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A Fantástica História Verdadeira dos Unicórnios
Os unicórnios são criaturas mágicas que aparecem em quase todos os romances de fantasia e em vários contos de fadas da história registrada. Essas histórias já apareceram em todo o mundo. Segundo a lenda, os unicórnios só podiam ser domesticados por uma donzela de coração puro. Seus chifres têm a capacidade de purificar líquidos e, em algumas lendas, podem curar feridas. Essa lenda foi o suficiente para inspirar as pessoas a caçar essa criatura esquiva por séculos. Até mesmo membros da realeza bem educados compraram o que acreditavam ser chifres de unicórnio, e os cientistas levaram muito a sério a possibilidade de sua existência no passado. Mas esse animal realmente existiu? Foi caçado até morrer como o pássaro Dodô ou foi realmente uma invenção da imaginação de alguém?
De uma tapeçaria chamada & ldquoA Dama e o Unicórnio & rdquo. Crédito: Wikimedia Commons.
O que não estamos vendo
É muito apropriado que uma mostra de museu dedicada ao unicórnio - um animal mítico cujo nome passou a significar algo tão raro e indescritível que pode ou não existir - não tenha se materializado. "A Blessing of Unicorns" foi programado para trazer as tapeçarias de unicórnios do século XV do Musée de Cluny em Paris, juntamente com suas contrapartes nos Claustros do Metropolitan Museum of Art de Nova York, como parte de uma celebração em homenagem aos cem e quinquagésimo aniversário. Programado para 2020, o show foi cancelado devido ao COVID19 pandemia. Uma exposição de arte medieval foi vítima de uma praga, a mais medieval dos perigos.
O boletim de verão de 2020 belamente ilustrado do Met, Uma bênção dos unicórnios: as tapeçarias de Paris e do Claustro, não apenas nos mostra o que perdemos, mas pode nos fazer repensar nossa visão dos unicórnios - um assunto que, para ser honesto, não passava pela minha cabeça há anos. Eu costumava pensar muito em unicórnios. Na verdade eu morei com um, pode-se dizer: uma reprodução de O unicórnio descansa em um jardim pendurado no meu quarto de infância. Eu costumava olhar para os campos escuros tão densamente cobertos com flores impossivelmente perfeitas, e para o unicórnio em seu pequeno recinto redondo, tão doce, tão melancólico, tão solitário - tão parecido com o espírito de uma menina pré-adolescente infundido no corpo de um branco cavalo com um único chifre em saca-rolhas.
Foi um choque vê-lo novamente, enquanto eu folheava o minicatalogo do Met e lia o lúcido ensaio informativo de Barbara Drake Boehm, curadora sênior do Cloisters. E enquanto eu lia, vi algo na imagem que nunca tinha visto antes. Como pude não ter notado que a pele do unicórnio está manchada de sangue, que finos filetes de carmesim escorrem pela carne branca e lisa enquanto repousa tão pacientemente em seu invólucro circular? Alguns estudiosos argumentaram que as listras vermelhas são suco de romã, o símbolo da fertilidade, mas parece sangue para mim, e parece improvável que o cachorro mordiscando as costas do unicórnio em O unicórnio se rende a uma donzela está pingando néctar de frutas vermelhas.
O que eu teria pensado, quando criança, se soubesse que esta criatura delicada e graciosa era um animal a ser caçado, como um dos troféus de safári de espécies ameaçadas de extinção tão orgulhosamente exibidos por Don Junior e Eric Trump? E o que eu teria concluído se me dissessem que esse massacre não poderia ser realizado sem a ajuda voluntária de uma virgem agradável?
Aparentemente, o unicórnio não era apenas rápido, mas também forte, capaz de matar um elefante com seu chifre. Os caçadores não conseguiam se aproximar sozinhos. Era por isso que você precisava da virgem. O unicórnio gostava de colocar a cabeça no colo de uma virgem e, enquanto estava distraído, os caçadores se aproximavam. A virgem era a isca. Caso as implicações nos escapem e não percamos as ramificações - a preciosidade da pureza feminina e a relativa contaminação da sexualidade feminina - aqui está Richard de Fournival, o chanceler da Catedral de Amiens do século XIII e autor de O Bestiário do Amor:
Fui capturado também pelo cheiro ... como o Unicórnio que adormece no doce cheiro da virgindade ... ninguém se atreve a atacá-lo ou emboscá-lo, exceto uma jovem virgem. Pois quando o unicórnio sente uma virgem por seu cheiro, ele se ajoelha na frente dela e gentilmente se humilha para lhe servir. Conseqüentemente, os caçadores espertos que conhecem sua natureza colocam uma donzela em seu caminho, e ela adormece em seu colo. E então, quando ele está dormindo, os caçadores, que não têm coragem de persegui-lo acordados, saem e o matam.
Quando eu olhava para a foto, como uma menina, eu estava sendo subliminarmente programada para um futuro no qual eu teria que escolher entre o amigo-unicórnio e uma vida sexual? E se fingíssemos ser virgens? O unicórnio sentiria o cheiro. E se fôssemos virgens, o que haveria de ganho para nós, entregando a adorável besta aos seus assassinos? No colégio, meus amigos e eu começamos a ver a virgindade como um fardo do qual estávamos ansiosos para nos livrar éramos inocentes demais para entender o quanto da infância - sua energia e espírito - era uma pena perder. E certamente eu era muito jovem para considerar como o culto da virgem - a fetichização da virgindade - era uma coisa ruim para as mulheres, carregada de punições impostas por homens, destinadas não à proteção das meninas, mas principalmente como garantia do produto que um estava comprando, vendendo ou trocando em casamento.
Muito se falou do unicórnio como um símbolo de Cristo, uma leitura dessas imagens que um amigo medievalista apoia por causa da predestinação, diz ela, a ilógica complicada de a Virgem ser cúmplice no assassinato de seu filho está fora de questão. As feridas do unicórnio são as feridas de Jesus. Boehm está menos convencido e argumenta que a interpretação religiosa simbólica foi levada a extremos. Mas quer o unicórnio represente ou não (ou nos lembre de) Jesus, quer seu sangue seja o sangue de Cristo, não há dúvida de que os caçadores nas tapeçarias de Cluny - grosseiras, vorazes, brutais, asquerosas - são vítimas mortais para os idiotas que zombam Cristo nas pinturas de Bosch e Grunewald.
Embora eu não pudesse deixar de lamentar por minha inocência perdida, meu amor pré-adolescente por unicórnios deflorado, eu era grato pelos deliciosos factóides unicórnios que Boehm fornece: A mística e compositora do século XII Hildegard von Bingen acreditava que você poderia curar a lepra esmagando um unicórnio fígado com gema de ovo. Cesare Borgia se vestiu de unicórnio para seu casamento em 1498. Júlio César escreveu que os unicórnios viviam nas florestas da Alemanha, enquanto mais tarde os peregrinos alemães avistaram um unicórnio nas proximidades do Monte Sinai.
Tecida por volta de 1500, cada uma das tapeçarias Cluny representa um dos sentidos (paladar, olfato, visão etc.) e retrata uma cena relativamente estática (unicórnio, senhora) contra um fundo vermelho fortemente pontilhado com pequenos animais, árvores, estandartes e flores. É surpreendente que essas enormes e altamente detalhadas obras de arte representativa tenham sido tecidas, embora meu espanto tenha ficado um pouco abafado por não vê-las pessoalmente.
As tapeçarias do Claustro não são apenas posteriores (datando de cerca do início do século XVI), mas muito mais dinâmicas, realistas - e mais sangrentas.
The Hunters Enter the Woods, de Hunt for the Unicorn Tapestries, 1495-1505.
O nome da série, "The Unicorn Hunt", é uma dica instantânea: isso não é Meu pequeno Pônei. E ainda, no primeiro da série, Os caçadores entram na floresta, as coisas parecem amáveis o suficiente. Os cães não parecem tão sanguinários dois deles olham para trás em vez de olhar para a frente. Os homens usam chapéus engraçados, alguns com grandes plumas, e talvez aquelas lanças sejam apenas acessórios que os homens do século XIII faziam em passeios na floresta. Bastões com pontas.
The Unicorn Surrenders to the Maiden, da Hunt for the Unicorn Tapestries, 1495-1505.
