Como funcionavam os clãs japoneses da Heian Era? (especialmente Taira x Minamoto)

Como funcionavam os clãs japoneses da Heian Era? (especialmente Taira x Minamoto)


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A Wikipedia me diz que certos filhos de imperadores foram rebaixados (removidos da linhagem real) e atribuídos a Taira, bem como aos "clãs" de Minamoto durante o período Heian.

Como isso funcionou?

  1. Havia uma justificativa especial para atribuir pessoas umas às outras?
  2. Os clãs deveriam ser a identidade social dominante para seus membros?
  3. Eles forneceram / requerem serviços especiais?
  4. Como o componente geracional (por exemplo, Saga vs. Seiwa Genji) influenciou a situação? Por exemplo, Saga e Seiwa Genji se identificaram como Minamoto e, portanto, eram mais propensos a cooperar entre si do que com outros clãs?

Guerra Gempei

Gion shôja no kane no koe, shogyô mujô no hibiki ari. Shara sôju no hana no iro, shôsha hissui no koto wari wo arawasu. Ogoreru hito mo hisashikarazu, tada haru no yoru no yume no gotoshi. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
O som dos sinos do templo Gion Shôja ecoa a impermanência de todas as coisas a cor das flores sala revela a verdade de que florescer é cair. Os orgulhosos não suportam afinal a poderosa queda, para não serem mais do que pó diante do vento.

  • Datas: 1180-1185
  • Combatentes: clã Minamoto (e aliados) vs. clã Taira (e aliados)
  • Resultado: vitória de Minamoto, clã Taira, em grande parte eliminada
  • japonês: 源 平 合 戦 (Genpei kassen)

A Guerra de Genpei, travada entre os clãs de samurai Minamoto e Taira em 1180-1185, marca o fim do governo por uma Corte Imperial dominada por Taira, e foi seguida logo depois pelo estabelecimento do xogunato Kamakura como tal, representa a queda de o Taira e a ascensão do Minamoto, o fim do período Heian e o início do período Kamakura, e a fronteira entre o período clássico do governo aristocrata / da corte e o período medieval do governo samurai.

A guerra leva o nome do on-yomi ou leituras de "estilo chinês" dos nomes dos dois clãs - Genji e Heike (ou Heishi), significando "Clã Minamoto" e "Casa Taira" (ou "clã Taira"), respectivamente.

Os eventos da guerra foram recontados de forma mais famosa no épico The Tale of the Heike, que foi transmitida como uma tradição oral por contadores de histórias músicos viajantes por um tempo antes de ser escrita pela primeira vez em 1371. Numerosas peças de Noh, Kabuki e de fantoches, bem como incontáveis ​​pinturas e outras criações culturais baseadas nessas histórias, que se tornaram uma lenda.


Conteúdo

Jōmon arte Editar

Os primeiros colonos do Japão foram o povo Jōmon (c. 10.500 - c. 300 AC), [3] nomeado para as marcas de cordão que decoravam as superfícies de seus vasos de barro, eram caçadores-coletores nômades que mais tarde praticaram a agricultura organizada e construíram cidades com populações de centenas, senão milhares. Eles construíram casas simples de madeira e palha colocadas em fossos de terra rasos para fornecer o calor do solo. Eles criaram vasos de armazenamento de cerâmica ricamente decorados, estatuetas de argila chamadas dogūe joias de cristal.

