flores. (Ele usou isso para escrever a música "Starkville City Jail", que ele discutiu em seu show Em San Quentin álbum.) [58] Durante a turnê naquele ano, ele foi preso em 4 de outubro em El Paso, Texas, por um esquadrão antidrogas. Os policiais suspeitaram que ele estava contrabandeando heroína do México, mas em vez disso encontraram 688 cápsulas de Dexedrina (anfetaminas) e 475 comprimidos de Equanil (sedativos ou tranqüilizantes) que o cantor havia escondido dentro de seu estojo de violão. Como as pílulas eram medicamentos controlados em vez de narcóticos ilegais, ele recebeu uma sentença suspensa. Cash depositou uma fiança de $ 1.500 e foi liberado até sua acusação. [59]

Nesse período de meados da década de 1960, Cash lançou uma série de álbuns conceituais. Seu Lágrimas Amargas (1964) foi dedicado à palavra falada e canções abordando a situação dos nativos americanos e os maus-tratos por parte do governo. Embora inicialmente tenha chegado às paradas, este álbum encontrou resistência de alguns fãs e estações de rádio, que rejeitaram sua abordagem polêmica sobre questões sociais. Em 2011, foi publicado um livro sobre o assunto, que culminou na regravação das canções de artistas contemporâneos e na realização de um documentário sobre o esforço de Cash com o álbum. Este filme foi ao ar na PBS em fevereiro e novembro de 2016. Seu Canta as baladas do verdadeiro oeste (1965) foi um álbum duplo experimental, misturando canções autênticas de fronteira com a narração falada de Cash.

Chegando a um ponto baixo com seu severo vício em drogas e comportamento destrutivo, Cash se divorciou de sua primeira esposa e teve suas apresentações canceladas, mas continuou a ter sucesso. Em 1967, o dueto de Cash com June Carter, "Jackson", ganhou um Grammy. [60]

Cash foi preso pela última vez em 1967 no condado de Walker, Geórgia, depois que a polícia descobriu que ele estava carregando uma sacola de comprimidos prescritos e sofreu um acidente de carro. Cash tentou subornar um deputado local, que recusou o dinheiro. O cantor foi preso durante a noite em LaFayette, Geórgia. O xerife Ralph Jones o soltou depois de dar-lhe uma longa conversa, alertando-o sobre o perigo de seu comportamento e potencial desperdiçado. Cash deu a essa experiência o crédito de ajudá-lo a se recuperar e salvar sua vida. Mais tarde, ele voltou a LaFayette para tocar em um concerto beneficente que atraiu 12.000 pessoas (a população da cidade era inferior a 9.000 na época) e arrecadou $ 75.000 para o colégio. [61] Refletindo sobre seu passado em uma entrevista de 1997, Cash observou: "Eu estava tomando as pílulas por um tempo, e então as pílulas começaram a me tomar." [62] June, Maybelle e Ezra Carter se mudaram para a mansão de Cash por um mês para ajudá-lo a se livrar das drogas. Cash propôs subir ao palco em 22 de fevereiro de 1968, em um show no London Gardens em London, Ontário, Canadá. O casal se casou uma semana depois (em 1º de março) em Franklin, Kentucky. Ela concordou em se casar com Cash depois que ele se "limpou". [63]

A jornada de Cash incluiu a redescoberta de sua fé cristã. Ele recebeu uma "chamada de altar" no Evangel Temple, uma pequena igreja na área de Nashville, pastoreada pelo reverendo Jimmie Rodgers Snow, filho da lenda da música country Hank Snow. De acordo com Marshall Grant, entretanto, Cash não parou completamente de usar anfetaminas em 1968. Cash não acabou com todo o uso de drogas até 1970, permanecendo livre de drogas por um período de sete anos. Grant afirma que o nascimento do filho de Cash, John Carter Cash, inspirou Cash a encerrar sua dependência. [64]

Cash começou a usar anfetaminas novamente em 1977. Em 1983, ele estava profundamente viciado novamente e tornou-se um paciente na Clínica Betty Ford em Rancho Mirage para tratamento. Ele ficou sem drogas por vários anos, mas teve uma recaída. Em 1989, ele era dependente e entrou no Centro de Tratamento de Álcool e Drogas de Cumberland Heights, em Nashville. Em 1992, ele começou a cuidar do Loma Linda Behavioral Medicine Center em Loma Linda, Califórnia, para seu tratamento final de reabilitação. (Vários meses depois, seu filho o seguiu até esta instalação para tratamento). [65] [66]

Folsom e outros shows de prisão

Cash começou a fazer shows em prisões no final dos anos 1950. Ele fez seu primeiro show famoso na prisão em 1º de janeiro de 1958, na Prisão Estadual de San Quentin. [67] Essas performances levaram a um par de álbuns ao vivo de grande sucesso, Johnny Cash na prisão de Folsom (1968) e Johnny Cash em San Quentin (1969). Ambos os álbuns ao vivo alcançaram o número um em Painel publicitário música country e este último cruzou para chegar ao topo do Painel publicitário parada de álbuns pop. Em 1969, Cash se tornou um sucesso internacional quando eclipsou até os Beatles ao vender 6,5 milhões de álbuns. [68] Em comparação, os concertos na prisão foram muito mais bem-sucedidos do que seus álbuns ao vivo posteriores, como Bolo de morango gravado em Londres e Morar no Madison Square Garden, que alcançou os números 33 e 39 nas paradas de álbuns, respectivamente.

O álbum Folsom Prison foi apresentado por uma versão de seu "Folsom Prison Blues", enquanto o álbum San Quentin incluía o single "A Boy Named Sue", uma canção inovadora escrita por Shel Silverstein que alcançou o primeiro lugar nas paradas country e número. dois no top 10 das paradas pop dos EUA. As versões AM deste último continham palavrões que foram editados da versão transmitida. As versões de CD modernas não são editadas, tornando-as mais longas do que nos álbuns de vinil originais, embora mantenham os overdubs de reação do público dos originais.

Cash se apresentou na Prisão de Österåker na Suécia em 1972. O álbum ao vivo På Österåker (Em Österåker) foi lançado em 1973. "San Quentin" foi gravado com Cash substituindo "San Quentin" por "Österåker". Em 1976, um concerto na Prisão Estadual do Tennessee foi gravado em vídeo para transmissão na TV e recebeu um lançamento tardio em CD após a morte de Cash como Um show atrás das paredes da prisão.

Ativismo para nativos americanos

Em 1965, Cash e June Carter apareceram no programa de TV de Pete Seeger, Rainbow Quest, no qual Cash explicou seu início como ativista para os nativos americanos:

Em 57, eu escrevi uma música chamada 'Old Apache Squaw' e então esqueci o chamado protesto indígena por um tempo, mas ninguém mais parecia falar alto. [69]

Columbia, a gravadora para a qual Cash estava gravando na época, se opôs a colocar a música em seu próximo álbum, considerando-o "muito radical para o público". [70] Cash cantando canções sobre a tragédia indígena e a violência dos colonos foi radicalmente contra a corrente principal da música country na década de 1950, que era dominada pela imagem do cowboy virtuoso que simplesmente faz o solo do nativo seu. [71]

Em 1964, saindo das paradas de sucesso de seu álbum anterior Eu ando na linha, ele gravou o álbum mencionado Lágrimas amargas: baladas do índio americano.

Ainda estamos aqui: Johnny Cash's Bitter Tears Revisited, documentário de Antonino D'Ambrosio (autor de Um coração e uma guitarra: Johnny Cash e o making of Bitter Tears) conta a história do controverso álbum conceitual de Johnny Cash "Bitter Tears: Ballads of the American Indian", cobrindo as lutas dos nativos americanos. O DVD do filme foi lançado em 21 de agosto de 2018. [72]

O álbum continha histórias de uma multidão de povos indígenas, principalmente de sua violenta opressão por colonos brancos: os Pima ("A Balada de Ira Hayes"), Navajo ("Navajo"), Apache ("Lágrimas de Apache"), Lakota (" Pé grande "), Sêneca (" Contanto que a grama cresça ") e Cherokee (" Folhas que falam "). Cash escreveu três das canções ele mesmo e uma com a ajuda de Johnny Horton, mas a maioria das canções de protesto foi escrita pelo artista folk Peter La Farge [73] (filho do ativista e vencedor do Prêmio Pulitzer Oliver La Farge), que Cash conheceu em Nova York na década de 1960 e a quem admirava por seu ativismo. [74] O single do álbum, "The Ballad of Ira Hayes" (sobre Ira Hayes, um dos seis a hastear a bandeira dos EUA em Iwo Jima), foi negligenciado por rádios apolíticas na época, e a gravadora negou qualquer promoção devido ao seu protesto provocativo e natureza "desagradável". [75] Cash enfrentou resistência e foi até mesmo instado por um editor de uma revista de música country a deixar a Country Music Association: "Você e sua turma são inteligentes demais para se associarem a pessoas simples do country, artistas country e DJs country." [76]

Em reação, em 22 de agosto de 1964, Cash postou uma carta como anúncio em Painel publicitário, chamando a indústria fonográfica de covarde: "DJs - gerentes de estação - proprietários. onde está sua coragem? Tive de revidar quando percebi que tantas estações têm medo de Ira Hayes. Só uma pergunta: POR QUE. Ira Hayes é um remédio forte. Assim como Rochester, Harlem, Birmingham e Vietnã. " [77] [78] Cash continuou promovendo a música ele mesmo e usou sua influência em disc jockeys de rádio que ele conheceu eventualmente para fazer a música subir para o número três nas paradas country, enquanto o álbum subiu para o número dois nas paradas de álbuns. [76]

Mais tarde The Johnny Cash Show, ele continuou contando histórias da situação dos índios americanos, tanto em música quanto por meio de curtas-metragens, como a história da Trilha das Lágrimas. [79]

Em 1966, em resposta ao seu ativismo, o cantor foi adotado pelo Seneca Nation's Turtle Clan. [23] Ele realizou benefícios em 1968 na reserva Rosebud, perto do marco histórico do massacre em Wounded Knee, para arrecadar dinheiro para ajudar a construir uma escola. Ele também jogou na D-Q University na década de 1980. [80]

Johnny Cash usou seu estrelato e status econômico para chamar a atenção para as questões que envolvem o povo nativo americano. [81] Cash cantou canções sobre a humanidade indígena em um esforço para confrontar o governo dos EUA. Muitos americanos não nativos evitavam cantar sobre essas coisas. [82]

Em 1970, Cash gravou uma leitura do ensaio de John G. Burnett sobre o aniversário de 80 anos de 1890 [83] sobre a remoção de Cherokee para a Associação de Marcos Históricos (Nashville). [84]

The Johnny Cash Show

De junho de 1969 a março de 1971, Cash estrelou seu próprio programa de televisão, The Johnny Cash Show, na rede ABC. [85] Produzido pela Screen Gems, o show foi apresentado no Ryman Auditorium em Nashville. Os Statler Brothers abriram para ele em todos os episódios a Família Carter e a lenda do rockabilly Carl Perkins também fizeram parte da comitiva regular do programa. Cash também gostou de contratar artistas mainstream como convidados, incluindo Linda Ronstadt em sua primeira aparição na TV, Neil Young, Louis Armstrong, Neil Diamond, Kenny Rogers e The First Edition (que apareceu quatro vezes), James Taylor, Ray Charles, Roger Miller, Roy Orbison , Derek e os Dominos, Joni Mitchell e Bob Dylan. [85]

De 15 a 18 de setembro de 1969, em Albuquerque, Novo México, ele realizou uma série de quatro concertos na Feira Estadual do Novo México para promover a primeira temporada de The Johnny Cash Show. [86] [87] Esses shows ao vivo foram produzidos com a ajuda da ABC e do produtor local de shows Bennie Sanchez, durante esses shows Johnny Cash e Al Hurricane se apresentaram juntos. [88] Também durante The Johnny Cash Show era, ele contribuiu com a canção-título e outras canções para o filme Little Fauss e Big Halsy, estrelado por Robert Redford, Michael J. Pollard e Lauren Hutton. [89] A canção-título, "A Balada de Little Fauss e Big Halsy", escrita por Carl Perkins, foi indicada ao Globo de Ouro em 1971. [90] [91]

Cash se encontrou com Dylan pela primeira vez em meados da década de 1960 e tornou-se vizinho no final da década de 1960 em Woodstock, Nova York. Cash estava entusiasmado com a reintrodução do recluso Dylan ao seu público. Cash cantou um dueto com Dylan, "Girl from the North Country", no álbum country de Dylan Nashville Skyline e também escreveu o encarte do álbum vencedor do Grammy.