Uma multidão se reuniu O Unicórnio Purifica Água, e é tudo muito pacífico, o unicórnio está rodeado por uma matilha de bestas reais e míticas, inquietantes, mas não ameaçadores. O Unicórnio Rende-se à Donzela apresenta apenas dois humanos - a (presumível) virgem e um caçador espiando das árvores e soprando sua buzina, sinalizando para os outros. Mas agora os cães estão agitados. Um deles está acariciando ou mordendo o unicórnio, que permanece calmo, embora agora dois fluxos de sangue escorram por suas costas. O sangue é tão bonito - tão estético - quanto tudo o mais.
The Unicorn Defends Himself, da Hunt for the Unicorn Tapestries, 1495-1505.
Não é até O Unicórnio Se Defende que as lanças estão levantadas. Os cachorros ficaram mais malvados, talvez porque um deles foi ferido pelo unicórnio, cujo sangue começou a correr.
The Hunters Return to the Castle, da Hunt for the Unicorn Tapestries, 1495-1505.
Os caçadores voltam ao castelo é uma daquelas imagens medievais / renascentistas que funcionam como um filme, mostrando-nos cenas que podemos acompanhar, sequencialmente, de um lado ao outro da imagem. No canto superior esquerdo, o unicórnio está em agonia, profundamente perfurado por três lanças e cercado pelos cães. E no primeiro plano inferior, o unicórnio morto - parecendo mais uma cabra abatida do que uma criatura mágica, sua carcaça murcha pendurada nas costas de um belo cavalo marrom - foi trazido para a aprovação do senhor e dama reais e de seus cortesãos.
Quando eu estava no colégio, muitas vezes, com tempo bom, meus amigos e eu pegávamos o ônibus da Quinta Avenida até o final da linha, Fort Tryon Park. Passávamos tardes inteiras no Claustro. Foram nossas férias na Europa, nossa viagem no tempo disponível a baixo custo. Não sei quanto tempo passei na frente das tapeçarias de unicórnios, mas sei que, durante todas aquelas horas, nunca me ocorreu que eu estava olhando para uma carnificina.
Talvez a crueldade e a mentalidade sangrenta deste ano tenham tornado a carnificina um foco mais nítido. É enervante, até constrangedor, mas eu sempre (ou quase sempre) gosto de ter meus olhos abertos para algo que eu não percebi, mesmo que estivesse bem na minha frente o tempo todo. Não foi como se nunca tivesse me ocorrido o quão gravemente nossa sociedade foi envenenada e deformada pelo racismo e pela desigualdade de renda. Mas os eventos deste verão, os protestos Black Lives Matter e as estatísticas horríveis que revelam o quanto os pobres e as pessoas de cor sofreram com a pandemia tornaram impossível não ver o sangue. Costumava dizer que a nossa democracia era uma instituição frágil, que o que aconteceu para transformar outras democracias em ditaduras pode facilmente acontecer aqui. Mas eu não acho que realmente acreditei nisso até recentemente.
Por mais surpreendente ou dolorosa que seja a verdade, ver o que deixamos de notar parece uma educação contínua, uma lição, até mesmo um presente. Como tantas histórias que eu pensei que conhecia, como tantas das histórias que contamos a nós mesmos e são contadas, a história do unicórnio não é o que eu pensava. A beleza dessas tapeçarias é emocionante, mesmo em reprodução, mas elas levantam a questão de quão facilmente podemos ignorar o óbvio, se não olharmos de perto.
Francine Prose é autora de dezenove romances, oito obras de não ficção, três coleções de contos e um livro infantil. Seu romance mais recente é Senhor macaco.
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A história secreta das ervas daninhas
‘O que é uma erva daninha? ", Ralph Waldo Emerson perguntou à multidão que se reuniu para ouvi-lo falar na Igreja Old South de Boston em 30 de março de 1878. Sua resposta: uma planta ainda não é útil. Havia cerca de 200.000 ervas daninhas, ele observou em sua palestra, ‘Fortune of the Republic’, acrescentando: ‘O tempo ainda trará um inventor para cada planta. Não existe uma propriedade na Natureza, mas uma mente nasce para buscá-la e encontrá-la [...] A infinita aplicabilidade dessas coisas nas mãos do homem pensante, cada nova aplicação sendo equivalente a um novo material. ”Ele se referia ao capitalismo e controlar e dominar a terra. A sua história é a de um homem, de um homem branco, de um ‘homem pensante’.
Minhas ervas daninhas não são as ervas daninhas de Emerson. Os que vejo contêm histórias de globalização e migrações em massa. A maioria das ervas daninhas nos Estados Unidos está aqui porque alguém já pensou que eram úteis. A linguagem em torno deles hoje é problemática: ‘nativo’, ‘invasivo’, ‘estrangeiro’ - como se fosse um microcosmo de nossa política. Eu olho para o meu gramado desgrenhado e é tudo mato. Há camomila e margarida oxeye, que foi chamada de "ornamental perigoso" pelo Serviço de Parques Nacionais e tem gosto de rúcula em mil-folhas que Aquiles carregava para estancar as feridas de suas tropas, prunela, conhecida como "autocurativa" ou "cura-tudo" Pelas suas propriedades medicinais, trevo vermelho que pode ser usado como ração animal ou para moderar os hormônios femininos. Existem docas e bananeiras.
Deborah Pierce Bonnell, Renda da Rainha Ana, 2014. Cortesia: artista
Essas plantas e suas histórias não são simples. Muitas vezes eram trazidos por colonizadores brancos. A banana-da-terra também é chamada de "pé do homem branco" porque viajava para todos os lugares que os brancos iam. Suas folhas novas tornam as verduras ricas em nutrientes e como pomada - mesmo mastigada na saliva - funcionam como um grande curador de cortes.
Outras ervas daninhas guardam segredos de resistência. A renda da Rainha Anne, com suas cabeças brancas balançando, é uma cenoura selvagem. A raiz é comestível, mas suas sementes são outra história - ou melhor, são a minha história. São inibidores da progesterona e podem funcionar como a pílula do dia seguinte ou, tomados diariamente, como a pílula anticoncepcional. As longas folhas da artemísia acenam para os carros que passam por ela nas margens das estradas. Suas folhas, com a parte inferior prateada, cheiram a pinho e sálvia. Eles são uma fonte potente de tujona, um composto natural com qualidades psicotrópicas. Diz-se que é a razão pela qual as bruxas voam, a planta desperta sonhos vívidos e velozes. Também modula os hormônios femininos e pode induzir o aborto. Suas raízes são um rizoma, espalhando-se exponencialmente. Ao vê-lo no Brooklyn, ao longo do poluído Canal Gowanus, penso nas mulheres que o trouxeram para cá e imagino suas necessidades, medos e sonhos.
Artemísia, com seu nome que soa turvo ("wort" significa raiz), é o início do "Feitiço das Nove Ervas". Publicado no Lacnunga, um livro de remédios à base de ervas do final do século 10 ou início do século 11, o feitiço invoca a planta como se ela estivesse viva e presente:
você é poderoso contra veneno
Você é poderoso contra o mal
que atravessa a terra
O unicórnio descansa em um jardim, de ‘Unicorn Tapestries’, 1495-1505. Cortesia: Metropolitan Museum of Art, Nova York
Depois de ler o feitiço, artemísia - a ‘primeira’ e ‘mais antiga’ - tornou-se um sinal de rebelião para mim. Donald Trump era presidente na época e desafiando os direitos reprodutivos das mulheres, eu queria esta planta em todos os lugares, ao longo das estradas e em cercas de ciclones, em estacionamentos e solos pobres. Enquanto corria pelo Prospect Park pela manhã, eu o saudava. Vejo suas folhas no verão e penso nas histórias perdidas das mulheres. A primeira vez que o fiz, em 2018, segui as instruções que um jardineiro do museu The Met Cloisters, em Manhattan, havia dado à artista Marlene McCarty. Eu sonhei com
empacotar uma mochila vermelha de criança estampada com personagens de desenhos animados e fugir em uma migração forçada - uma visão adequada ao que parece, olhando para trás.
Quando o feitiço foi colocado na escrita, foi uma das últimas resistências ao Cristianismo. Quatro séculos depois, um grande número de mulheres seria perseguido como bruxas por seus conhecimentos de ervas e, à medida que a agricultura se desenvolveu em monoculturas - com as plantações dispostas em fileiras e linhas como uma perspectiva de ponto único - a própria terra se tornou a riqueza e a herança dos homens. Então veio a colonização, o capitalismo, a escravidão e a privação do poder das mulheres sobre suas vidas e corpos. A medicina também se tornou domínio do homem. Nos Estados Unidos, colonos brancos - com a sanção do governo - roubaram terras e mataram nativos americanos porque queriam cada vez mais território para plantar suas ondas de grãos e algodão.