No início do período Jōmon Editar

Durante o início do período Jōmon (5000-2500 aC), [3] aldeias começaram a ser descobertas e objetos comuns do dia-a-dia foram encontrados, como potes de cerâmica feitos para ferver água. Os vasos encontrados nessa época tinham fundos planos e desenhos elaborados feitos de materiais como o bambu. Além disso, outra descoberta importante foram as primeiras estatuetas de Jōmon, que podem ter sido usadas como objetos de fertilidade devido aos seios e quadris inchados que exibiam. [3]

Período Jōmon médio Editar

O período Jōmon médio (2500-1500 aC), [3] contrastou com o período Jōmon inicial de várias maneiras. Essas pessoas se tornaram menos nômades e começaram a se estabelecer em aldeias. Eles criaram ferramentas úteis que eram capazes de processar os alimentos que coletavam e caçavam, o que tornava a vida mais fácil para eles. Através das inúmeras cerâmicas esteticamente agradáveis ​​que foram encontradas nesta época, é evidente que estas pessoas tinham uma economia estável e mais tempo livre para estabelecer belas peças. Além disso, os povos do período Jōmon Médio diferiam de seus ancestrais anteriores porque desenvolveram vasos de acordo com sua função, por exemplo, eles produziram potes para armazenar itens. [3] As decorações nesses vasos começaram a se tornar mais realistas, ao contrário das primeiras cerâmicas Jōmon. No geral, a produção de obras não só aumentou nesse período, mas esses indivíduos as tornaram mais decorativas e naturalistas. [3]

Período Jōmon tardio e final Editar

Durante o período Jōmon Tardio e Final (1500-300 AC), [3] o tempo começou a ficar mais frio, forçando-os a se afastar das montanhas. A principal fonte de alimento nessa época eram os peixes, o que os fez melhorar seus suprimentos e ferramentas de pesca. Esse avanço foi uma conquista muito importante durante esse tempo. Além disso, o número de vasos aumentou muito, o que poderia concluir que cada casa tinha sua própria estatueta exibida neles. Embora vários vasos tenham sido encontrados durante o Período Jōmon Tardio e Final, essas peças foram encontradas danificadas, o que pode indicar que elas eram usadas para rituais. Além disso, as estatuetas também foram encontradas e caracterizadas por seus corpos carnudos e olhos parecidos com óculos de proteção. [3]

Dogū ("figura de barro") são pequenas estatuetas humanóides e animais feitas durante a parte posterior do período Jōmon. [4] Eles foram feitos em todo o Japão, exceto Okinawa. [4] Alguns estudiosos teorizam a dogū agiam como efígies de pessoas, que manifestavam algum tipo de magia simpática. [5] Dogū são feitos de argila e são pequenos, geralmente de 10 a 30 cm de altura. [6] A maioria das estatuetas parecem ter modelos femininos e têm olhos grandes, cinturas pequenas e quadris largos. [4] Eles são considerados por muitos como representantes das deusas. Muitas têm abdomens grandes associados à gravidez, sugerindo que os Jomon as consideravam deusas-mães. [6]

Edição de arte Yayoi

A próxima onda de imigrantes foi o povo Yayoi, batizado em homenagem ao distrito de Tóquio onde os vestígios de seus primeiros assentamentos foram encontrados. Essas pessoas, chegando ao Japão por volta de 300 aC, [7] trouxeram seus conhecimentos sobre o cultivo de arroz em áreas úmidas, a fabricação de armas de cobre e sinos de bronze (dōtaku), e cerâmicas de roda, queimadas em forno.

Um sino dōtaku do período Yayoi, século III dC

Espelho de bronze escavado em Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto

Jarro carmaico do período Yayoi

Jarra de armazenamento Yayoi de 500 AC - 200 CE

Edição de arte Kofun

O terceiro estágio da pré-história japonesa, o período Kofun (c. 300 - 710 DC), [3] representa uma modificação da cultura Yayoi, atribuível tanto ao desenvolvimento interno quanto à força externa. Este período é mais notável por sua cultura de tumbas e outros artefatos, como espelhos de bronze e esculturas de argila chamadas haniwa que foram erguidos fora dessas tumbas. Ao longo do período Kofun, as características dessas tumbas evoluíram de tumbas menores erguidas no topo de colinas e cumes para tumbas muito maiores construídas em terreno plano. [8] A maior tumba do Japão, a tumba do Imperador Nintoku, abriga 46 túmulos e tem a forma de um buraco de fechadura, [9] uma característica distinta encontrada nas tumbas Kofun posteriores. [8]

Edição de arte de Asuka e Nara

Durante os períodos Asuka e Nara, assim chamados porque a sede do governo japonês estava localizada no Vale Asuka de 542 a 645 [3] e na cidade de Nara até 784, o primeiro influxo significativo da cultura continental asiática ocorreu no Japão.