Outro artista que recebeu um grande impulso na carreira de The Johnny Cash Show era Kris Kristofferson, que estava começando a fazer seu nome como cantor e compositor. Durante uma apresentação ao vivo de "Sunday Mornin 'Comin' Down" de Kristofferson, Cash se recusou a mudar a letra para se adequar aos executivos da rede, cantando a música com suas referências à maconha intactas:

Em uma calçada de domingo de manhã
Eu estou desejando, Senhor, que eu estava chapado. [92]

O programa de fechamento de The Johnny Cash Show foi um especial de música gospel. Os convidados incluíram os Irmãos Blackwood, Mahalia Jackson, Stuart Hamblen e Billy Graham. [93]


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Em San Quentin está a gravação de um concerto ao vivo dado por Johnny Cash aos presidiários da Prisão Estadual de San Quentin, lançado em 4 de junho de 1969. Ele liderou as paradas Billboard 200 Top LP & # 039s e Top C & ampW LP & # 039s. O álbum foi indicado a uma série de prêmios Grammy, incluindo Álbum do Ano e ganhou Melhor Performance Vocal Country Masculina por & quotA Boy Named Sue & quot.

Uma das estrelas inequívocas da música country, Johnny Cash manteve o respeito pelas dificuldades do público ao elevá-lo a essa posição.Gravado ao vivo em uma das prisões mais notórias da América, este álbum mostra uma empatia desprovida de condescendência e captura um artista que combina carisma com naturalidade. O material é equilibrado entre favoritos estabelecidos e novos materiais, incluindo & quotWanted Man & quot (uma música não gravada de Bob Dylan) e o hit alegre & quotA Boy Named Sue. & Quot Não foi a primeira vez que Cash gravou em uma instituição penal, mas esta aparição, em uma época em que os valores americanos eram questionados veementemente, sugeria que a rebeldia do artista não havia diminuído.
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REVISÃO DO ROLLING STONE ORIGINAL

Johnny Cash se lembra dos homens esquecidos. Eles o amam. Cantando dentro de uma prisão para homens cujos espíritos estão sendo destruídos por nosso sistema penal estúpido é o tipo de revolução de Johnny Cash. A música se torna espiritualidade no contexto da prisão. A música é inerentemente destrutiva de tudo o que a penologia representa. A música afirma. A música liberta.

Cash parece muito cansado neste álbum (& quotol & # 039 Johnny se dá melhor sob pressão & quot, ele diz), sua voz em algumas músicas apenas saindo do tom. Mas a sensação de que a comunicação humana real está ocorrendo mais do que compensa isso. Comunicar-se com o público da época está se tornando uma arte perdida devido à ascensão da música gravada como a música dessa cultura. Mesmo as chamadas bandas modernas "revolucionárias", no contexto da nova tecnologia do estúdio de gravação, são limitadas em termos do tipo de sentimento que podem inventar. A maior parte dos músicos de hoje lida com uma matriz de valores que tende a desconsiderar a viagem interpessoal entre o artista e o público ao vivo. Ninguém quer aceitar sua própria humanidade. Não é permitido que erros permaneçam na gravação moderna, exceto, digamos, como uma introdução, representando algo inteligente que aconteceu no estúdio.

& quotSan Quentin, o que você acha que faz? & quot Cash e Bob Johnston, deixando vários minutos de espaço-tempo não musical neste álbum, mostram ao ouvinte que as realidades humanas eram de importância primordial para o intérprete e o produtor. Contraia a intensidade da emoção evidente nas risadas dos presidiários, o entusiasmo dos aplausos e a onda de vaias que você ouvirá quando um guarda trouxer um copo d'água para Cash depois que ele cantou seu novo & quotSan Quentin (Você & # 039ve sido um inferno vivo para mim), & quot compare isso com as gargalhadas e aplausos insípidos em, digamos, uma comédia de situação na TV, e você começa a compreender a importância da abordagem de Cash & # 039 e os fatos reais de como ele é passando sua vida e quem ele está escolhendo como seu público. Considere os valores que a maioria de nós desenvolveu e as manifestações desses valores. É ótimo viajar por sons e cores, mas os valores que se acumulam para um cara que fica sentado no bloco o dia todo se perdendo e os valores de um cara que passa seu tempo brincando para prisioneiros, gostando e ganhando para nós também é outra coisa novamente.

As objeções usuais sobre gravações ao vivo parecem mais ou menos irrelevantes porque os sons que são apresentados neste álbum são muito mais do que música. Uma nova música de Dylan, & quotWanted Man, & quot começa o show. O relacionamento de Cash é instantâneo, e ele pode muito bem interpretar o protagonista e também cantá-lo: “Homem desejado por Lucy Watson, homem procurado por Jeannie Brown, homem procurado por Nellie Johnson, homem procurado nesta próxima cidade. A própria história de "Dig Cash" sobre a justiça do sul e sua noite em Starkville, Mississippi, por colher flores. & quotI Walk the Line & quot soa duro, durão, Johnny Cash funk, e há & quot; # 039s um Shel Silverstein falando blues & quotA Boy Named Sue & quot — realmente um crack-up. O conteúdo é tão edípico e piegas, o tratamento do Cash é lindo. E Cash canta & quotSan Quentin & quot duas vezes seguidas. A incrível diferença entre os dois & quottakes & quot justifica totalmente o duplo tiro. “Eu meio que gosto disso agora”, declara Johnny. "Paz no Vale", o velho espiritual, fecha tudo, apenas para ser seguido por uma breve e forte amostra de "Folsom Prison Blues". O show acabou, e aqueles humanos ainda estão trancados do outro lado da baía. A memória de Cash fazendo rap com seu público hairtrigger permanece comigo. Onde deve estar o dinheiro para se relacionar tão bem com aqueles que colocamos em nossas masmorras? (RS 38)

TRILHAS:
Todas as músicas de Johnny Cash, exceto conforme indicado.
Lado 1
& quotWanted Man & quot (Bob Dylan / Johnny Cash)
& quotWreck of the Old 97 & quot (Bob Johnston, Norman Blake)
& quotEu ando na linha & quot
& quotDarling Companion & quot (John Sebastian)
& quot Starkville City Jail & quot

Lado 2
& quotSan Quentin & quot
& quotSan Quentin & quot
& quotA Boy Named Sue & quot (Shel Silverstein)
& quot (Haverá & # 039ll Haverá) Paz no Vale & quot (Thomas A. Dorsey)
& quotFolsom Prison Blues & quot

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NESTA DATA (57 ANOS ATRÁS)
25 de junho de 1964 - The Animals: “The House Of The Rising Sun” b / w “Talkin & # 039 & # 039Bout You” (MGM K 13264) 45 single é lançado nos EUA.

& quotThe House of the Rising Sun & quot é uma canção folclórica tradicional, às vezes chamada & quotRising Sun Blues & quot. Ele fala de uma vida que deu errado em Nova Orleans. A versão comercial de maior sucesso, gravada em 1964, The Animals, foi o sucesso número um no Reino Unido, Estados Unidos, Suécia, Finlândia e Canadá.

É reconhecido como um dos clássicos da música pop britânica. O escritor Lester Bangs classificou-o como & quota brilhante rearranjo & quot e & quota nova versão padrão de uma composição padrão antiga. & Quot Classificou-se em 122º lugar na lista da revista Rolling Stone & # 039s 500 melhores músicas de todos os tempos. Também faz parte do Hall da Fama do Rock and Roll & # 039s 500 Songs that Shaped Rock and Roll. A RIAA colocou-o como o número 240 em sua lista de Músicas do Século. Em 1999, recebeu um prêmio Grammy Hall of Fame. Há muito que se tornou um grampo dos formatos de rádio de rock clássico e antigo. Uma votação do Five 2005 classificou-a como Britains & # 039, a quarta música favorita em primeiro lugar.

Uma entrevista com Eric Burdon revelou que ele ouviu a música pela primeira vez em um clube em Newcastle, Inglaterra, onde foi cantada pelo cantor folk da Nortúmbria, Johnny Handle. Os Animals estavam em turnê com Chuck Berry e o escolheram porque queriam algo diferente para cantar. Esta entrevista refuta as afirmações de que a inspiração para o arranjo veio de Bob Dylan. A banda fez um grande sucesso com a música, para desgosto de Dylan quando sua versão foi chamada de cover. A ironia disso não passou despercebida por Dave Van Ronk, que disse que toda a questão era uma & quottempest em um bule & quot, & quot e que Dylan parou de tocar a música após o sucesso de The Animals & # 039 porque os fãs acusaram Dylan de plágio. Dylan disse que ouviu pela primeira vez a versão dos Animais & # 039 no rádio de seu carro e "pulou da cadeirinha do carro" porque gostou muito.
Dave Marsh descreveu The Animals & # 039 assumir & quotThe House of the Rising Sun & quot como & quot. o primeiro hit folk-rock, & quot soando & quot. como se eles "conectassem a música antiga a um fio elétrico". O escritor Ralph McLean, da BBC, concordou que, "foi indiscutivelmente a primeira música de folk rock", chamando-a de "single revolucionário de quota", após o qual & quotthe face da música moderna mudou para sempre. & quot Van Ronk afirma que esta versão foi baseada em seu arranjo da música.

A versão Animals & # 039 transpõe a narrativa da canção do ponto de vista de uma mulher levada a uma vida degradante, para a de um homem, cujo pai agora era jogador e bêbado, ao contrário do namorado nas versões anteriores.

The Animals começou apresentando seu arranjo de & quotHouse of the Rising Sun & quot durante uma turnê conjunta com Chuck Berry, usando-o como seu número de encerramento para se diferenciar de artistas que sempre fechavam com roqueiros heterossexuais. Teve uma tremenda reação do público, convencendo inicialmente o relutante produtor Mickie Most de que havia atingido o potencial e entre as paradas da turnê o grupo foi a um pequeno estúdio de gravação em Kingsway em Londres para capturá-lo.

Gravado em apenas uma tomada em 18 de maio de 1964, começou com um famoso arpejo de guitarra elétrica Um acorde menor de Hilton Valentine. A apresentação decolou com o vocal principal de Burdon & # 039, que foi descrito de várias maneiras como & quothowling & quot, & quotsoulful & quot e como & quot. profunda e gravemente como a cidade de carvão de Newcastle, no nordeste da Inglaterra, que o gerou. & quot] Finalmente, a parte de órgão pulsante de Alan Price & # 039 (tocada em um Vox Continental) completou o som. Burdon disse mais tarde: & quotEstávamos procurando uma música que chamasse a atenção das pessoas & # 039. & quot

Conforme registrado, & quotHouse of the Rising Sun & quot durou quatro minutos e meio, considerado muito tempo para um single pop na época. O produtor Most, que de outra forma minimizou seu papel nesta ocasião - & quotTudo estava no lugar certo. Levei apenas 15 minutos para fazer, então eu não posso "levar muito crédito pela produção" - no entanto, agora eu era um crente e declarou-o como um single em sua totalidade, dizendo & quotNós & # 039 estamos em um mundo microgroove agora, vamos lançá-lo. & quot

O crédito que arranjou foi apenas para Alan Price. De acordo com Burdon, isso aconteceu simplesmente porque não havia espaço suficiente para nomear todos os cinco membros da banda na gravadora, e o primeiro nome de Alan Price & # 039 foi primeiro em ordem alfabética. No entanto, isso significa que apenas Price recebeu royalties do compositor e # 039 pelo sucesso, um fato que tem causado amargura desde então, especialmente com Valentine.
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CAIXA, 25 de julho de 1964 - Escolhas para iniciantes

THE HOUSE OF THE RISING SUN (2:58) [Al Gallico BMI-Price] TALKIN & # 039 SOBRE VOCÊ (1:55) [Progressive BMI-Charles] OS ANIMAIS (MGM 13264) Os Animais são um grupo de cantores que atualmente são desfrutando de um sucesso número 1 na Inglaterra com & quotThe House Of The Rising Sun & quot e as chances são de que eles possam duplicar os resultados do gráfico nos Estados Unidos. o chumbo oferece contando um estilo vocal solo. O caso Ray Charles, & quotTalkin & # 039 About You & quot, dá um passeio de blues na meia.