Emerson fez seu discurso perto do início da Longa Depressão (1873-96), e ele estava abordando a economia do algodão e a Guerra Civil em um argumento que não entendo totalmente. Essa depressão desencadeou uma contra-narrativa à agricultura e ao capitalismo. No ano em que Emerson falou, os meeiros negros e brancos que cultivavam algodão no Sul estavam se alinhando - não é a história que ouvimos com frequência da era pós-Reconstrução - e seu poder conjunto aterrorizou os supremacistas brancos. Esses fazendeiros estavam sendo ferrados pelo capitalismo, por mercadores, bancos e corretores de algodão. Formando a Farmers ’Alliance em 1877, eles aumentaram a consciência de classe através das linhas raciais. O grupo lutou por sindicatos, cooperativas e reformas socialistas de bancos e ferrovias. O próprio algodão também tem sido uma ferramenta de resistência: mulheres escravizadas carregaram o conhecimento da planta da África, onde ela também é cultivada. Algodão, ou fofoca como o gênero é chamado, tem propriedades abortivas e, eu li, pode suprimir os espermatozoides.
Ilustração de B.D. Basu e K.R. Kritkar, Indian Medicinal Plants, vol. 3, 1918. Cortesia: Smithsonian Institute, Washington, D.C.
Lendo o ‘Nine Herbs Charm’, penso sobre as ‘Unicorn Tapestries’ (1495-1505). Uma de minhas alunas, Kate Brock, está escrevendo sobre eles e aponta a técnica de millefleurs, com flores espalhadas por toda parte, tornando-se o solo, o ar, o éter. Não há nada entre as plantas e nós. Essas tapeçarias foram feitas cerca de 500 anos após o "Encanto das Nove Ervas" ter sido gravado, mas a técnica que empregam é da era gótica. Essas plantas e flores impregnam tudo o que as figuras humanas estão entre elas como se fossem parte da folhagem. Nas tapeçarias posteriores, observa Kate, as flores são reduzidas e domesticadas. Eles se tornam uma linha sob os pés dos caçadores de unicórnios. As plantas e o solo agora estão sob nosso domínio.
O que é uma erva daninha? Os meus são uma economia de resíduos, escavando rachaduras nas calçadas de aterros tóxicos, estacionamentos e bermas de rodovias, onde podem ajudar a remediar os solos. Os EUA gastam US $ 20,5 bilhões anualmente em pesticidas para monoculturas para o cultivo, espalhando 23 milhões de toneladas de fertilizantes em variedades de milho, soja e trigo de alto rendimento. A maioria dos fertilizantes é à base de nitrogênio e requer a produção de metano. O metano é o principal motor da mudança climática.
Minhas ervas daninhas resistem a isso. Eles crescem fora das linhas, fora das linhas, afirmando outras narrativas. Essas plantas não mais consideradas úteis, que a agricultura capitalista se propõe a destruir, podem ajudar a recuperar essas paisagens perdidas. Docas são ricas em mil-folhas de ferro, é antiinflamatório e anti-séptico. A banana da terra pode fitorremediar alguns inseticidas. A ladainha de propriedades benéficas da autocura incluem antienvelhecimento, anticâncer e antiinflamatório. No verão, colho e como suas flores roxas enquanto caminho pela grama que não é grama, mas uma erva daninha, e que conta histórias de minha própria resistência.
Este artigo apareceu pela primeira vez em friso edição 218 com o título ‘Nas ervas daninhas'.
Imagem principal: O unicórnio cruza um riacho, de ‘Unicorn Tapestries’, 1495-1505. Cortesia: Metropolitan Museum of Art, Nova York
Junte-se a especialistas para uma exploração virtual interdisciplinar das famosas Tapeçarias de Unicórnio do The Met Cloisters. Aprenda sobre a arte e a inovação por trás das tapeçarias e considere a relação complexa e duradoura entre a humanidade e a natureza. O programa inclui conexões curriculares práticas para ensino e aprendizagem de ciência, tecnologia, engenharia, arte e matemática (STEAM). Para educadores de todas as disciplinas e níveis de escolaridade.
Observação: este evento ao vivo acontece no Zoom. O espaço é limitado, é necessário registrar-se com antecedência. As inscrições se encerram em 21 de maio de 2021, às 17h00 (horário do leste dos EUA), ou quando o registro está cheio.
Legendas geradas automaticamente estão disponíveis.
Imagem: The Unicorn Rests in a Garden (das Tapeçarias do Unicórnio) (detalhe), 1495–1505. Feito em Paris, França (desenho) Feito na Holanda do Sul (tecido), Urdidura de lã com tramas de lã, seda, prata e douradas, Macacão: 144 7/8 x 99 pol. (368 x 251,5 cm). The Metropolitan Museum of Art, New York, Gift of John D. Rockefeller Jr., 1937 (37.80.6)
Do que é feito um chifre de unicórnio?
A série Cambridge Animal Alphabet celebra as conexões de Cambridge com os animais por meio da literatura, arte, ciência e sociedade. Aqui, U é para Unicórnio. Apesar de serem notoriamente difíceis de serem capturados, eles aparecem em placas de cerâmica, na heráldica do século 15 e nas primeiras receitas de anti-venenos.
A receita do século 17 para um anti-veneno, "Pó de Corrimão", chamava chifre de unicórnio, "bezoars do leste" e "ossos" de coração de veado
Vá até o final do artigo para ouvir o podcast.
À primeira vista, pode ser um cavalo com crina ondulada e cauda balançando - mas então você percebe o chifre longo e retorcido saindo de sua testa. Olhando para este magnífico animal mais de perto, você vê que seus pés são muito diferentes dos cascos dos cavalos, divididos em dedos quase como pés humanos.
Ninguém sabe exatamente a aparência de um unicórnio, mas o artista que decorou esta placa maiolica (na coleção do Museu Fitzwilliam: nº de acesso C.86-1927) imaginou uma criatura em grande escala. O jovem cavaleiro, montado em um tecido ricamente bordado, é diminuído pelo tamanho impressionante de seu corcel empinado.
A placa fazia parte originalmente de uma série, feita na Itália no início do século 16, retratando a entrada triunfal de César em Roma após o fim da segunda Guerra Púnica. A cena é retirada de um conjunto de xilogravuras e a letra H marca seu lugar na narrativa. Acredita-se que os pratos tenham sido produzidos por uma oficina em Cafaggiolo, não muito longe de Florença.
O design arrojado é a prova de que os unicórnios nem sempre foram as criaturas tímidas e gentis que os bestiários medievais e a literatura infantil do século XX nos querem fazer acreditar. Na verdade, eles foram uma adição feroz às fileiras das bestas míticas nos textos clássicos. Plínio, o Velho, descreveu o unicórnio assim:
“... um animal muito feroz chamado monoceros que tem a cabeça de veado, as patas de elefante e a cauda de javali, enquanto o resto do corpo é como o do cavalo, ele faz um rugido profundo, e tem um único chifre preto, que se projeta do meio de sua testa. ”
A partir desse início quimérico, o unicórnio tomou uma variedade de direções em termos de aparência e simbolismo. Tornou-se um emblema de Cristo na Idade Média e era frequentemente usado na heráldica do século 15 em diante. O leão e o unicórnio são os símbolos do Reino Unido, com o leão representando a Inglaterra e o unicórnio da Escócia.
A coleção do Museu Fitzwilliam está repleta de unicórnios. Algumas das mais atraentes aparecem em ‘livros de horas’ e ‘bestiários’. O pesquisador freelance, Robert Lloyd Parry, investigou apenas alguns deles durante a pesquisa de uma exploração de sinais e símbolos na arte para o site de Fitzwilliam.
Um Livro de Horas Flamengo, datado de 1526, mostra a Anunciação. Maria está sentada em um jardim murado (símbolo de sua virgindade) e um unicórnio branco descansa seu chifre em seu colo. Deus, o Pai, espia de uma sarça ardente atrás dela e, além do jardim, Gabriel toca uma trompa de caça.
Um manuscrito iluminado do século 15 - uma tradução francesa de uma enciclopédia do século 13 - retrata um unicórnio no Jardim do Éden antes da Queda do Homem. Lloyd Parry escreve: “Deus, o Pai, segura a mão direita de Adão e Eva com anjos e animais olhando. Um riacho emerge do solo aos pés de Deus. O chifre do unicórnio aponta para suas águas cristalinas - uma referência talvez às suas lendárias habilidades de purificar a água. "
É provável que uma criatura mágica tenha poderes mágicos: o chifre de unicórnio está associado à pureza. Natalie Lawrence, uma candidata a PhD no Departamento de História e Filosofia da Ciência em Cambridge, está pesquisando os primeiros encontros com criaturas exóticas - incluindo as oportunidades que eles apresentaram para comerciantes e boticários.