A transmissão do budismo forneceu o ímpeto inicial para contatos entre a China e o Japão. Os japoneses reconheceram as facetas da cultura chinesa que poderiam ser proveitosamente incorporadas à sua: um sistema para converter ideias e sons em teorias de governo complexas da historiografia, como uma burocracia eficaz e, o mais importante para as artes, novas tecnologias, novos edifícios técnicas, métodos mais avançados de fundição em bronze e novas técnicas e meios de pintura.

Ao longo dos séculos 7 e 8, no entanto, o foco principal nos contatos entre o Japão e o continente asiático foi o desenvolvimento do budismo. Nem todos os estudiosos concordam com as datas significativas e os nomes apropriados a serem aplicados a vários períodos de tempo entre 552, a data oficial da introdução do budismo no Japão, e 784, quando a capital japonesa foi transferida de Nara. As designações mais comuns são o período Suiko, 552-645, o período Hakuhō, 645-710, e o período Tenpyō, 710-784.

Pagoda e Kondō em Hōryū-ji, século 8

As primeiras esculturas japonesas do Buda datam dos séculos VI e VII. [10] Em última análise, eles derivam da arte greco-budista de Gandhara dos séculos I ao III dC, caracterizada por padrões de vestimenta fluidos e renderizações realistas, [11] sobre os quais traços artísticos chineses foram sobrepostos. Depois que a arte budista chinesa de Wei do norte se infiltrou na península coreana, ícones budistas foram trazidos para o Japão por vários grupos de imigrantes. [12] Particularmente, a forma semi-sentada de Maitreya foi adaptada em um estilo de arte da Grécia Antiga altamente desenvolvido que foi transmitido ao Japão como evidenciado pelo Kōryū-ji Miroku Bosatsu e as estátuas Chūgū-ji Siddhartha. [13] Muitos historiadores retratam a Coréia como um mero transmissor do Budismo. [14] Os Três Reinos, e particularmente Baekje, foram instrumentais como agentes ativos na introdução e formação de uma tradição budista no Japão em 538 ou 552. [15] Eles ilustram o ponto final da transmissão da arte pela Rota da Seda durante o primeiro poucos séculos de nossa era. Outros exemplos podem ser encontrados no desenvolvimento da iconografia do Deus do Vento Fūjin japonês, [16] os guardiões Niō, [17] e os padrões florais quase clássicos nas decorações dos templos. [18]

As primeiras estruturas budistas ainda existentes no Japão e os edifícios de madeira mais antigos no Extremo Oriente são encontrados no Hōryū-ji, a sudoeste de Nara. Construído no início do século 7 como o templo privado do Príncipe Herdeiro Shōtoku, consiste em 41 edifícios independentes. Os mais importantes, o salão principal de adoração ou Kondō (Golden Hall), e Gojū-no-tō (Pagode de cinco andares), fique no centro de uma área aberta cercada por um claustro coberto. o Kondō, no estilo dos salões de adoração chineses, é uma estrutura de dois andares de construção com vigas e postes, culminada por um irimoya, ou telhado de duas águas de telhas de cerâmica.

Dentro de Kondō, em uma grande plataforma retangular, estão algumas das esculturas mais importantes da época. A imagem central é uma Trindade Shaka (623), o Buda histórico ladeado por dois bodhisattvas, escultura fundida em bronze pelo escultor Tori Busshi (floresceu no início do século 7) em homenagem ao recém-falecido Príncipe Shōtoku. Nos quatro cantos da plataforma estão os Reis Guardiões das Quatro Direções, esculpidos em madeira por volta de 650. Também instalado em Hōryū-ji está o Santuário Tamamushi, uma réplica de madeira de um Kondō, assentada sobre uma base alta de madeira decorada com pinturas figurais executadas em meio de pigmentos minerais misturados com laca.