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The Animals - House of the Rising Sun (1964) High Quality [HQ] .flv

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NESTA DATA (47 ANOS ATRÁS)
25 de junho de 1973 - Chicago: Chicago VI é lançado.
# TODAS AS COISAS MÚSICA PLUS + 4.5 / 5
# Allmusic 4/5 estrelas
# Rolling Stone (veja a crítica original abaixo)

Chicago VI é o sexto álbum de Chicago, lançado em 25 de junho de 1973. Ele passou cinco semanas na posição # 1 na Billboard 200 Top LP & # 039s & amp Tape chart.

Enquanto Robert Lamm mantém sua destreza como compositor em Chicago VI (autor de metade das faixas do álbum & # 039s, incluindo sua resposta a alguns dos críticos negativos de Chicago & # 039s em & quotCritics & # 039 Choice & quot), James Pankow é o responsável pelo álbum & # 039s dois sucessos, & quotJust You & # 039N & # 039 Me & quot (# 4) e & quotFeelin & # 039 Stronger Every Day & quot (# 10), o último dos quais foi co-composto com Peter Cetera, que, ele mesmo, conseguiu outra faixa em Chicago VI, o influenciados pelo país & quotIn Terms Of Two & quot.

Depois de gravar todos os primeiros cinco álbuns de Chicago e # 039 em Nova York, o produtor James William Guercio construiu seu próprio Caribou Studios em Nederland, Colorado durante 1972, concluído a tempo para a banda gravar seu sexto álbum em fevereiro seguinte. Ele permaneceria como sua base de gravação pelos próximos quatro anos.

O álbum em que Chicago abandonou totalmente suas raízes de jazz-rock iniciais e se tornou estritamente pop, Chicago VI de 1973 e # 039s apresenta dois dos melhores singles da banda & # 039s, o romântico & quotJust You & # 039N & # 039 Me & quot e o edificante & quotFeelin & # 039 Stronger Every Day, & quot junto com um conjunto sólido de faixas do álbum. Terry Kath & # 039s & quotO que & # 039s This World Coming To & quot e Lamm & # 039s sonhador & quotAlgo in This City Changes People & quot são quase tão fortes quanto os grandes sucessos. Em outro lugar, o país frito & quotIn Terms of Two & quot prova um desvio estilístico interessante. Chicago sempre foi uma banda de singles definitiva, mas quem quer explorar seu catálogo além dos sucessos deve conferir este excelente lançamento.
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Trecho retirado do box & quotGrupo Retrato & quot
Retrato de grupo por William James Ruhlmann

Guercio, por sua vez, havia comprado um rancho no Colorado e construído ali um estúdio de gravação que apelidou de Caribou, buscando evitar os gastos e as restrições dos estúdios de Nova York e do que considerava seus equipamentos desatualizados. Chicago voltou ao rancho em fevereiro de 1973 para começar a trabalhar em seu sexto álbum.

“Cansamos um pouco de gravar em Nova York, com empregadas batendo na porta do seu hotel [porta do quarto], com a cidade movimentada”, diz Parazaider. & quotIsso encerrou uma era por enquanto, e o sexto, sétimo, oitavo, décimo e décimo primeiro álbum foram gravados no Caribou Ranch a 8.500 pés de altura nas Montanhas Rochosas, a cerca de uma hora & # 039s de carro de Boulder. & quot

Embora o rancho fosse destinado a facilitar o trabalho ininterrupto, as coisas não funcionaram bem dessa maneira. “De certa forma foi bom”, admite Parazaider, “mas depois de duas ou três semanas, nossa produtividade diminuiu. Você poderia ir lá para cima e fazer snowmobile se fosse inverno, você poderia andar a cavalo e fugir das coisas, você poderia caminhar na floresta. Ele tinha 3.000 acres lá em cima. Mas depois de duas ou três semanas, tive que pular o muro e descer até a cidade e ver o que diabos estava acontecendo. Ficou tão quieto que o silêncio foi ensurdecedor. Isso me incomodou. Nunca fizemos mais do que duas ou três semanas [de cada vez] depois daquele sexto álbum. & Quot

Mas pelo som e pela qualidade geral do trabalho produzido, é difícil culpar o Caribou Ranch, cujos primeiros frutos foram lançados em junho de 1973, na forma do single & quotFeelin & # 039 Stronger Every Day & quot e do álbum Chicago VI.

& quotEu me lembro exatamente do início desse & quot, diz Cetera, que co-escreveu a canção de rock que retornou Chicago ao Top 10 dos Top 100. & quotEstamos no Akron Rubber Bowl em Akron, Ohio, um show ao ar livre que foi atrasou um pouco por causa da chuva, e assim, chegamos lá nossa hora e meia normal antes do show, e estávamos sentados, e nos disseram que esperaríamos pelo menos uma hora, e eu ouvi Jimmy [ Pankow] na outra sala tocando o início real daquela música, e eu disse, & # 039Bem, isso & # 039 é bom. & # 039 Eu me aproximei e disse: & # 039O que é isso? & # 039 e ele foi , & # 039Oh, eu não sei, eu & # 039 estou apenas brincando. & # 039 Então, eu disse, & # 039Bem, Deus, eu gosto disso & # 039 e ele vai, & # 039Você gosta? & # 039 e eu fomos, & # 039 Sim. & # 039 Eu fui e peguei meu baixo, e nós sentamos lá e brincamos com ele, e algumas semanas depois, depois que saímos da estrada, fui à casa dele e nós escreveu & # 039Feelin & # 039 Stronger Every Day. & # 039 & quot

A canção tem uma letra com um toque curioso sobre o rompimento romântico, o narrador se declarando no caminho da recuperação, em vez de ficar pensando no rompimento. Para Pankow, também tinha uma mensagem implícita para a banda. & quot, Stronger Every Day & # 039 foi sobre um relacionamento & quot, diz ele, & quot mas, ainda, subjacente a esse relacionamento & # 039 é quase como se a banda estivesse se sentindo mais forte do que nunca. ”

Chicago VI sugere uma transição ocorrendo no grupo. Lamm, sempre um tipo de escritor do tempo presente, começa com sua resposta às críticas negativas de Chicago, perguntando queixosamente, & quotO que você quer ?, antes de criticar os críticos como parasitas. & quotQuando escrevi & # 039Critics & # 039 Choice ’, fiquei ferido & quot Lamm diz, & quotporque sempre senti como se estivéssemos vindo de um lugar honesto e que certamente não sentíamos o que estava começando a ser dito ou escrito sobre nós. Sempre nos sentimos muito bem com o que estávamos fazendo quando gravamos e tocamos e, em grande parte, não entendíamos o tipo de crítica que estávamos recebendo. Depois de & # 039Critics & # 039 Choice & # 039, acho que todos na banda chegaram ao ponto em que sentimos que se tentarmos fazer um ótimo trabalho o tempo todo, isso vai cuidar de si mesmo. Não tenho certeza se alguma vez aconteceu. & Quot

Pankow " baladas e muito um prenúncio do futuro. & quot & # 039Just You ‘N’ Me & # 039 foi o resultado de uma briga de amantes & # 039 & quot, lembra Pankow. & quotEu estava em processo de possivelmente ficar noivo dessa senhora, que é minha esposa há 18 anos. Estávamos morando juntos em LA e tivemos um desentendimento, e ao invés de enfiar o punho na parede ou ficar louco e nuclear, fui até o piano, e essa música meio que derramou. Eu não tive que pensar sobre isso. Acabamos nos casando logo em seguida, e a folha principal dessa música era o anúncio do casamento, com nossa foto gravada nela. & Quot

Em uma nota não musical, Chicago VI tinha outro design de capa incomum que finalmente incorporou uma foto pequena e séria da banda, e o design ironicamente espelhava a carreira do estado de Chicago em 1973. & quotO sexto álbum foi realmente coberto com dinheiro papel, & quot diz Pankow, & quotU.S. papel da moeda com o qual eles ganharam dinheiro. Foi impresso nesse papel para dar a ele uma aparência granulada, quase de moeda. & Quot O design só pode ser chamado de apropriado para um recorde que perdia apenas para Elton John & # 039s Goodbye Yellow Brick Road como o álbum de maior sucesso de 1973.
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REVISÃO DO ROLLING STONE ORIGINAL

O que você quer? Estou dando tudo o que tenho,
Estou até tentando ver se há mais.
Trancado bem no fundo, eu tentei.
Você não consegue ver que sou eu.
O que você precisa? É alguém só para machucar
Para parecer inteligente?
Para manter um emprego estável, brincar de deus?
O que você realmente sabe?
Seu parasita, você é dinamite
Um descuido, entendendo mal o que você ouve
Você é rápido para torcer e ser voluntário
Absurdos, blasfêmias musicais.
Oh Senhor, salve todos nós.
- & quotCritics & # 039 Choice & quot Robert Lamm

Minhas condolências ao Sr. Lamm. Quanto ao resto do álbum, já deve estar claro que Chicago se tornou prisioneira de sua própria imagem.Ao tentar arduamente representar o papel dos & quothippest-dudes no planeta & quot, eles só conseguiram caricaturar-se por meio de promessas arrogantes de lealdade à aberração bandeira de Hippiedom. É triste que o grupo ainda não tenha percebido a correlação entre suas ações e a resposta crítica que geram, mas ainda mais triste é o fato de que muitas das pessoas que riem deles não tiveram tempo para diferenciar entre o grupo & # A bufonaria de 039 e a música que a acompanha.

Se o fizessem, eles descobririam que provavelmente consideraram Chicago errado o tempo todo. Os rapazes de Windy City podem ter tentado entrar na moda, mas depois de seu excepcional álbum de estreia, seu produto tem sido estritamente MORsville. Não que isso deva ser tomado como uma desculpa para uma musicalidade de má qualidade, é apenas que quando as pessoas entendem onde Chicago realmente está musicalmente, é muito mais fácil entendê-las.

Chicago VI contém duas cantigas comerciais mais ou menos notáveis, qualquer uma das quais aumentaria a lista de reprodução média do rádio cem vezes mais. Terry Kath & # 039s & quotJenny & quot é um verdadeiro deleite. Sua simplicidade é revigorante - guitarra, baixo, bateria e o pedal steel de J.G. O & # 039Rafferty adicionado como uma boa medida - e os resultados são um sucesso completo. Uma balada etérea sobre o amor entre homem e cachorro, é tão direta que transcende a banalidade do assunto.

Peter Cetera & # 039s & quotIn Terms of Two & quot é igualmente bem-sucedido, sua principal atração é o sopro da harpa juvenil de um harmonicat não identificado. Ele dá direção à música & # 039s, de outra forma, um suporte rítmico mecânico e serve como um foco para a acessibilidade do ouvinte. O arranjo lírico de Cetera é louvável: ele retorna à frase & quot em termos de dois & quot não por repetição, mas como uma reafirmação do tema principal da canção. Mais uma vez, é a simples honestidade dessa música que o puxa, uma qualidade ausente do resto de Chicago VI.