O trabalho de Lawrence oferece novas percepções sobre como os poderes protetores e curativos foram atribuídos às substâncias naturais, em uma época em que havia um medo generalizado de envenenamento. A receita do século 17 para um anti-veneno, "Pó de Corrimão", chamava de chifre de unicórnio, "bezoars do leste" e "ossos" de coração de veado. Membros da nobreza compraram talheres e copos com bases de "chifre de unicórnio" para evitar serem envenenados, e a Cadeira do Trono da Dinamarca (construída em 1662-1671) é até feita de "chifre de unicórnio".
O medicamento em pó "chifre de unicórnio" era geralmente marfim de morsa, chifre de rinoceronte ou presa de narval, às vezes chamado de "unicórnio do mar". O problema de distinguir 'chifre verdadeiro' foi comentado pelo médico francês Pierre Martin La Martinière (1634-1690), que descreveu a dificuldade de se saber 'qual Criatura é o Unicórnio certo ... havendo vários Animais que os gregos chamam de Monoceros, e os Latines Uni-Cornis ', de uma variedade de quadrúpedes terrestres e' serpentes ', ao' elefante marinho '(morsa).
Materiais como marfim de morsa, quando identificados como tal, podem possuir qualidades semelhantes ao chifre de unicórnio. Um farmacêutico, um 'Sr. Alexander Woodson de Bristoll', 'um habilidoso Phisition', tinha 'dentes de uma dessas bestas, que' ele havia tentado 'por' ministrar remédios a seus pacientes, e descobriu que era um soveraigne contra poyson como qualquer Unicornes horne '.
As ligações implícitas entre os unicórnios e essas outras feras não diminuíram os poderes médicos percebidos dos chifres. O estudioso dinamarquês Ole Worm (1588-1655) desmascarou a existência do unicórnio terrestre em uma palestra pública usando o crânio de um narval, mas ele ainda atestou a potência médica do chifre. Worm descreveu experiências em que animais envenenados foram revividos pela administração de chifre de "unicórnio do mar" em pó.
No início do século 18, os "chifres de unicórnio" eram muito menos valorizados nas coleções, perdendo parte de seu status de "raridades", à medida que a importação em alto volume para a Europa inundava o mercado. Mas o apelo do próprio unicórnio, especialmente encarnações como a criatura ligeira e mercurial de CS Lewis Nárnia livros, nunca diminuiu.
Talvez seja porque, o que é mais famoso, eles sempre foram extremamente difíceis de pegar.
A seguir no Alfabeto de Animais de Cambridge: V é para um animal que é responsável por até 94.000 mortes por ano, mas também está sendo usado para ajudar a desenvolver tratamentos para doenças como hemofilia, trombose venosa profunda, embolia pulmonar, ataque cardíaco e derrame.
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Imagens inseridas: Detalhe de Saudações à Virgem, do Livro das Horas de Carew-Poyntz (Museu Fitzwilliam) Detalhe da leitura da Virgem em jardim fechado, Livro das Horas, de Geert Grote (Museu Fitzwilliam) Unicórnios das primeiras histórias naturais modernas de Topsell e Johnstone Ilustração de um crânio de narval do livro de Ole Worm.
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O texto neste trabalho está licenciado sob uma Licença Internacional Creative Commons Atribuição 4.0. Para uso de imagem, consulte os créditos separados acima.
Conteúdo
Edição de Formação
A base para a estrutura arquitetônica do museu veio da coleção de George Gray Barnard, um escultor e colecionador americano que quase sozinho estabeleceu um museu de arte medieval perto de sua casa na seção de Fort Washington em Upper Manhattan. Embora fosse um escultor de sucesso que estudou no Art Institute of Chicago, sua renda não era suficiente para sustentar sua família. Barnard corria riscos e levou a maior parte de sua vida à beira da pobreza. [6] Ele se mudou para Paris em 1883, onde estudou na Académie des Beaux-Arts. [6] Ele viveu na vila de Moret-sur-Loing, perto de Fontainebleau, entre 1905 e 1913, [7] e começou a negociar em objetos europeus dos séculos 13 e 14 para complementar seus ganhos. No processo, ele construiu uma grande coleção pessoal do que descreveu como "antiguidades", primeiro comprando e vendendo objetos autônomos com negociantes franceses, [8] depois pela aquisição de no local artefatos arquitetônicos de fazendeiros locais. [6]
Barnard estava interessado principalmente nas abadias e igrejas fundadas por ordens monásticas do século XII. Após séculos de pilhagem e destruição durante guerras e revoluções, as pedras de muitos desses edifícios foram reutilizadas pelas populações locais. [6] Um pioneiro em ver o valor em tais artefatos, Barnard sempre encontrou hostilidade ao seu esforço de grupos locais e governamentais. [7] No entanto, ele era um negociador astuto que tinha a vantagem do olho de um escultor profissional para esculturas de pedra de qualidade superior, e em 1907 ele havia construído uma coleção de alta qualidade a um custo relativamente baixo. Supostamente, ele pagou $ 25.000 pelos edifícios Trie, $ 25.000 pelo Bonnefort e $ 100.000 pelos claustros de Cuxa. [9] Seu sucesso o levou a adotar uma visão um tanto romântica de si mesmo. Ele se lembrou de andar de bicicleta pelo interior da França e desenterrar obras-primas góticas caídas e há muito esquecidas ao longo do caminho. Ele alegou ter encontrado a efígie do túmulo de Jean d'Alluye virada para baixo, em uso como ponte sobre um pequeno riacho. [8] Em 1914, ele reuniu artefatos suficientes para abrir uma galeria em Manhattan. [10]
Barnard freqüentemente negligenciava suas finanças pessoais, [9] e era tão desorganizado que muitas vezes perdia a origem ou proveniência de suas compras. Ele vendeu sua coleção para John D. Rockefeller Jr. em 1925 durante uma de suas crises monetárias recorrentes. [11] Os dois foram apresentados pelo arquiteto William W. Bosworth. [12] Adquirida para o Metropolitan Museum of Art, a aquisição incluiu estruturas que se tornariam a fundação e o núcleo do museu. [6] [7] Rockefeller e Barnard eram pólos opostos em temperamento e perspectiva e não se davam bem Rockefeller era reservado, Barnard exuberante. O pintor e crítico de arte inglês Roger Fry era então o principal agente de aquisições europeu do Metropolitan e agia como um intermediário. [13] Rockefeller eventualmente adquiriu a coleção de Barnard por cerca de US $ 700.000, mantendo Barnard como conselheiro. [14]
Em 1927, Rockefeller contratou Frederick Law Olmsted Jr., filho de um dos designers do Central Park, e a empresa Olmsted Brothers para criar um parque na área de Fort Washington. [15] Em fevereiro de 1930, Rockefeller ofereceu construir o Claustro para o Metropolitano. [16] Consultando Bosworth, [7] ele decidiu construir o museu em um local de 66,5 acres (26,9 ha) no Fort Tryon Park, que eles escolheram por sua elevação, vistas e localização acessível, mas isolada. [10] O terreno e os edifícios existentes foram comprados naquele ano da propriedade C. K. G. Billings e outras propriedades na área de Fort Washington. O edifício do Claustro e os jardins adjacentes de 4 acres (1,6 ha) foram projetados por Charles Collens. [17] Eles incorporam elementos de abadias na Catalunha e na França. Peças de Sant Miquel de Cuixà, Saint-Guilhem-le-Désert, Bonnefont-en-Comminges, Trie-sur-Baïse e Froville foram desmontadas pedra por pedra e enviadas para a cidade de Nova York, onde foram reconstruídas e integradas em um todo coeso. Construction took place over a five-year period from 1934. [18] Rockefeller bought several hundred acres of the New Jersey Palisades, which he donated to the State in an effort to preserve the view from the museum. [19] The Cloisters' new building and gardens were officially opened on May 10, 1938, [20] though the public was not allowed to visit until four days later. [21]
Early acquisitions Edit
Rockefeller financed the purchase of many of the early collection of works, often buying independently and then donating the items to the museum. [5] His financing of the museum has led to it being described as "perhaps the supreme example of curatorial genius working in exquisite harmony with vast wealth". [6] The second major donor was the industrialist J. P. Morgan, founder of the Morgan Library & Museum in New York, who spent the last 20 years of his life acquiring artworks, "on an imperial scale" according to art historian Jean Strous, [22] spending some $900 million (inflation adjusted) in total. After his death, his son J. P. Morgan Jr. donated a large number of works from the collection to the Metropolitan. [23]
A further major early source of objects was the art dealer Joseph Brummer (1883–1947), long a friend of a curator at the Cloisters, James Rorimer. Rorimer had long recognized the importance of Brummer's collection, and purchased large quantities of objects in the months after Brummer's sudden death in 1947. According to Christine E. Brennan of the Metropolitan, Rorimer realized that the collection offered works that could rival the Morgan Collection in the Metropolitan's Main Building, and that "the decision to form a treasury at The Cloisters was reached. because it had been the only opportunity since the late 1920s to enrich the collection with so many liturgical and secular objects of such high quality." [24] These pieces, including works in gold, silver, and ivory, are today held in the Treasury room of the Cloisters. [24]
The museum's collection of artworks consists of approximately five thousand individual pieces. They are displayed across a series of rooms and spaces, mostly separate from those dedicated to the installed architectural artifacts. The Cloisters has never focused on building a collection of masterpieces, rather the objects are chosen thematically yet arranged simply to enhance the atmosphere created by the architectural elements in the particular setting or room in which they are placed. [5] To create the atmosphere of a functioning series of cloisters, many of the individual works, including capitals, doorways, stained glass, and windows are placed within the architectural elements themselves. [25]
Panel paintings and sculpture Edit
The museum's best-known panel painting is Robert Campin's c. 1425–28 Mérode Altarpiece, a foundational work in the development of Early Netherlandish painting, [26] which has been at The Cloisters since 1956. Its acquisition was funded by Rockefeller and described at the time as a "major event for the history of collecting in the United States". [27] The triptych is well preserved with little overpainting, glossing, dirt layers or paint loss. [28] Other panel paintings in the collection include a Nativity triptych altarpiece attributed to a follower of Rogier van der Weyden, [29] and the Jumieges panels by an unknown French master. [30]
The 12th-century English walrus ivory Cloisters Cross contains over ninety-two intricately carved figures and ninety-eight inscriptions. A similar 12th-century French metalwork reliquary cross contains six sequences of engravings on either side of its shaft, and across the four sides of its lower arms. [31] Further pieces of note include a 13th-century, English Enthroned Virgin and Child statuette, [32] a c. 1490 German statue of Saint Barbara, [33] and an early 16th-century boxwood Miniature Altarpiece with the Crucifixion. [34] Other significant works include fountains and baptismal fonts, chairs, [35] aquamaniles (water containers in animal or human form), bronze lavers, alms boxes and playing cards. [36]
The museum has an extensive collection of medieval European frescoes, ivory statuettes, reliquary wood and metal shrines and crosses, as well as examples of the very rare Gothic boxwood miniatures. [37] It has liturgical metalwork vessels and rare pieces of Gothic furniture and metalwork. [38] Many pieces are not associated with a particular architectural setting, so their placement in the museum may vary. [39] Some of the objects have dramatic provenance, including those plundered from the estates of aristocrats during the French Revolutionary Army's occupation of the Southern Netherlands. [40] The Unicorn tapestries were for a period used by the French army to cover potatoes and keep them from freezing. [41] The set was purchased by Rockefeller in 1922 and six of the tapestries hung in his New York home until donated to the Metropolitan Museum of Art in 1938. [42]
Illuminated manuscripts Edit
The museum's collection of illuminated books is small, but of exceptional quality. J.P. Morgan was a major early donor, but although his taste leaned heavily towards rare printed and illuminated books, [43] he donated very few to the Metropolitan, instead preserving them at the Morgan Library. [23] At the same time, the consensus within the Met was that the Cloisters should focus on architectural elements, sculpture and decorative arts to enhance the environmental quality of the institution, whereas manuscripts were considered more suited to the Morgan Library in lower Manhattan. [44] The Cloisters' books are today displayed in the Treasury room, and include the French "Cloisters Apocalypse" (or "Book of Revelation", c. 1330, probably Normandy), [45] Jean Pucelle's "Hours of Jeanne d'Evreux" (c. 1324–28), the "Psalter of Bonne de Luxembourg", attributed to Jean Le Noir and the "Belles Heures du Duc de Berry" (c. 1399–1416) attributed to the Limbourg brothers. [46] In 2015 the Cloisters acquired a small Netherlandish Book of Hours illuminated by Simon Bening. [47] Each is of exceptional quality, and their acquisition was a significant achievement for the museum's early collectors. [44]
A coat of arms illustrated on one of the leaves of the "Cloisters Apocalypse" suggests it was commissioned by a member of the de Montigny family of Coutances, Normandy. [48] Stylistically it resembles other Norman illuminated books, as well as some designs on stained glass, of the period. [49] The book was in Switzerland by 1368, possibly at the abbey of Zofingen, in the canton of Aargau. It was acquired by the Met in 1968. [50]
The "Hours of Jeanne d'Evreux" is a very small early Gothic book of hours containing 209 folios, of which 25 are full-page miniatures. It is lavishly decorated in grisaille drawings, historiated initials and almost 700 border images. Jeanne d'Évreux was the third wife of Charles IV of France, and after their deaths the book went into the possession of Charles' brother, Jean, duc de Berry. The use of grisaille (shades of gray) drawings allowed the artist to give the figures a highly sculptural form, [51] and the miniatures contain structures typical of French Gothic architecture of the period. The book has been described as "the high point of Parisian court painting", and evidence of "the unprecedentedly refined artistic tastes of the time". [52]
The "Belles Heures" is widely regarded as one of the finest extant examples of manuscript illumination, and very few books of hours are as richly decorated. It is the only surviving complete book attributed to the Limbourg brothers. [53] Rockefeller purchased the book from Maurice de Rothschild in 1954, and donated it to the Metropolitan. [54]
The very small "Bonne de Luxembourg" manuscript (each leaf 12.5 × 8.4 × 3.9 cm) is attributed to Jean le Noir, and noted for its preoccupation with death. It was commissioned for Bonne de Luxembourg, Duchess of Normandy, daughter of John the Blind and the wife of John II of France, probably at the end of her husband's life, c. 1348–49. It was in a private collection for many years, and thus known only through poor-quality photographic reproductions until acquired by the museum in 1969. Produced in tempera, grisaille, ink, and gold leaf on vellum, it had been rarely studied and was until that point misattributed to Jean Pucelle. Following its acquisition, it was studied by art historians, after which attribution was given to Le Noir. [55]
Tapestries Edit
While examples of textile art are displayed throughout the museum, there are two dedicated rooms given to individual series of tapestries, the South Netherlandish Nine Heroes (c. 1385) [56] and FlemishThe Hunt of the Unicorn (c. 1500). [57] The Nine Heroes room is entered from the Cuxa cloisters. [56] Its 14th-century tapestries are one of the earliest surviving examples of tapestry, and are thought to be the original versions following widely influential and copied designs attributed to Nicolas Bataille. They were acquired over a period of twenty years, involving the purchase of more than 20 individual fragments which were then sewn together during a long reassembly process. The chivalric figures represent the scriptural and legendary Nine Worthies, who consist of three pagans (Hector, Alexander the Great and Julius Caesar), three Jews (Joshua, David and Judas Maccabeus) and three Christians (King Arthur, Charlemagne and Godfrey of Bouillon). Of these, five figures survive: Hector, Caesar, Joshua, David and Arthur. [58] They have been described as representing "in their variety, the highest level of a rich and powerful social structure of later fourteenth-century France". [59]
o Hunt of the Unicorn room can be entered from the hall containing the Nine Heroes via an early 16th-century door carved with representations of unicorns. [60] The unicorn tapestries consist of a series of large, colourful hangings and fragment textiles [61] designed in Paris [58] and woven in Brussels or Liège. Noted for their vivid colourization—dominated by blue, yellow-brown, red, and gold hues—and the abundance of a wide variety of flora, [62] they were produced for Anne of Brittany and completed c. 1495–1505. [63] The tapestries were purchased by Rockefeller in 1922 for about one million dollars, and donated to the museum in 1937. [64] They were cleaned and restored in 1998, and are now hung in a dedicated room on the museum's upper floor. [65]
The large "Nativity" panel (also known as "Christ is Born as Man's Redeemer") from c. 1500, South Netherlandish (probably in Brussels), Burgos Tapestry was acquired by the museum in 1938. It was originally one of a series of eight tapestries representing the salvation of man, [66] with individual scenes influenced by identifiable panel paintings, including by van der Weyden. [67] It was badly damaged in earlier centuries: it had been cut into several irregular pieces and undergone several poor-quality restorations. The panel underwent a long process of restoration from 1971, undertaken by Tina Kane and Alice Blohm of the Metropolitan's Department of Textile Conservation. It is today hung in the Late Gothic hall. [68]