As outras seis canções são variações quase indiscerníveis do que agora é conhecido como a & quotChicago Formula & quot. Letras pretensiosas & quot temos que juntar & quot, arranjos musicais confusos e uma mistura que carece de direção específica são agrupados em um pacote fluente e elegante, isso parece desprovido de envolvimento emocional por parte da banda.

É duvidoso se Chicago algum dia retornará a tocar o tipo de música que agraciou seu primeiro álbum. Isso foi progressivo! Então, tudo o que vocês aí tinham poderiam muito bem se acocorar e conhecer Chicago pelo que eles realmente são - um bando de caras bem-intencionados que não querem fazer mal a ninguém. Se eles querem se enganar sobre ser outra coisa que não o Rock & amp roll Doc Severinsens, tudo bem para mim. Considere a música deles pelo que ela vale, afinal, é o meio do caminho que torna as margens possíveis. (RS 141)

Gordon Fletcher (17 de agosto de 1973)

TRILHAS:
Lado um
& quotCritics & # 039 Choice & quot (Robert Lamm) - 2:49
& quotSó você & # 039n & # 039 eu & quot (James Pankow) - 3:42
& quotDarlin & # 039 Caro & quot (Lamm) - 2:56
& quotJenny & quot (Terry Kath) - 3:31
& quotO que & # 039s este mundo está chegando & # 039 a & quot (Pankow) - 4:58

Lado dois
& quotAlgo nesta cidade muda as pessoas & quot (Lamm) - 3:42
& quotHollywood & quot (Lamm) - 3:52
& quotEm Termos de Dois & quot (Peter Cetera) - 3:29
& quotRedescoberta & quot (Lamm) - 4:47
& quotFeelin & # 039 cada dia mais forte & quot (Cetera, Pankow) - 4:15


Conteúdo

Os pais de Haggard eram Flossie Mae (nascida Harp 1902-1984) e James Francis Haggard (1899-1946). [7] A família mudou-se para a Califórnia de sua casa em Checotah, Oklahoma, durante a Grande Depressão, depois que seu celeiro foi queimado em 1934. [8]

Eles se estabeleceram com seus dois filhos mais velhos, James 'Lowell' (1922–1996) e Lillian, em um apartamento em Bakersfield, enquanto James começou a trabalhar para a ferrovia Santa Fe. Uma mulher que possuía um vagão localizado em Oildale, uma cidade próxima, perguntou ao pai de Haggard sobre a possibilidade de convertê-lo em uma casa. Ele remodelou o vagão e logo depois se mudou, comprando também o terreno, onde Merle Ronald Haggard nasceu em 6 de abril de 1937. [9] [10] A propriedade foi eventualmente ampliada com a construção de um banheiro, um segundo quarto, uma cozinha , e uma copa no lote adjacente. [9]

Em 1946, o pai de Haggard morreu de hemorragia cerebral. [10] Haggard, de 9 anos, foi profundamente afetado pela perda, e isso permaneceu como um evento crucial para ele pelo resto de sua vida. Para sustentar a família, a mãe de Haggard conseguiu um emprego como contadora. [11] O irmão mais velho Lowell deu sua guitarra para Merle quando Merle tinha 12 anos. Haggard aprendeu a tocá-la sozinho, [9] com os discos que tinha em casa, influenciado por Bob Wills, Lefty Frizzell e Hank Williams. [12] Enquanto sua mãe estava trabalhando durante o dia, Haggard começou a ter problemas. Ela o mandou para um centro de detenção juvenil por um fim de semana para tentar corrigi-lo, mas seu comportamento não melhorou. Na verdade, ele piorou. [13]

Aos 13 anos, Haggard roubava e passava cheques sem fundos. Em 1950, ele foi pego furtando em uma loja e enviado a um centro de detenção juvenil. [14] No ano seguinte, ele fugiu para o Texas com seu amigo Bob Teague. [12] Os dois viajaram em trens de carga e pegaram carona em todo o estado. [15] [16] Quando eles voltaram no final daquele ano, os dois meninos foram acusados ​​de roubo e enviados para a prisão. Desta vez, eles não tinham realmente cometido o crime e foram libertados quando os verdadeiros ladrões foram encontrados. A experiência não mudou muito Haggard. Ele foi novamente enviado para um centro de detenção juvenil no final daquele ano, de onde ele e seu amigo novamente escaparam e se dirigiram para Modesto, Califórnia. Lá, ele trabalhou em uma série de empregos como operário, incluindo motorista de caminhão de batata, cozinheiro, arremessador de feno e atirador de poços de petróleo. [15] Sua apresentação de estreia foi com Teague em um bar de Modesto chamado "Fun Center", pelo qual ele recebeu US $ 5 e cerveja grátis. [17]

Em 1951, ele retornou a Bakersfield, onde foi novamente preso por evasão e furto e enviado a um centro de detenção juvenil. Depois de outra fuga, ele foi enviado para a Preston School of Industry, uma instalação de alta segurança. Ele foi libertado 15 meses depois, mas foi mandado de volta depois de espancar um garoto local durante uma tentativa de roubo. Após a libertação de Haggard, ele e Teague viram Lefty Frizzell em concerto. Os dois se sentaram nos bastidores, onde Haggard começou a cantar junto. Ao ouvir o jovem do palco, Frizzell se recusou a continuar, a menos que Haggard fosse autorizado a cantar primeiro. Haggard o fez e foi bem recebido pelo público. Após essa experiência, Haggard decidiu seguir carreira na música. À noite, ele cantava e tocava em bares locais, enquanto trabalhava como lavrador ou nos campos de petróleo durante o dia.

Casado e atormentado por problemas financeiros, [12] em 1957 ele tentou assaltar uma roadhouse em Bakersfield, foi pego e preso. [18] Condenado, ele foi enviado para a prisão de Bakersfield. [11] Após uma tentativa de fuga, ele foi transferido para a Prisão de San Quentin em 21 de fevereiro de 1958. [19] Lá ele era o prisioneiro número A45200. [20] Enquanto estava na prisão, Haggard soube que sua esposa estava esperando o filho de outro homem, o que o pressionou psicologicamente. Ele foi demitido de uma série de empregos na prisão e planejava escapar junto com outro preso apelidado de "Coelho" (James Kendrick [21]), mas foi convencido a não escapar pelos outros presidiários. [22]

Enquanto estava em San Quentin, Haggard começou uma raquete de apostas e cerveja com seu companheiro de cela. Depois de ser pego bêbado, ele foi enviado para uma semana em confinamento solitário, onde encontrou Caryl Chessman, um escritor e prisioneiro no corredor da morte. [23] Enquanto isso, "Rabbit" escapou com sucesso, apenas para atirar em um policial e ser devolvido a San Quentin para execução. [22] A situação difícil de Chessman, junto com a execução de "Rabbit", inspirou Haggard a mudar sua vida. [23] Ele logo ganhou um diploma equivalente ao ensino médio e manteve um emprego estável na fábrica têxtil da prisão. [23] Ele também tocou para a banda de música country da prisão, [24] atribuindo uma performance de Johnny Cash na prisão no Dia de Ano Novo de 1959 como sua principal inspiração para se juntar a ela. [25] Ele foi libertado de San Quentin em liberdade condicional em 1960. [26]

Em 1972, depois que Haggard se tornou uma estrela da música country estabelecida, o então governador da Califórnia Ronald Reagan concedeu a Haggard um perdão total e incondicional por seus crimes passados. [27]

Após sua libertação de San Quentin em 1960, Haggard começou a cavar valas para a empresa de eletricidade de seu irmão. Logo ele estava se apresentando novamente e mais tarde começou a gravar com a Tally Records. O som Bakersfield estava se desenvolvendo na área como uma reação contra o som Nashville superproduzido. [28] O primeiro álbum de Haggard para Tally foi "Singing My Heart Out", apoiado por "Skid Row", não foi um sucesso, e apenas 200 cópias foram impressas. Em 1962, Haggard acabou se apresentando em um show de Wynn Stewart em Las Vegas e ouviu "Sing a Sad Song" de Wynn. Ele pediu permissão para gravá-lo, e o single resultante foi um sucesso nacional em 1964. No ano seguinte, ele teve seu primeiro disco nacional entre os 10 melhores com "(My Friends Are Gonna Be) Strangers", escrito por Liz Anderson, mãe da cantora country Lynn Anderson, e sua carreira estava indo bem. [29] Haggard se lembra de ter sido convencido a visitar Anderson - uma mulher que ele não conhecia - em sua casa para ouvi-la cantar algumas canções que havia escrito. "Se havia alguma coisa que eu não queria fazer, era sentar em volta da casa de alguma maldita mulher e ouvir suas musiquinhas fofas. Mas eu fui assim mesmo. Ela era uma senhora bastante agradável, bonita, com um sorriso bonito, mas eu era tudo pronto para ficar entediado até a morte, ainda mais quando ela soltou um monte de músicas e foi até um velho órgão de bombeamento. Lá estavam eles. Meu Deus, um hit logo após o outro. Deve ter havido quatro ou cinco números uma música lá. "[30]

Em 1967, Haggard gravou "I'm a Lonesome Fugitive" com The Strangers, também escrita por Liz Anderson, com seu marido Casey Anderson, que se tornou seu primeiro single número um. [31] Quando os Andersons apresentaram a música a Haggard, eles não sabiam de sua extensão na prisão. [32] Bonnie Owens, cantora alternativa de Haggard e então esposa, é citada pelo jornalista musical Daniel Cooper nas notas da retrospectiva de 1994 Em cada estrada: "Acho que não percebi o quanto a experiência em San Quentin fez para ele, porque ele nunca falou muito sobre isso. Eu poderia dizer que ele estava de mau humor. E eu disse: 'Está tudo bem? ' E ele disse: 'Estou com muito medo'. E eu disse: 'Por quê?' E ele disse, "Porque temo que algum dia eu esteja lá fora - e diga, 'O que você acha que está fazendo, 45200?' "Cooper observa que a notícia teve pouco efeito na carreira de Haggard:" Não está claro quando ou onde Merle reconheceu ao público que suas canções de prisão tinham raízes pessoais história, pois, para seu crédito, ele não parece ter feito um grande anúncio de divulgação. Em um perfil de maio de 1967 em Music City News, sua ficha de prisão nunca é mencionada, mas em julho de 1968, na mesma publicação, é falada como se fosse de conhecimento comum. "[33]

O álbum de 1967 Homem de Marca with The Strangers deu início a uma temporada de sucesso artístico e comercial para Haggard. Em 2013, o biógrafo de Haggard David Cantwell afirmou: "Os sucessores imediatos de Eu sou um fugitivo solitárioHomem de Marca em 1967 e, em 68, Cante-me de volta para casa e A lenda de Bonnie e Clyde—Estavam entre os melhores álbuns de seus respectivos anos. "[34] As novas gravações de Haggard apresentaram sua banda The Strangers, especificamente Telecaster de Roy Nichols, guitarra de aço de Ralph Mooney e os vocais de harmonia fornecidos por Bonnie Owens.