Stained glass Edit
The Cloisters' collection of stained glass consists of around three hundred panels, generally French and Germanic and mostly from the 13th to early 16th centuries. [70] A number were formed from handmade opalescent glass. Works in the collection are characterized by vivid colors and often abstract designs and patterns many have a devotional image as a centerpiece. [71] The majority of these works are in the museum's Boppard room, named after the Carmelite church of Saint Severinus in Boppard, near Koblenz, Germany. [10] The collection's pot-metal works (from the High Gothic period) highlight the effects of light, [72] especially the transitions between darkness, shadow and illumination. [73] The Met's collection grew in the early 20th century when Raymond Picairn made acquisitions at a time when medieval glass was not highly regarded by connoisseurs, and was difficult to extract and transport. [74]
Jane Hayward, a curator at the museum from 1969 who began the museum's second phase of acquisition, describes stained glass as "unquestioningly the preeminent form of Gothic medieval monumental painting". [75] She bought c. 1500 heraldic windows from the Rhineland, now in the Campin room with the Mérode Altarpiece. Hayward's addition in 1980 led to a redesign of the room so that the installed pieces would echo the domestic setting of the altarpiece. She wrote that the Campin room is the only gallery in the Met "where domestic rather than religious art predominates. a conscious effort has been made to create a fifteenth-century domestic interior similar to the one shown in [Campin's] Annunciation panel." [76]
Other significant acquisitions include late 13th-century grisaille panels from the Château-de-Bouvreuil in Rouen, glass work from the Cathedral of Saint-Gervais-et-Saint-Protais at Sées, [76] and panels from the Acezat collection, now in the Heroes Tapestry Hall. [77]
The building is set into a steep hill, and thus the rooms and halls are divided between an upper entrance and a ground-floor level. The enclosing exterior building is mostly modern, and is influenced by and contains elements from the 13th-century church at Saint-Geraud at Monsempron, France, from which the northeast end of the building borrows especially. It was mostly designed by the architect Charles Collens, who took influence from works in Barnard's collection. Rockefeller closely managed both the building's design and construction, which sometimes frustrated the architects and builders. [78]
The building contains architecture elements and settings taken mostly from four French abbeys, which between 1934 and 1939 were transported, reconstructed, and integrated with new buildings in a project overseen by Collins. He told Rockefeller that the new building "should present a well-studied outline done in the very simplest form of stonework growing naturally out of the rocky hill-top. After looking through the books in the Boston Athenaeum . we found a building at Monsempron in Southern France of a type which would lend itself in a very satisfactory manner to such a treatment." [78]
The architects sought to both memorialize the north hill's role in the American Revolution and to provide a sweeping view over the Hudson River. Construction of the exterior began in 1935. The stonework, primarily of limestone and granite from several European sources, [79] includes four Gothic windows from the refectory at Sens and nine arcades. [80] The dome of the Fuentidueña Chapel was especially difficult to fit into the planned area. [81] The east elevation, mostly of limestone, contains nine arcades from the Benedictine priory at Froville and four flamboyant French Gothic windows from the Dominican monastery at Sens. [80]
Cloisters Edit
Cuxa Edit
Located on the south side of the building's main level, the Cuxa cloisters are the museum's centerpiece both structurally and thematically. [72] They were originally erected at the Benedictine Abbey of Sant Miquel de Cuixà on Mount Canigou, in the northeast French Pyrenees, which was founded in 878. [82] The monastery was abandoned in 1791 and fell into disrepair its roof collapsed in 1835 and its bell tower fell in 1839. [83] About half of its stonework was moved to New York between 1906 and 1907. [82] [84] The installation became one of the first major undertakings by the Metropolitan after it acquired Barnard's collection. After intensive work over the fall and winter of 1925–26, the Cuxa cloisters were opened to the public on April 1, 1926. [85] [5]
The quadrangle-shaped garden once formed a center around which monks slept in cells. The original garden seemed to have been lined by walkways around adjoining arches lined with capitals enclosing the garth. [86] It is impossible now to represent solely medieval species and arrangements those in the Cuxa garden are approximations by botanists specializing in medieval history. [86] The oldest plan of the original building describes lilies and roses. [86] Although the walls are modern, the capitals and columns are original and cut from pink Languedoc marble from the Pyrenees. [85] The intersection of the two walkways contains an eight-sided fountain. [87]
The capitals were carved at different points in the abbey's history and thus contain a variety of forms and abstract geometric patterns, including scrolling leaves, pine cones, sacred figures such as Christ, the Apostles, angels, and monstrous creatures including two-headed animals, lions restrained by apes, mythic hybrids, a mermaid and inhuman mouths consuming human torsos. [88] [89] The motifs are derived from popular fables, [82] or represent the brute forces of nature or evil, [90] or are based on late 11th- and 12th-century monastic writings, such as those by Bernard of Clairvaux (1090–1153). [91] The order in which the capitals were originally placed is unknown, making their interpretation especially difficult, although a sequential and continuous narrative was probably not intended. [92] According to art historian Thomas Dale, to the monks, the "human figures, beasts, and monsters" may have represented the "tension between the world and the cloister, the struggle to repress the natural inclinations of the body". [93]
Saint-Guilhem Edit
The Saint-Guilhem cloisters were taken from the site of the Benedictine monastery of Saint-Guilhem-le-Désert, and date from 804 AD to the 1660s. [94] Their acquisition around 1906 was one of Barnard's early purchases. The transfer to New York involved the movement of around 140 pieces, including capitals, columns and pilasters. [9] The carvings on the marble piers and column shafts recall Roman sculpture and are coiled by extravagant foliage, including vines. [95] The capitals contain acanthus leaves and grotesque heads peering out, [96] including figures at the Presentation at the Temple, Daniel in the Lions' Den [97] and the Mouth of Hell, [98] and several pilasters and columns. [94] The carvings seem preoccupied with the evils of hell. Those beside the mouth of hell contain representations of the devil and tormenting beasts, with, according to Young, "animal-like body parts and cloven hoofs [as they] herd naked sinners in chains to be thrown into an upturned monster's mouth". [99]
The Guilhem cloisters are inside the museum's upper level and are much smaller than originally built. [100] Its garden contains a central fountain [101] and plants potted in ornate containers, including a 15th-century glazed earthenware vase. The area is covered by a skylight and plate glass panels that conserve heat in the winter months. Rockefeller had initially wanted a high roof and clerestory windows, but was convinced by Joseph Breck, curator of decorative arts at the Metropolitan, to install a skylight. Breck wrote to Rockefeller that "by substituting a skylight for a solid ceiling . the sculpture is properly illuminated, since the light falls in a natural way the visitor has the sense of being in the open and his attention, consequently, is not attracted to the modern superstructure." [102]
Bonnefont Edit
The Bonnefont cloisters were assembled from several French monasteries, but mostly come from a late 12th-century Cistercian Abbaye de Bonnefont [fr] at Bonnefont-en-Comminges, southwest of Toulouse. [103] The abbey was intact until at least 1807, and by the 1850s all of its architectural features had been removed from the site, often for decoration of nearby buildings. [104] Barnard purchased the stonework in 1937. [105] Today the Bonnefont cloisters contain 21 double capitals, and surround a garden that contains many features typical of the medieval period, including a central wellhead, raised flower beds and lined with wattle fences. [106] The marbles are highly ornate and decorated, some with grotesque figures. [107] The inner garden has been set with a medlar tree of the type found in The Hunt of the Unicorn tapestries, and is centered around a wellhead placed at Bonnefont-en-Comminges in the 12th century. [108] The Bonnefont is on the upper level of the museum and gives a view of the Hudson River and the cliffs of the Palisades. [10]