Na época do primeiro hit de Haggard no top 10 "(My Friends Are Gonna Be) Strangers" em 1965, Owens, que havia se casado com Buck Owens, era conhecido como artista solo, uma presença constante no cenário dos clubes Bakersfield e alguém que apareceu na televisão. Ela ganhou o primeiro prêmio da Academia de Música Country para Vocalista Feminina após seu álbum de estreia de 1965, Não tire vantagem de mim, atingiu o top cinco na parada de álbuns country. No entanto, Bonnie Owens não teve mais singles de sucesso, e embora ela tenha gravado seis álbuns solo na Capitol entre 1965 e 1970, ela se tornou conhecida principalmente por suas harmonias de fundo em sucessos de Haggard como "Sing Me Back Home" e "Branded Man". [35]

O produtor Ken Nelson adotou uma abordagem direta para produzir Haggard. No episódio de Mestres americanos dedicado a ele, Haggard lembra: "O produtor que eu tinha naquela época, Ken Nelson, era uma exceção à regra. Ele me chamava de 'Sr. Haggard' e eu tinha um punk de vinte e quatro, vinte e cinco anos de Oildale. Ele me deu total responsabilidade. Eu acho que se ele pulasse e dissesse: 'Oh, você não pode fazer isso', isso teria me destruído. " [36] Na série de documentários Estrada Perdida, Nelson relembra: “Quando comecei a gravar Merle, fiquei tão apaixonado por seu canto que esquecia o que mais estava acontecendo e de repente percebi: 'Espere um minuto, há músicos aqui com os quais você precisa se preocupar! ' Mas suas canções - ele era um grande escritor. " [37]

No final da década, Haggard compôs vários sucessos número um, incluindo "Mama Tried", "The Legend of Bonnie and Clyde", "Hungry Eyes" e "Sing Me Back Home". [34] Daniel Cooper chama "Sing Me Back Home" "uma balada que funciona em tantos níveis diferentes da alma que desafia qualquer tentativa de analisá-la". [33] Em uma entrevista de 1977 em Painel publicitário com Bob Eubanks, Haggard refletiu: "Mesmo que o crime tenha sido brutal e o cara seja um criminoso incorrigível, é uma sensação que você nunca esquece quando vê alguém que você conhece fazendo aquela última caminhada. Eles o trazem pelo pátio, e há um guarda na frente e um guarda atrás - é assim que você conhece um prisioneiro morto. Eles trouxeram Rabbit. levando-o para ver o Pai,. antes de sua execução. Essa foi uma imagem forte que ficou em minha mente. " Em 1969, o primeiro LP de homenagem a Haggard Mesmo trem, hora diferente: uma homenagem a Jimmie Rodgers, também foi lançado para aclamação.

As canções de Haggard atraíram atenção de fora do campo country. Os Everly Brothers fizeram covers de "Sing Me Back Home" e "Mama Tried" em seu álbum de country-rock de 1968 Raízes. No ano seguinte, as canções de Haggard foram executadas ou gravadas por uma variedade de artistas, incluindo Gram Parsons, encarnação dos Byrds, que tocou "Sing Me Back Home" no Grand Ole Opry e gravou "Life in Prison" para seu álbum Querida do rodeio a cantora e ativista Joan Baez, que fez covers de "Sing Me Back Home" e "Mama Tried", o crooner Dean Martin, que gravou "I Take a Lot of Pride in What I Am" para seu álbum de mesmo nome e do Grateful Dead, cujo cover ao vivo de "Mama Tried" se tornou um grampo em seu repertório até o final da banda em 1995. [ citação necessária ]

No original Pedra rolando crítica do álbum Haggard and The Strangers 1968 Mama tentou, Andy Wickham escreveu: "Suas canções romantizam as dificuldades e tragédias do proletário transitório da América e seu sucesso é o resultado de sua capacidade inerente de se relacionar com o público uma experiência comum com precisamente o tom emocional certo. Merle Haggard parece e soa bem porque ele é o papel. Ele é ótimo. " [ citação necessária ]

Em 1969, Haggard and The Strangers lançaram "Okie From Muskogee", com letras que refletiam ostensivamente o orgulho do cantor em ser da América Central, onde as pessoas são convencionalmente patrióticas, não fumam maconha, não tomam LSD, não protestam por queimando cartas de saque ou de outra forma desafiar a autoridade. [38] Nos anos seguintes, Haggard deu várias declarações sobre se ele pretendia que a música fosse uma sátira humorística ou uma declaração política séria em apoio aos valores conservadores. [39] Em uma entrevista de 2001, Haggard chamou a canção de uma "documentação dos incultos que viviam na América na época". [40] No entanto, ele fez várias outras declarações sugerindo que ele falava sério da música. No Bob Edwards Show, ele disse, "Eu escrevi quando saí recentemente da articulação. Eu sabia o que era perder minha liberdade e estava ficando muito bravo com esses manifestantes. Eles não sabiam mais nada sobre a guerra no Vietnã do que eu. Pensei em como meu pai, que era de Oklahoma, se sentiria. Achei que sabia como aqueles meninos que lutavam no Vietnã se sentiam. " [41] Na série de documentários de música country Estrada Perdida, ele elaborou: "Meu pai faleceu quando eu tinha nove anos, e não sei se você já pensou em alguém que perdeu e diz: 'Eu me pergunto o que fulano pensaria sobre isso? ' Eu estava dirigindo na Interestadual 40 e vi uma placa que dizia '19 Miles to Muskogee ', enquanto ao mesmo tempo ouvia programas de rádio de The World Tomorrow (rádio e televisão) apresentados por Garner Ted Armstrong. [42] Muskogee estava sempre me referi na minha infância como 'voltar para casa'. Então eu vi aquele sinal e toda a minha infância passou diante dos meus olhos e pensei: 'Eu me pergunto o que papai pensaria sobre a revolta juvenil que estava ocorrendo na época, os Janis Joplins. Eu os entendi, me dei bem com isso, mas e se ele ganhasse vida neste momento? E eu pensei, que maneira de descrever o tipo de pessoas na América que ainda estão sentadas no centro do país dizendo, 'O que está acontecendo nesses campi ? '", como foi o assunto deste programa de rádio Garner Ted Armstrong. "E mais ou menos uma semana depois, eu estava ouvindo Garner Ted Armstrong, e Armstrong estava dizendo como as faculdades menores em cidades menores não parecem ter nenhum problema. E eu me perguntei se Muskogee tinha uma faculdade, e tinha, e eles não tiveram nenhum problema - nenhum problema racial e nenhum problema com drogas. A coisa toda me atingiu em dois minutos, e eu fiz uma linha após a outra e fiz a coisa toda em 20 minutos. " [42] [43] No Mestres americanos documentário sobre ele, ele disse: "Foi assim que entrei no assunto com os hippies. Achei que eles não eram qualificados para julgar a América e pensei que eles estavam olhando com desprezo para algo que eu estimava muito, e isso me irritou .E eu pensei: 'Seus filhos da puta, vocês nunca foram impedidos de sair deste grande e maravilhoso país, e ainda assim aqui estão vocês nas ruas reclamando das coisas, protestando sobre uma guerra da qual eles não sabiam mais do que eu. Eles não estavam lá lutando naquela guerra mais do que eu. "[36]

Haggard começou a tocar a música em um show em 1969 e ficou surpreso com a reação que recebeu:

O acampamento Haggard sabia que eles estavam no caminho certo. Aonde quer que eles fossem, a cada show, "Okie" fazia mais do que provocar aplausos entusiasmados. Havia uma adulação inesperada correndo pela multidão agora, ovações de pé que continuavam e às vezes deixavam o público e os membros da banda com os olhos marejados. Merle de alguma forma tropeçou em uma música que expressava medos anteriormente incipientes, falou em voz alta queixas e ansiedades, de outra forma apenas sussurrada, e agora as pessoas estavam usando sua música, estavam usando "ele", para se conectar a essas preocupações maiores e umas às outras. [44]

A versão de estúdio, que era mais suave do que as versões geralmente estridentes de concertos ao vivo, liderou as paradas country em 1969 e permaneceu lá por um mês. [45] Ele também atingiu o número 41 no Painel publicitário parada de singles de todos os gêneros, tornando-se o maior hit de Haggard até então, superado apenas por seu hit de Natal de 1973, "If We Make It Through December", que alcançou o número 28. [46] "Okie de Muskogee" também é geralmente descrito como a canção de assinatura de Haggard. [47]

Em seu próximo single, "The Fightin 'Side of Me", lançado por sua gravadora em 1970 contra as objeções de Haggard, as letras de Haggard afirmavam que ele não se importava com a contracultura "mudar de lado e defender o que acreditam". mas declarou resolutamente: "Se você não gosta disso, deixe-o!" Em maio de 1970, Haggard explicou a John Grissom sobre Pedra rolando, "Eu não gosto de suas opiniões sobre a vida, sua sujeira, seu auto-desrespeito visível, sabe. Eles não dão a mínima para a aparência ou o cheiro deles. O que eles têm a oferecer à humanidade? " [48] ​​Em uma entrevista de 2003 com Sem Depressão revista Haggard disse: "Tive opiniões diferentes nos anos 70. Como ser humano, aprendi [mais]. Tenho mais cultura agora. Fui burro como uma rocha quando escrevi 'Okie From Muskogee'." Estou sendo honesto com você no momento, e muitas coisas que eu disse na época, eu canto com uma intenção diferente agora. Minhas opiniões sobre a maconha mudaram totalmente. Acho que passamos por uma lavagem cerebral e acho que qualquer pessoa que não saiba que precisa se levantar e ler e olhar ao redor, obter suas próprias informações. É um projeto cooperativo do governo para nos fazer pensar que a maconha deveria ser proibida ”. [49]

Haggard queria seguir "Okie from Muskogee" com "Irma Jackson", uma canção que tratava de um romance inter-racial entre um homem branco e uma mulher afro-americana. Seu produtor, Ken Nelson, o desencorajou de lançá-lo como single. [33] Jonathan Bernstein relata: "Na esperança de se distanciar da imagem dura de direita que acumulou na esteira do ataque hippie" Muskogee ", Haggard queria tomar uma direção diferente e lançar" Irma Jackson "como seu próximo Quando o nativo de Bakersfield, Califórnia, trouxe a música para sua gravadora, os executivos ficaram chocados. No rastro de "Okie", a Capitol Records não estava interessada em complicar a imagem conservadora e operária de Haggard. " [50]

Depois que "The Fightin 'Side of Me" foi lançado, em vez disso, Haggard comentou mais tarde com o Wall Street Journal, "As pessoas têm a mente estreita. No Sul, eles podem ter me chamado de amante negro." [51] Em uma entrevista de 2001, Haggard afirmou que Nelson, que também era chefe da divisão country no Capitol na época, nunca interferiu em sua música, mas "desta vez ele apareceu e disse: 'Merle, eu não' não acredito que o mundo esteja pronto para isso ainda. ' . E ele pode estar certo. Eu posso ter cancelado onde estava indo em minha carreira. " [33] [50]

"Okie From Muskogee", "The Fightin 'Side of Me" e "I Wonder If They Think of Me" (canção de Haggard de 1973 sobre um prisioneiro de guerra americano no Vietnã) foram saudados como hinos da maioria silenciosa e foram reconhecidos como parte de uma tendência patriótica recorrente na música country americana que também inclui "In America" ​​de Charlie Daniels e "God Bless the USA" de Lee Greenwood. [52] [53] Embora Gordon Friesen de Broadside A revista criticou Haggard por suas "canções do tipo [John] Birch contra os dissidentes da guerra", Haggard era popular entre os estudantes universitários no início dos anos 1970, não apenas por causa do uso irônico de suas canções por membros da contracultura, mas também porque sua música era reconhecida como vindo de uma antiga tradição country-folk. Tanto "Okie from Muskogee" quanto "The Fightin 'Side of Me" receberam extensas apresentações nas rádios undergrounds, e "Okie" foi tocada em concerto pelos cantores de protesto Arlo Guthrie e Phil Ochs. [41]

LP de 1970 de Haggard Uma homenagem ao melhor violinista do mundo, dedicado a Bob Wills, ajudou a desencadear um renascimento permanente e expandiu o público para o swing ocidental. [54] [55] A essa altura, Haggard era um dos cantores country mais famosos do mundo, tendo desfrutado de um imenso sucesso artístico e comercial com a Capitol, acumulando 24 singles country número um desde 1966.