Trie Edit
The Trie cloisters was compiled from two late 15th- to early 16th-century French structures. [110] Most of its components came from the Carmelite convent at Trie-sur-Baïse in south-western France, whose original abbey, except for the church, was destroyed by Huguenots in 1571. [111] Small narrow buttresses were added in New York during the 1950s by Breck. [81] The rectangular garden hosts around 80 species of plants and contains a tall limestone cascade fountain at its center. [112] Like those from Saint-Guilhem, the Trie cloisters have been given modern roofing. [113]
The convent at Trie-sur-Baïse featured some 80 white marble capitals [114] carved between 1484 and 1490. [110] Eighteen were moved to New York and contain numerous biblical scenes and incidents form the lives of saints. Several of the carvings are secular, including those of legendary figures such as Saint George and the Dragon, [114] the "wild man" confronting a grotesque monster, and a grotesque head wearing an unusual and fanciful hat. [114] The capitals are placed in chronological order, beginning with God in the act of creation at the northwest corner, Adam and Eve in the west gallery, followed by the Binding of Isaac, and Matthew and John writing their gospels. Capitals in the south gallery illustrate scenes from the life of Christ. [115]
Jardins Editar
The Cloisters' three gardens, the Judy Black Garden at the Cuxa Cloister on the main level, and the Bonnefont and Trie Cloisters gardens on the lower level, [116] were laid out and planted in 1938. They contain a variety of rare medieval species, [117] with a total of over 250 genera of plants, flowers, herbs and trees, making it one of the world's most important collections of specialized gardens. The garden's design was overseen by Rorimer during the museum's construction. He was aided by Margaret Freeman, who conducted extensive research into the keeping of plants and their symbolism in the Middle Ages. [118] Today the gardens are tended by a staff of horticulturalists the senior members are also historians of 13th- and 14th-century gardening techniques. [119]
Gothic chapel Edit
The Gothic chapel is set on the museum's ground level, and was built to display its stained glass and large sculpture collections. The entrance from the upper level Early Gothic Hall is lit by stained glass double-lancet windows, carved on both sides, and acquired from the church of La Tricherie, France. [120] The ground level is entered through a large door at its east wall. This entrance begins with a pointed Gothic arch leading to high bayed ceilings, ribbed vaults and buttress. [121] The three center windows are from the church of Sankt Leonhard, in southern Austria, from c. 1340. The glass panels include a depiction of Martin of Tours as well as complex medallion patterns. [121] The glass on the east wall comes from Evron Abbey, Normandy, and dates from around 1325. [122] The apse contains three large sculptures by the main windows two larger than life-size female saints dating from the 14th century, and a Burgundian Bishop dating from the 13th. [123] The large limestone sculpture of Saint Margaret on the wall by the stairs dates to around 1330 and is from the church of Santa Maria de Farfanya [ca] in Lleida, Catalonia. [121] Each of the six effigies are supreme examples of sepulchral art. [124] Three are from the Bellpuig Monastery [ca] in Catalonia. [124] The monument directly facing the main windows is the c. 1248–67 sarcophagus of Jean d'Alluye, a knight of the crusades, who was thought to have returned from the Holy Land with a relic of the True Cross. He is shown as a young man, his eyes open, and dressed in chain armor, with his longsword and shield. [123] The female effigy of a lady, found in Normandy, dates to the mid 13th century and is perhaps of Margaret of Gloucester. [125] Although resting on a modern base, [126] she is dressed in high contemporary aristocratic fashion, including a mantle, cotte, jewel-studded belt and an elaborate ring necklace brooch. [127]
Four of the effigies were made for the Urgell family, are set into the chapel walls, and are associated with the church of Santa Maria at Castello de Farfanya, redesigned in the Gothic style for Ermengol X (died c. 1314). [124] The elaborate sarcophagus of Ermengol VII, Count of Urgell (d. 1184) is placed on the left hand wall facing the chapel's south windows. It is supported by three stone lions, and a grouping of mourners carved into the slab, which also shows Christ in Majesty flanked by the Twelve Apostles. [128] The three other Urgell tombs also date to the mid 13th century, and maybe of Àlvar of Urgell and his second wife, Cecilia of Foix, the parents of Ermengol X, and that of a young boy, possibly Ermengol IX, the only one of their direct line ancestors known to have died in youth. [125] The slabs of the double tomb on the wall opposite Ermengol VII, contain the effigies of his parents, and have been slanted forward to offer a clear view of the stonework. The heads are placed on cushions, which are decorated with arms. The male's feet rest on a dog, while the cushion under the woman's head is held by an angel. [129]
Fuentidueña chapel Edit
The Fuentidueña chapel is the museum's largest room, [130] and is entered through a broad oak door flanked by sculptures that include leaping animals. Its centerpiece is the Fuentidueña Apse, a semicircular Romanesque recess built between about 1175 to 1200 at the Saint Joan church at Fuentidueña, Segovia. [131] By the 19th century, the church was long abandoned and in disrepair.
It was acquired by Rockefeller for the Cloisters in 1931, following three decades of complex negotiation and diplomacy between the Spanish church and both countries' art-historical hierarchies and governments. It was eventually exchanged in a deal that involved the transfer of six frescoes from San Baudelio de Berlanga to the Prado, on an equally long-term loan. [33] The structure was disassembled into almost 3,300 mostly sandstone and limestone blocks, each individually cataloged, and shipped to New York in 839 crates. [132]
It was rebuilt at the Cloisters in the late 1940s [133] It was such a large and complex reconstruction that it required the demolition of the former "Special Exhibition Room". The chapel was opened to the public in 1961, seven years after its installation had begun. [134]
The apse consists of a broad arch leading to a barrel vault, and culminates with a half-dome. [135] The capitals at the entrance contain representations of the Adoration of the Magi and Daniel in the lions' den. [136] The piers show Martin of Tours on the left and the angel Gabriel announcing to The Virgin on the right. The chapel includes other, mostly contemporary, medieval artwork. They include, in the dome, a large fresco dating to between 1130–50, from the Spanish Church of Sant Joan de Tredòs. The fresco's colorization resembles a Byzantine mosaic and is dedicated to the ideal of Mary as the mother of God. [137] Hanging within the apse is a crucifix made between about 1150 to 1200 for the Convent of St. Clara [es] in Astudillo, Spain. [138] Its reverse contains a depiction of the Agnus Dei (Lamb of God), decorated with red and blue foliage at its frames. [139] The exterior wall holds three small, narrow and stilted windows, [136] which are nevertheless designed to let in the maximum amount of light. The windows were originally set within imposing fortress walls according to the art historian Bonnie Young "these small windows and the massive, fortress-like walls contribute to the feeling of austerity . typical of Romanesque churches." [135]
Langon chapel Edit
The Langon chapel is on the museum's ground level. Its right wall was built around 1126 for the Romanesque Cathédrale Notre-Dame-du-Bourg de Digne. [140] The chapter house consists of a single aisle nave and transepts [141] taken from a small Benedictine parish church built around 1115 at Notre Dame de Pontaut. [142] When acquired, it was in disrepair, its upper level in use as a storage place for tobacco. About three-quarters of its original stonework was moved to New York. [141]
The chapel is entered from the Romanesque hall through a doorway, a large, elaborate French Gothic stone entrance commissioned by the Burgundian court [10] for Moutiers-Saint-Jean Abbey in Burgundy, France. Moutiers-Saint-Jean was sacked, burned, and rebuilt several times. In 1567, the Huguenot army removed the heads from the two kings, and in 1797 the abbey was sold as rubble for rebuilding. The site lay in ruin for decades and lost further sculptural elements until Barnard arranged for the entrances' transfer to New York. The doorway had been the main portal of the abbey, and was probably built as the south transept door.