Em 1972, Deixe-me contar sobre uma música, o primeiro especial de TV estrelado por Haggard, foi distribuído nacionalmente pela Capital Cities TV Productions. Era um perfil musical semi-autobiográfico de Haggard, semelhante ao contemporâneo Por trás da música, produzido e dirigido por Michael Davis. O hino da recessão de 1973, "If We Make It Through December", promoveu o status de Haggard como um campeão da classe trabalhadora. "If We Make It Through December" acabou por ser Haggard and The Strangers último hit pop crossover.

Haggard apareceu na capa de TEMPO em 6 de maio de 1974. [56] Ele também escreveu e executou a música-tema da série de televisão Movin 'On, que em 1975 deu a ele e aos Strangers outro hit country número um. [57] Durante o início da década de 1970, o domínio das paradas country de Haggard e The Strangers continuou com canções como "Someday We Look Back", "Grandma Harp", "Always Wanting You" e "The Roots of My Raising " Entre 1973 e 1976, ele e The Strangers marcaram nove sucessos consecutivos como o primeiro lugar no país. Em 1977, ele mudou para a MCA Records e começou a explorar os temas da depressão, alcoolismo e meia-idade em álbuns como Prova de Serviço 190 e Do jeito que eu sou. Haggard cantou um dueto cover de "What's A Little Love Between Friends", de Billy Burnette, com Lynda Carter em seu especial de música para televisão de 1980, Lynda Carter: Encore! Ele também alcançou o primeiro lugar em 1980 com "Bar Room Buddies", um dueto com o ator Clint Eastwood que apareceu no Bronco Billy trilha sonora.

Haggard apareceu em um episódio de The Waltons intitulado "The Comeback", temporada cinco, episódio três, data original ao ar em 10 de outubro de 1976. Ele interpretou um líder de banda chamado Red, que estava deprimido desde a morte de seu filho (Ron Howard). [58]

Em 1981, Haggard publicou uma autobiografia, Cante-me de volta para casa. No mesmo ano, ele falava e cantava alternadamente a balada "The Man in the Mask". Escrito por Dean Pitchford, cujo outro trabalho inclui "Fame", "Footloose", "Sing", "Solid Gold" e o musical Carrie, esta foi a narração combinada e o tema do filme A Lenda do Ranger Solitário, um fracasso de bilheteria. Haggard também mudou de gravadora novamente em 1981, mudando-se para a Epic e lançando um de seus álbuns mais aclamados pela crítica, Cidade grande, no qual ele foi apoiado por The Strangers.

Entre 1981 e 1985, Haggard marcou mais 12 sucessos country, com nove deles alcançando o número um, incluindo "My Favorite Memory", "Going Where the Lonely Go", "Someday When Things Are Good" e "Natural High " Além disso, Haggard gravou dois duetos no topo das paradas com George Jones - "Yesterdays 'Wine" em 1982 - e com Willie Nelson - "Pancho and Lefty" em 1983. Nelson acreditou no filme vencedor do Oscar de 1983 Tender Mercies, sobre a vida do cantor fictício Mac Sledge, foi baseado na vida de Merle Haggard. O ator Robert Duvall e outros cineastas negaram e afirmaram que o personagem não foi baseado em ninguém em particular. Duvall, no entanto, disse que era um grande fã de Haggard. [59]

Em 1983, Haggard e sua terceira esposa Leona Williams se divorciaram após cinco tempestuosos anos de casamento. A separação serviu como licença para festa para Haggard, que passou grande parte da década seguinte se envolvendo em problemas com álcool e drogas. [60] [61] Haggard afirmou que estava em sua própria crise de meia-idade, ou "menopausa masculina", nessa época. Ele disse em uma entrevista desse período: "As coisas que você gostou durante anos não parecem tão importantes, e você está em guerra consigo mesmo quanto ao que está acontecendo. 'Por que eu não gosto mais disso? eu gosto disso agora? ' E, finalmente, acho que você realmente passa por uma mudança biológica, você simplesmente se torna outra. Seu corpo está se preparando para morrer e sua mente não concorda. " [36] Ele foi um usuário pesado de cocaína por um breve período, mas conseguiu largar o vício. Apesar desses problemas, ele ganhou um prêmio Grammy de Melhor Performance Vocal Country masculina por seu remake de 1984 de "That's The Way Love Goes".

Haggard foi prejudicado por problemas financeiros na década de 1990, quando sua presença nas paradas diminuiu em favor de novos cantores country, como George Strait e Randy Travis. O último hit número um de Haggard foi "Twinkle, Twinkle Lucky Star" de seu álbum de sucesso Fator Chill em 1988. [62]

Em 1989, Haggard gravou uma música, "Me and Crippled Soldiers Give a Damn", em resposta à decisão da Suprema Corte de não permitir a queima de bandeiras, considerando-a como "discurso" e, portanto, protegida pela Primeira Emenda. Depois que a CBS Records Nashville evitou lançar a música, Haggard comprou sua saída do contrato e assinou com a Curb Records, que estava disposta a lançar a música. Haggard comentou sobre a situação: "Nunca fui um cara que pudesse fazer o que as pessoas me diziam. Sempre foi minha natureza lutar contra o sistema." [63]

Em 2000, Haggard fez uma espécie de retorno, assinando com a gravadora independente Anti e lançando o sobressalente Se eu pudesse voar para aclamação da crítica. Ele seguiu em 2001 com Roots, vol. 1, uma coleção de covers de Lefty Frizzell, Hank Williams e Hank Thompson, junto com três originais de Haggard. O álbum, gravado na sala de estar de Haggard sem overdubs, apresentava os companheiros de banda de longa data de Haggard, The Strangers, bem como o guitarrista solo original de Frizzell, Norman Stephens. Em dezembro de 2004, Haggard falou longamente sobre Larry King Live sobre seu encarceramento quando jovem e disse que foi "o inferno" e "a experiência mais assustadora da minha vida". [64]

Quando oponentes políticos estavam atacando as Dixie Chicks por criticarem a invasão do Iraque pelo presidente George W. Bush em 2003, Haggard defendeu a banda em 25 de julho de 2003, dizendo:

Eu nem mesmo conheço as Dixie Chicks, mas acho um insulto para todos os homens e mulheres que lutaram e morreram em guerras anteriores, quando quase a maioria da América pulou goela abaixo por expressar uma opinião. Foi como uma caça às bruxas verbal e um linchamento. [65] [66]

O single número um de Haggard and The Strangers, "Mama Tried", é apresentado no filme de 2003 Rádio com Cuba Gooding, Jr. e Ed Harris, bem como com Bryan Bertino Os estranhos com Liv Tyler. Além disso, a música "Swingin 'Doors" dele e dos Strangers pode ser ouvida no filme Crash (2004), [67] e seu sucesso de 1981 "Big City", onde ele é apoiado por The Strangers, é ouvido no filme de Joel e Ethan Coen Fargo. [68]

Em outubro de 2005, Haggard lançou seu álbum Chicago Wind a críticas principalmente positivas. O álbum continha uma canção anti-guerra do Iraque intitulada "America First", na qual ele lamenta a economia do país e a precária infraestrutura, aplaude seus soldados e canta: "Vamos sair do Iraque e voltar aos trilhos". Isso segue seu lançamento de 2003 "Haggard Like Never Before", no qual ele inclui uma música, "That's The News". Haggard lançou um álbum de bluegrass, The Bluegrass Sessions, em 2 de outubro de 2007. [70]

Em 2008, Haggard iria se apresentar no Riverfest em Little Rock, Arkansas, mas o show foi cancelado porque ele estava doente, e três outros shows foram cancelados também. No entanto, ele estava de volta à estrada em junho e completou com sucesso uma turnê que terminou em 19 de outubro de 2008. [ citação necessária ]

Em abril de 2010, Haggard lançou um novo álbum, Eu sou o que sou, [71] a críticas fortes, e ele cantou a música-título em The Tonight Show com Jay Leno em fevereiro de 2011. [72]

Haggard colaborou com muitos outros artistas ao longo de sua carreira. No início dos anos 1960, Haggard gravou duetos com Bonnie Owens, que mais tarde se tornou sua esposa, para a Tally Records, marcando um pequeno sucesso com "Just Between the Two of Us". Como parte do acordo que fez Haggard assinar com a Capitol, o produtor Ken Nelson obteve os direitos dos lados de Haggard no Tally, incluindo os duetos com Owens, resultando no lançamento do primeiro álbum de dueto de Haggard com Owens e The Strangers em 1966, também intitulado Apenas entre os dois de nós. [73] O álbum alcançou a quarta posição nas paradas country, e Haggard e Owens gravaram uma série de duetos adicionais antes de seu divórcio em 1978. Haggard passou a gravar duetos com George Jones, Willie Nelson e Clint Eastwood, entre outros. [74]

Em 1970, Haggard lançou Uma homenagem ao melhor violinista do mundo (ou, Minha saudação a Bob Wills), reunindo seis dos membros restantes do Texas Playboys para registrar o tributo: Johnnie Lee Wills, Eldon Shamblin, Tiny Moore, Joe Holley, Johnny Gimble e Alex Brashear. [54] A banda de Merle, The Strangers, também esteve presente durante a gravação, mas Wills sofreu um forte derrame após o primeiro dia de gravação. Merle chegou no segundo dia, arrasado por não conseguir gravar com ele, mas o álbum ajudou a devolver Wills à consciência pública e desencadeou um renascimento do swing ocidental. [55] Haggard fez outros álbuns de tributo a Bob Wills nos próximos 40 anos. Em 1973 ele apareceu em Pela última vez: Bob Wills e seus Playboys do Texas. Em 1994, Haggard colaborou com Asleep at the Wheel e muitos outros artistas influenciados pela música de Bob Wills em um álbum intitulado Uma homenagem à música de Bob Wills e os Texas Playboys. [75] Um tributo foi relançado em CD pela etiqueta Koch em 1995.

Em 1972, Haggard concordou em produzir o primeiro álbum solo de Gram Parsons, mas desistiu no último minuto. A Warner Bros. marcou um encontro na casa de Haggard's Bakersfield e os dois músicos pareceram se dar bem, mas no final da tarde da primeira sessão, Haggard cancelou. Parsons, um enorme fã de Haggard, ficou arrasado, com sua esposa Gretchen dizendo a Meyer: "Merle não produzir Gram foi provavelmente uma das maiores decepções na vida de Gram. Merle era muito bom, muito doce, mas ele tinha seus próprios inimigos demônios. " [76] Em 1980, Haggard disse de Parsons, em uma entrevista com Mark Rose: "Ele era um maricas. Inferno, ele era apenas um garoto de cabelos compridos. Eu pensei que ele era um bom escritor. Ele não era selvagem, no entanto. Isso é o que é engraçado para mim. Todos esses caras correndo por aí falando sobre ser selvagem e Rolling Stones. Não acho que alguém que se abuse das drogas determine o quão selvagem eles são. Isso pode determinar o quão ignorantes eles são. " [76]

Em 1982, Haggard gravou Uma Prova do Vinho de Ontem com George Jones, um álbum que produziu dois sucessos no top 10, incluindo o número um "Yesterday's Wine". [77] Em 2006, a dupla lançou uma sequência, Expulsando as luzes da ribalta. Novamente. [78]

Haggard lançou o álbum dueto Pancho e Lefty com Willie Nelson em 1983, com a faixa-título se tornando um enorme sucesso para a dupla. Em 1987, um segundo LP de menos sucesso, Litorais do México Antigo, também foi lançado, e a dupla trabalhou junto novamente com Ray Price em 2007, lançando o álbum Último da raça. Em 2015, eles lançaram seu sexto e último álbum de dueto, Django e Jimmie. O primeiro single do álbum, "It's All Going to Pot", foi uma referência sutil a fumar maconha, e o videoclipe da música mostrava Haggard e Nelson fumando charro enquanto cantavam em um estúdio de gravação. [79]

Em 1983, Haggard obteve permissão da Epic Records para colaborar com a então esposa Leona Williams na Polydor Records, lançando Coração a Coração em 1983. O álbum, no qual eles foram apoiados por The Strangers, não foi um sucesso, chegando ao número 44. [80]

Em 2001, Haggard lançou um álbum de canções gospel com Albert E. Brumley chamado Dois velhos amigos. [81] Em 2002, Haggard colaborou com um amigo de longa data e companheiro de gravação Chester Smith (fundador da empresa de transmissão de televisão Sainte Partners II, L.P. e proprietário de várias estações na Califórnia e Oregon) com um CD intitulado California Blend. [82] O CD apresenta faixas clássicas de country, western e gospel interpretadas por Smith e Haggard.