Carvings on the elaborate white oolitic limestone doorway depict the Coronation of the Virgin and contains foliated capitals and statuettes on the outer piers including two kings positioned in the embrasures and various kneeling angels. Carvings of angels are placed in the archivolts above the kings. [143] The large figurative sculptures on either side of the doorway represent the early Frankish kings Clovis I (d. 511) and his son Chlothar I (d. 561). [144] [145] The piers are lined with elaborate and highly detailed rows of statuettes, which are mostly set in niches, [146] and are badly damaged most have been decapitated. The heads on the right hand capital were for a time believed to represent Henry II of England. [147] Seven capitals survive from the original church, with carvings of human figures or heads, some of which as have been identified as historical persons, including Eleanor of Aquitaine. [141]
Romanesque hall Edit
The Romanesque hall contains three large church doorways, with the main visitor entrance adjoining the Guilhem Cloister. The monumental arched Burgundian doorway is from Moutier-Saint-Jean de Réôme in France and dates to c. 1150. [10] Two animals are carved into the keystones both rest on their hind legs as if about to attack each other. The capitals are lined with carvings of both real and imagined animals and birds, as well as leaves and other fauna. [148] The two earlier doorways are from Reugny, Allier, and Poitou in central France. [4] The hall contains four large early-13th-century stone sculptures representing the Adoration of the Magi, frescoes of a lion and a wyvern, each from the Monastery of San Pedro de Arlanza in north-central Spain. [10] On the left of the room are portraits of kings and angels, also from the monastery at Moutier-Saint-Jean. [148] The hall contains three pairs of columns positioned over an entrance with molded archivolts. They were taken from the Augustinian church at Reugny. [149] The Reugny site was badly damaged during the French Wars of Religion and again during the French Revolution. Most of the structures had been sold to a local man, Piere-Yon Verniere, by 1850, and were acquired by Barnard in 1906. [94]
Treasury room Edit
The Treasury room was opened in 1988 to celebrate the museum's 50th anniversary. It largely consists of small luxury objects acquired by the Met after it had built its initial collection, and draws heavily on acquisitions from the collection of Joseph Brummer. [150] The rooms contains the museum's collection of illuminated manuscripts, the French 13th-century arm-shaped silver reliquary, [151] and a 15th-century deck of playing cards. [152]
Library and archives Edit
The Cloisters contains one of the Metropolitan's 13 libraries. Focusing on medieval art and architecture, it holds over 15,000 volumes of books and journals, the museum's archive administration papers, curatorial papers, dealer records and the personal papers of Barnard, as well as early glass lantern slides of museum materials, manuscript facsimiles, scholarly records, maps and recordings of musical performances at the museum. [153] The library functions primarily as a resource for museum staff, but is available by appointment to researchers, art dealers, academics and students. [154] The archives contain early sketches and blueprints made during the early design phase of the museum's construction, as well as historical photographic collections. These include photographs of medieval objects from the collection of George Joseph Demotte, and a series taken during and just after World War II showing damage sustained to monuments and artifacts, including tomb effigies. They are, according to curator Lauren Jackson-Beck, of "prime importance to the art historian who is concerned with the identification of both the original work and later areas of reconstruction". [155] Two important series of prints are kept on microfilm: the "Index photographique de l'art en France" and the German "Marburg Picture Index". [155]
The Cloisters is governed by the board of the Metropolitan Museum of Art. The Metropolitan's collections are owned by a private corporation of about 950 fellows and benefactors. The board of trustees comprise 41 elected members, several officials of the City of New York, and persons honored as trustees by the museum. The current chairman of the board is the businessman and art collector Daniel Brodsky, who was elected in 2011, [156] having previously served on its Real Estate Council in 1984 as a trustee of the museum and Vice Chairman of the Buildings Committee. [157]
A specialist museum, the Cloisters regularly acquires new works and rarely sells or otherwise gets rid of them. While the Metropolitan does not publish separate figures for the Cloisters, the entity as a whole spent $39 million on acquisitions for the fiscal year ending in June 2012. [158] The Cloisters seeks to balance its collection between religious and secular artifacts and artworks. With secular pieces, it typically favors those that indicate the range of artistic production in the medieval period, and according to art historian Timothy Husband, "reflect the fabric of daily [medieval European] life but also endure as works of art in their own right". [159] In 2011 it purchased the then-recently discovered The Falcon's Bath, a Southern Netherlands tapestry dated c. 1400–1415. It is of exceptional quality, and one of the best preserved surviving examples of its type. [160] Other recent acquisitions of significance include the 2015 purchase of a Book of Hours attributed to Simon Bening. [47]
The museum's architectural settings, atmosphere, and acoustics have made it a regular setting both for musical recitals and as a stage for medieval theater. Notable stagings include The Miracle of Theophilus in 1942, and John Gassner's adaption of The Second Shepherds' Play in 1954. [161] Recent significant exhibitions include "Small Wonders: Gothic Boxwood Miniatures" which ran in the summer of 2017 in conjunction with the Art Gallery of Ontario and Rijksmuseum, Amsterdam. [162]
6) Role of SS Panzer Divisions
Allied Sherman tanks crossing the newly-captured bridge at Nijmegen in the Netherlands during their advance as part of Operation Market Garden.
Before Operation Market Garden even started, Allied intelligence got reports that two well-equipped German SS Panzer (tank) divisions were in the area around Arnhem. But commanders of the operation, including Lt. Gen. Frederick 𠇋oy” Browning, decided the operation should go ahead anyway𠅊 risk that turned into a disaster for Allied troops at Arnhem.
The slow advance of the XXX Corps gave Germany time to strengthen its defenses, confront the advancing ground troops at Nijmegen, and subject the lone British battalion at Arnhem to a crippling onslaught, which they resisted fiercely before submitting on the fifth day of the battle. With the main objective of the operation lost, more than 3,000 British troops dug in at Oosterbeek until September 25, when they were forced to begin evacuating across the Rhine.
History of the Qilin
The qilin first appeared in the historical record with the Zuo Zhuan, or "Chronicle of Zuo," which describes events in China from 722 to 468 BCE. According to these records, the first Chinese writing system was transcribed around 3000 BCE from the markings on a qilin's back. A qilin is supposed to have heralded the birth of Confucius, c. 552 BCE. The founder of Korea's Goguryeo Kingdom, King Dongmyeong (r. 37-19 BCE), rode a qilin like a horse, according to legend.
Much later, during the Ming Dynasty (1368-1644), we have solid historical evidence of at least two qilin showing up in China in 1413. Actually, they were giraffes from the coast of Somalia the great admiral Zheng He brought them back to Beijing after his fourth voyage (1413-14). The giraffes were immediately proclaimed to be qilin. The Yongle Emperor was naturally extremely pleased to have the symbol of wise leadership show up during his reign, courtesy of the Treasure Fleet.
Although traditional depictions of the qilin had a much shorter neck than any giraffe's, the association between the two animals remains strong to this day. In both Korea and Japan, the term for "giraffe" is kirin, or qilin.
Across East Asia, the qilin is one of the four noble animals, along with the dragon, the phoenix, and the tortoise. Individual qilin are said to live for 2000 years and can bring babies to deserving parents much in the manner of storks in Europe.
The Unicorn Rests in a Garden - History
The Unicorn in the Garden
by James Thurber
reprinted from
Fables For Our Time
Once upon a sunny morning a man who sat in a breakfast nook looked up from his scrambled eggs to see a white unicorn with a golden horn quietly cropping the roses in the garden. The man went up to the bedroom where his wife was still asleep and woke her. "There's a unicorn in the garden," he said. "Eating roses." She opened one unfriendly eye and looked at him.
"The unicorn is a mythical beast," she said, and turned her back on him. The man walked slowly downstairs and out into the garden. The unicorn was still there now he was browsing among the tulips. "Here, unicorn," said the man, and he pulled up a lily and gave it to him. The unicorn ate it gravely. With a high heart, because there was a unicorn in his garden, the man went upstairs and roused his wife again. "The unicorn," he said,"ate a lily." His wife sat up in bed and looked at him coldly. "You are a booby," she said, "and I am going to have you put in the booby-hatch."
The man, who had never liked the words "booby" and "booby-hatch," and who liked them even less on a shining morning when there was a unicorn in the garden, thought for a moment. "We'll see about that," he said. He walked over to the door. "He has a golden horn in the middle of his forehead," he told her. Then he went back to the garden to watch the unicorn but the unicorn had gone away. The man sat down among the roses and went to sleep.
As soon as the husband had gone out of the house, the wife got up and dressed as fast as she could. She was very excited and there was a gloat in her eye. She telephoned the police and she telephoned a psychiatrist she told them to hurry to her house and bring a strait-jacket. When the police and the psychiatrist arrived they sat down in chairs and looked at her, with great interest.
"My husband," she said, "saw a unicorn this morning." The police looked at the psychiatrist and the psychiatrist looked at the police. "He told me it ate a lilly," she said. The psychiatrist looked at the police and the police looked at the psychiatrist. "He told me it had a golden horn in the middle of its forehead," she said. At a solemn signal from the psychiatrist, the police leaped from their chairs and seized the wife. They had a hard time subduing her, for she put up a terrific struggle, but they finally subdued her. Just as they got her into the strait-jacket, the husband came back into the house.
"Did you tell your wife you saw a unicorn?" asked the police. "Of course not," said the husband. "The unicorn is a mythical beast." "That's all I wanted to know," said the psychiatrist. "Take her away. I'm sorry, sir, but your wife is as crazy as a jaybird."
So they took her away, cursing and screaming, and shut her up in an institution. The husband lived happily ever after.