Em 2005, Haggard foi apresentado como vocalista convidado na canção "Politically Uncorrect" de Gretchen Wilson, que rendeu uma indicação ao Grammy de Melhor Colaboração Country com Vocais. [83] Ele também cantou um verso da canção de 2006 de Eric Church "Pledge Allegiance to the Hag". [84]

Em 2005, Haggard foi apresentado como vocalista convidado na canção "If Merle Would Sing My Song" de Blaine Larsen. Em 2015, Haggard foi apresentado como vocalista convidado na canção "The Cost of Living", de Don Henley, do álbum Cass County. [ citação necessária ]

Em 2010, Haggard foi apresentado ao lado de Ralph Nader, Willie Nelson, Gatewood Galbraith e Julia Butterfly Hill no documentário Cânhamo: Plante a Semente dirigido por Michael P. Henning. [85]

Em 2017, Haggard apareceu ao lado de Willie Nelson no documentário premiado The American Epic Sessions dirigido por Bernard MacMahon. Eles cantaram uma canção que Haggard compôs para o filme, "The Only Man Wilder Than Me" [86] [87] e o clássico "Old Fashioned Love" de Bob Wills, [88] que gravaram ao vivo na primeira gravação de som elétrica restaurada sistema da década de 1920. [89] Foi a última performance filmada da dupla, com Pedra rolando comentando "na apresentação final de Sessions, Willie Nelson e Merle Haggard executam o dueto" The Only Man Wilder Than Me. " por seus heróis musicais. " [90]

A última gravação de Haggard, uma canção chamada "Kern River Blues", descreveu sua saída de Bakersfield no final dos anos 1970 e seu descontentamento com os políticos. A música foi gravada em 9 de fevereiro de 2016 e apresenta seu filho Ben na guitarra. Este registro foi lançado em 12 de maio de 2016. [91]

Haggard endossou guitarras Fender e tinha um modelo de assinatura da Custom Artist, Telecaster. A guitarra é uma Telecaster Thinline modificada com topo laminado de bordo figurado, braço definido com salto profundo esculpido, escala em bordo de olho de pássaro com 22 trastes jumbo, pickguard e encadernação ivoroid, hardware dourado, incrustação de Tuff Dog Tele peghead abalone, acabamento Sunburst de 2 cores, e um par de captadores Fender Texas Special Tele de bobina única com comutação de captação de 4 vias com fio personalizado. Ele também tocou modelos acústicos de seis cordas. Em 2001, a C. F. Martin & amp Company lançou uma edição limitada do violão Merle Haggard Signature Edition 000-28SMH disponível com ou sem os componentes eletrônicos instalados de fábrica. [92]

Esposas e filhos Editar

Haggard foi casado cinco vezes, primeiro com Leona Hobbs de 1956 a 1964. Eles tiveram quatro filhos: Dana, Marty, Kelli e Noel. [93]

Pouco depois de se divorciar de Hobbs, em 1965, ele se casou com a cantora Bonnie Owens. [94] Haggard creditou a ela por ajudá-lo a fazer sua grande chance como um artista country. Ele dividiu o crédito com Owens por seu hit "Today I Started Loving You Again" e reconheceu, inclusive no palco, que a música era sobre uma súbita explosão de sentimentos especiais que ele experimentou por ela enquanto estavam em turnê juntos. Ela também ajudou a cuidar dos filhos de Haggard de seu primeiro casamento e foi a madrinha de casamento no terceiro casamento de Haggard. Haggard e Owens se divorciaram em 1978, mas permaneceram amigos íntimos, pois Owens continuou como sua vocalista de apoio até sua morte em 2006. [94]

Em 1978, Haggard casou-se com Leona Williams. Em 1983, eles se divorciaram. [95] Em 1985, Haggard se casou com Debbie Parret e eles se divorciaram em 1991. [96] Ele se casou com sua quinta esposa, Theresa Ann Lane, em 11 de setembro de 1993. Eles tiveram dois filhos, Jenessa e Ben. [97]

Cigarro e uso de drogas Editar

Haggard disse que começou a fumar maconha quando tinha 41 anos. Ele admitiu que, em 1983, comprou "$ 2.000 (no valor) de cocaína" e festejou por cinco meses depois, quando disse que finalmente percebeu sua condição e desistiu para sempre. [60] Ele parou de fumar em 1991 e parou de fumar maconha em 1995. [98] No entanto, a Pedra rolando A entrevista da revista em 2009 indicou que ele havia retomado o consumo regular de maconha. [96]

Doença e morte Editar

Haggard foi submetido a angioplastia em 1995 para desbloquear artérias obstruídas. [99] Em 9 de novembro de 2008, foi anunciado que ele havia sido diagnosticado com câncer de pulmão em maio e submetido a uma cirurgia em 3 de novembro, durante a qual parte de seu pulmão foi removida. [100] Haggard voltou para casa em 8 de novembro. [101] Menos de dois meses após sua cirurgia de câncer, ele fez dois shows em 2 e 3 de janeiro de 2009, em Bakersfield no Buck Owens Crystal Palace, e continuou a turnê e a gravar até pouco tempo antes de sua morte.

Em 5 de dezembro de 2015, Haggard foi tratado por pneumonia em um hospital não divulgado na Califórnia. [102] Ele se recuperou, mas adiou vários shows. [102]

Em março de 2016, Haggard foi novamente hospitalizado. [103] Seus shows para abril foram cancelados devido à pneumonia dupla em curso. [104] Na manhã de 6 de abril de 2016, seu 79º aniversário, ele morreu de complicações causadas por pneumonia em sua casa em Palo Cedro, Condado de Shasta, Califórnia. [5] [105] [106] Haggard foi enterrado em um funeral privado em seu rancho em 9 de abril de 2016, o amigo de longa data Marty Stuart oficiou. [107] [108]

Perda de material Editar

Em 25 de junho de 2019, The New York Times Magazine Listou Merle Haggard entre centenas de artistas cujo material foi supostamente destruído no incêndio da Universal em 2008. [109]

Durante sua longa carreira, Haggard recebeu vários prêmios da Academy of Country Music, Country Music Association e National Academy of Recording Arts and Sciences (Grammy Awards) (ver Prêmios). Ele foi introduzido no Nashville Songwriters Hall of Fame em 1977, [2] no Country Music Hall of Fame and Museum em 1994, [3] e no Oklahoma Music Hall of Fame em 1997. [4] Em 2006, ele recebeu um Grammy Lifetime Achievement Award, e também foi homenageado como um ícone BMI no 54º BMI Pop Awards anual naquele mesmo ano. Durante sua carreira de compositor até aquela época, Haggard ganhou 48 BMI Country Awards, nove BMI Pop Awards, um prêmio BMI R & ampB e 16 prêmios BMI "Million-Air", todos de um catálogo de canções que somavam mais de 25 milhões performances. [1]

Haggard recebeu uma homenagem do Kennedy Center em 4 de dezembro de 2010, do John F. Kennedy Center for the Performing Arts, em reconhecimento à realização de sua vida e "notável contribuição para a cultura americana". [110] No dia seguinte, ele foi homenageado em uma gala em Washington, DC, com apresentações musicais de Kris Kristofferson, Willie Nelson, Sheryl Crow, Vince Gill, Jamey Johnson, Kid Rock, Miranda Lambert e Brad Paisley. Esta homenagem foi apresentada em 28 de dezembro de 2010, transmissão da CBS do Kennedy Center Honors. [111]

Em julho de 2007, um trecho de três milhas e meia da 7th Standard Road em Oildale, Califórnia, onde Haggard cresceu, foi renomeado Merle Haggard Drive em sua honra. Estende-se da North Chester Avenue a oeste até a U.S. Route 99 e fornece acesso ao terminal do aeroporto William M. Thomas no Aeroporto Meadows Field. Haggard fez dois shows para arrecadar dinheiro para pagar pelas mudanças na sinalização rodoviária. [112] Em 2015, o vagão de carga convertido em que a família Haggard vivia em Oildale foi transferido para o Museu do Condado de Kern para preservação histórica e restauração. [113] [114]

Em 6 de novembro de 2013, o prefeito de Winchester, Virgínia, concedeu a Haggard a Chave da Cidade no Patsy Cline Theatre após um show esgotado de Bonnie Blue Concerts.

Em 14 de junho de 2013, a California State University, Bakersfield, concedeu a Haggard o grau honorário de Doutor em Belas Artes. Haggard subiu ao pódio e disse: "Obrigado. É bom ser notado".

Em 26 de janeiro de 2014, Haggard cantou sua canção "Okie from Muskogee" de 1969 no 56º Grammy Awards junto com Kris Kristofferson, Willie Nelson e Blake Shelton. [ citação necessária ]

Edição de influência

A forma de tocar guitarra e voz de Haggard deu a suas canções country um estilo de blues forte em muitos cortes. Embora fosse franco em sua aversão à música country moderna, [84] ele elogiou George Strait, Toby Keith e Alan Jackson. Haggard também se interessava por jazz e afirmou em uma entrevista em 1986 que queria ser lembrado como "o maior guitarrista de jazz do mundo que amava tocar country". [115] Keith apontou Haggard como uma grande influência em sua carreira.

Conforme observado por um artigo publicado em The Washington Post após a morte de Haggard, "Respeito pela Hag [Haggard] como um ícone, tanto por seu status musical quanto por suas opiniões pessoais, é um tema comum" na música country. [84] Muitos artistas de música country prestaram homenagem a Haggard, mencionando-o em suas canções (um fato auxiliado por seu primeiro nome rimar com "girl", um tema comum em canções country). Esses incluem:

    gravou "My Kind of Girl", que inclui a frase: "Que tal um pouco de música / Ela disse se você tem algum Merle / Foi quando eu soube que ela era o meu tipo de garota." [84]
  • Em 2000, Alan Jackson e George Strait cantaram "Murder on Music Row", que critica as tendências do country: "A Bruxa não teria chance nas rádios de hoje / Porque eles cometeram assassinato na linha musical." [84]
  • Em 2005, a dupla de country rock Brooks & amp Dunn cantou "Just Another Neon Night" de sua Hillbilly Deluxe álbum. Na música, Ronnie Dunn disse: "Ele tem um sorriso Eastwood e uma arrogância Tulare / Hollerin 'desligue esse rap / E toque-me um pouco de Haggard." Brooks e Dunn também fazem referência a Haggard em 1993, em "Rock My World (garotinha country)", de seu Homem que trabalha duro álbum enquanto cantam "Age como Madonna, mas ela ouve Merle / Rock my world little country girl." [84]
  • Red Simpson menciona Haggard e Buck Owens em sua canção "I'm a Truck" de 1971, que contém a frase: "Bem, eu sei o que ele vai fazer agora / Pegue aquele cartucho de fita de Buck Owens e toque-o novamente / Não sei por que ele não conseguiu uma fita Merle Haggard. " [116]
  • Em 2005, Shooter Jennings mencionou Haggard na faixa-título de seu álbum Coloque o "O" de volta ao país e mais tarde o mencionou em 2007 em sua canção "Concrete Cowboys". [117]
  • Em 2006, Hank Williams III incluiu Haggard, bem como outros ícones country, na canção "Country Heroes". [118] o menciona em sua canção de 2013, "I Do Now": "Graças a Deus por Merle Haggard, ele está certo, a garrafa me deixou na mão." [84]
  • "You Never Even Called Me by My Name", escrita por Steve Goodman e interpretada por David Allan Coe, menciona Haggard e sua canção "The Fightin 'Side of Me" junto com referências a Waylon Jennings e Charley Pride. [119] menciona "The Okie de Muskogee" em sua canção "Who's Gonna Fill Their Shoes". [120]
  • A canção de Gretchen Wilson "Politically Uncorrect" e a canção de Eric Church "Pledge Allegiance To The Hag" contêm tributos a Haggard, além de apresentá-lo como vocalista convidado. [84]
  • O cantor country David Nail faz referência à canção Haggard "Mama Tried" na letra de sua canção "The Sound of a Million Dreams" de seu álbum de 2011 com o mesmo nome: ". Quando ouço Mama Tried, ainda desabo e choro E puxo para o lado da estrada. ". A canção foi escrita por Phil Vassar & amp Scooter Carusoe.
  • Na música "Honky Tonk Saturday Night", de John Anderson, ele canta as falas: "Eu fui até a jukebox e toquei um pouco de Merle Haggard / Oh, eu e a garçonete acho que ele está fora de vista". centraliza Merle em sua canção "Monday Morning Merle", com uma referência no refrão ". aparece 'Misery and Gin', aqui estamos nós de novo - Monday Morning Merle."

Na década de 1970, vários grupos de rock responderam em suas próprias canções às críticas de Haggard à contracultura hippie em "Okie from Muskogee" e "The Fightin 'Side of Me". Os Youngbloods responderam "Okie de Muskogee" com "Hippie de Olema", em que, em uma repetição do refrão, eles mudam a linha, "Ainda aceitamos estranhos se eles forem maltrapilhos" para "Ainda aceitamos estranhos se eles estão abatidos. " [121] Nick Gravenites, do Big Brother and the Holding Company, prestou um tributo irônico a Haggard com a canção "I'll Change Your Flat Tire, Merle", [122] posteriormente coberta por outros artistas, incluindo Pure Prairie Liga. [123] Apesar dessas críticas, o Grateful Dead executou "Mama Tried" mais de 300 vezes, [124] e "Sing Me Back Home" aproximadamente 40 vezes. [125]

A banda de Southern rock Lynyrd Skynyrd referenciou Haggard com mais respeito em sua canção, "Railroad Song", que contém a letra: "Bem, vou viajar neste trem, Senhor, até descobrir / Do que se trata Jimmie Rodgers and the Hag." Skynyrd também executou um cover de "Honky Tonk Night Time Man" e sua própria versão da música com "Jacksonville Kid" (encontrado na reedição do álbum em CD de 2001) em seu álbum Sobreviventes de rua. [126] Ele se descreveu como um estudante de música, filosofia e comunicação. Ele falaria do jazzman Howard Roberts como tocar guitarra, a vida após a morte e a técnica única de falar de Garner Ted Armstrong de The World Tomorrow com entusiasmo e autoridade. [127]

Edição de atuação na televisão

Merle apareceu na quinta temporada, episódio três de The Waltons chamado "The Comeback". Ele interpretou Red Turner, um músico local que ficou deprimido e retraído após a morte de seu filho, interpretado por Ron Howard, no episódio chamado "The Gift". [ citação necessária ]


Week in Rock History: John and Yoko & # 8217s & # 8216Two Virgins & # 8217 Is Seized as Pornography

Esta semana na história do rock, Johnny Cash se apresentou no álbum San Quentin, John and Yoko & # 8217s foi apreendido pela polícia, os Supremes gravaram um de seus maiores sucessos, o Nirvana assinou um contrato fatal e Pink se casou na Costa Rica.

1º de janeiro de 1958: Johnny Cash se apresenta na Prisão Estadual de San Quentin
Se Johnny Cash mudou a música country da noite para o dia com o lançamento de seu álbum de 1968 Morar na prisão de Folsom, demorou muito para acontecer: sua primeira apresentação atrás das grades ocorreu uma década antes.

Em 1958, Cash mostrou sua compaixão de longa data pelos presos quando se apresentou na prisão estadual de San Quentin, notoriamente violenta, onde fica o corredor da morte na Califórnia para prisioneiros do sexo masculino. Seu público ficou extasiado com sua performance franca e não intimidada, e sua resposta extática não passou despercebida pelo selo Man in Black & # 8217s, Columbia. Embora alguns na empresa se opusessem ao entusiasmo de Cash & # 8217 pelo projeto da prisão, o produtor Bob Johnson o apoiou no final dos anos 1960, e Cash subseqüentemente se apresentou em instalações correcionais, liberando Johnny Cash na prisão de Folsom em 1968 e Johnny Cash em San Quentin em 1969. Ambos alcançaram as paradas country e se tornaram lançamentos de assinatura do Cash, e cimentaram a reputação do cantor e compositor & # 8217s como um outsider cauteloso e campeão dos bandidos em todo o mundo.

Curiosamente, a primeira apresentação de Cash & # 8217 em San Quentin teve uma futura estrela country em seu público: Merle Haggard, que cumpria pena de dois anos por roubo e, inspirado por Cash, teria 38 sucessos número um de sua autoria na Billboard gráficos do país.

2 de janeiro de 1969: uma remessa de John e Yokos Música inacabada nº 1: Two Virgins é apreendido pelas autoridades de Nova Jersey, que consideram sua coberturapornográfico
Depois de uma sessão noturna de jamming de vanguarda em 1968, John Lennon e Yoko Ono decidiram lançar as gravações com o nome Música inacabada nº 1: Two Virgins, o título relacionado aos seus sentimentos de inocência no mundo ao seu redor e também a consumação de seu relacionamento depois daquela noite. No entanto, as autoridades de Nova Jersey tiveram uma resposta diferente para a arte do álbum: eles acharam pornográfico.

Duas virgens& # 8216 a arte da capa apresentava uma fotografia nua de corpo inteiro do casal. Pouco depois de seu lançamento, a polícia apreendeu 30.000 cópias do registro no aeroporto de Newark, em Nova Jersey, impedindo sua venda. Em seguida, o disco do casal & # 8217s de som discordante e ruído branco foi vendido com uma capa de papel marrom obscurecendo a capa, o que não ajudou na recepção geral do disco. Ironicamente, alguns ouvintes acharam a confusão estridente uma expressão artisticamente imatura.

5 de janeiro de 1965: The Supremes record & # 8220Stop! Em Nome do Amor & # 8221
The Supremes & # 8217 classic & # 8220Stop! In the Name of Love & # 8221 não foi apenas seu triunfo & ndash, também pertenceu aos maiores compositores da Motown, a equipe de Lamont Dozier e os irmãos Brian Holland e Edward Holland Jr. Como Holland-Dozier-Holland, eles escreveram muitos clássicos para atos como Martha e as Vandellas, os Quatro Tops e, claro, as Supremes.

Quando & # 8220Stop! & # 8221 foi lançado, os Supremes já eram as estrelas mais brilhantes na lista da Motown Records. Com seus sucessos pop femininos e confiantes, eles se mantiveram ao lado dos Beatles e dos Rolling Stones como um dos maiores grupos de meados dos anos 60. Enquanto Diana Ross, que atuou como cantora principal, se tornou um ícone do estilo internacional, a colega de banda Florence Ballard tinha a voz mais forte, uma rivalidade pouco fictícia em Dreamgirls.

& # 8220Stop! & # 8221 foi fortemente enfatizado durante o processo de gravação da banda & # 8217s de janeiro de 1965. Embora tenha levado várias sessões intensas para gravar, a canção confirmou sua reivindicação como um dos maiores atos da década ao saltar para o número um posição nas paradas em março e permanecendo lá por duas semanas. Continua a ser uma das canções mais amadas do grupo & # 8217s.

1 de janeiro de 1989: Nirvana assina contrato de gravação com a Sub Pop
Kurt Cobain pode ter sido vagamente rotulado como parte do movimento & # 8220slacker & # 8221 do início dos anos 1990 devido ao seu cabelo despenteado e roupas de flanela, mas ele sempre esteve intensamente focado em preservar a liberdade artística de sua banda, Nirvana. Depois que a banda lançou seu primeiro single, & # 8220Love Buzz, & # 8221 em novembro de 1988 na Sub Pop Records, eles começaram a gravar seu álbum de estreia, Água sanitária, em Seattle, por US $ 600 colossais.

Mas Cobain sabia muito bem que o Nirvana se tornaria uma mercadoria quente em breve, e ele agiu com base nisso. Em janeiro de 1989, antes Água sanitária& # 8216s lançamento, ele pegou o livro emprestado Tudo o que você precisa saber sobre a indústria fonográfica da biblioteca de Seattle, após o que ele, bêbado, foi até a casa do proprietário do Sub Pop, Bruce Pavitt & # 8217, e insistiu que o Nirvana assinasse um contrato de três anos com três álbuns. Foi o primeiro acordo desse tipo feito para o selo boêmio. De acordo com Everett True, autor de Nirvana: a verdadeira história, a banda assinou um contrato que havia sido copiado a partir de outro livro jurídico na biblioteca (com linhas cobertas em White-Out para que os músicos pudessem assinar o texto existente).

O contrato que Cobain exigiu provou-se mais sábio do que ele mesmo poderia imaginar: não apenas garantiu a liberdade criativa da banda (e foi útil mesmo depois que eles assinaram com a Geffen Records), mas salvou a Sub Pop de problemas financeiros também.

7 de janeiro de 2006: Pink casa com Carey Hart
De todas as jovens estrelas pop dos anos 2000, Pink escolheu o caminho mais divergente. Uma cantora durona e franca com uma diva do rock & # 8217s flauta, a nativa da Filadélfia (nascida Alecia Moore) começou como uma artista dance-pop em 2000 com & # 8220There You Go & # 8221 e & # 8220Get the Party Started. & # 8221 Ela também participou da capa da superstar & # 8220Lady Marmalade & # 8221 com Christina Aguilera para o Moulin Rouge trilha sonora antes de passar para os lamentos auto-reflexivos de & # 8220Family Portrait & # 8221 e & # 8220Dear Diary & # 8221 e o pop-punk vencedor do Grammy de & # 8220Trouble. & # 8221

Pink lidou com o romance de maneira diferente de seus colegas pop também. Enquanto Britney Spears e Jessica Simpson eram cortejadas por galãs de boy band, Pink se apaixonou pelo robusto piloto de motocross Carey Hart.Depois de quatro anos de namoro, ela o pediu em casamento durante uma de suas corridas na Califórnia, segurando uma placa que dizia: & # 8220Você se casará comigo? & # 8221 Carey continuou a corrida até que Pink acrescentou a sua placa, & # 8220I & # 8217m sério! & # 8221 Carey desistiu da corrida para dizer sim, e eles se casaram um ano depois em uma praia da Costa Rica para 100 convidados. O casal agora tem uma filha.


Assista o vídeo: Starkville City Jail - Johnny Cash


Comentários:

  1. Numair

    Você é simplesmente um gênio, você me animou com sua história, vou pegar um exemplo do personagem principal.

  2. Moogusho

    Eu considero, que você não está certo. Escreva para mim em PM, vamos conversar.

  3. Zululrajas

    Concordo totalmente com ela. Nisso nada lá dentro e acho que essa é uma ideia muito boa. Concordo com você.

  4. Dynadin

    Posso sugerir visitá -lo um site, com uma grande quantidade de artigos sobre um tema interessante você.

  5. Yagil

    Na minha opinião, isso é óbvio. Encontrei a resposta para sua pergunta no google.com



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