A construção de templos no século 8 foi focada em torno do Tōdai-ji em Nara. Construído como a sede de uma rede de templos em cada uma das províncias, o Tōdaiji é o complexo religioso mais ambicioso erguido nos primeiros séculos de adoração budista no Japão. Apropriadamente, o Buda de 16,2 m (53 pés) (completou 752) consagrado no salão principal do Buda, ou Daibutsuden, é um Buda Rushana, a figura que representa a essência do estado de Buda, assim como o Tōdaiji representou o centro do budismo patrocinado pelo Império e sua disseminação por todo o Japão. Apenas alguns fragmentos da estátua original sobreviveram, e o salão atual e o Buda central são reconstruções do período Edo.

Aglomerados ao redor do Daibutsuden em uma encosta levemente inclinada estão vários corredores secundários: o Hokke-dō (Salão do Sutra de Lótus), com sua imagem principal, o Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, o bodhisattva mais popular), feito de laca seca (pano mergulhado em laca e moldado sobre uma armadura de madeira) o Kaidanin (戒壇 院, Sala de Ordenação) com suas magníficas estátuas de argila dos Quatro Reis Guardiões e o armazém, chamado de Shōsōin. Esta última estrutura é de grande importância como esconderijo da história da arte, pois nela estão armazenados os utensílios que foram usados ​​na cerimônia de dedicação do templo em 752, o ritual de abrir os olhos para a imagem de Rushana, bem como documentos governamentais e muitos seculares. objetos pertencentes à família imperial.

Choukin (ou chōkin), a arte de gravar ou esculpir em metal, acredita-se que tenha começado no período Nara. [19] [20]

Arte Heian Editar

Em 794, a capital do Japão foi oficialmente transferida para Heian-kyō (atual Kyoto), onde permaneceu até 1868. O termo Período Heian refere-se aos anos entre 794 e 1185, quando o shogunato Kamakura foi estabelecido no final da Guerra de Genpei. O período é dividido ainda no início de Heian e no final de Heian, ou era Fujiwara, a data principal sendo 894, o ano em que as embaixadas imperiais na China foram oficialmente descontinuadas.

Arte Heian primitiva: Em reação à crescente riqueza e poder do budismo organizado em Nara, o sacerdote Kūkai (mais conhecido por seu título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajou para a China para estudar Shingon, uma forma de budismo Vajrayana, que ele introduziu no Japão em 806. No cerne da adoração ao Shingon estão as mandalas, diagramas do universo espiritual, que então começaram a influenciar o projeto dos templos. A arquitetura budista japonesa também adotou a estupa, originalmente uma forma arquitetônica indiana, em seu pagode de estilo chinês.

Os templos erguidos para esta nova seita foram construídos nas montanhas, longe da Corte e dos leigos na capital. A topografia irregular desses locais forçou os arquitetos japoneses a repensar os problemas da construção de templos e, ao fazê-lo, a escolher elementos de design mais indígenas. Os telhados de casca de cipreste substituíram os de cerâmica, pranchas de madeira foram usadas em vez de pisos de barro e uma área de adoração separada para os leigos foi adicionada em frente ao santuário principal.

O templo que melhor reflete o espírito dos primeiros templos de Heian Shingon é o Murō-ji (início do século IX), situado no meio de um bosque de ciprestes em uma montanha a sudeste de Nara. A imagem de madeira (também do início do século IX) de Shakyamuni, o Buda "histórico", consagrada em um edifício secundário no Murō-ji, é típica da escultura Heian inicial, com seu corpo pesado coberto por dobras de cortinas grossas esculpidas no honpa-shiki (onda ondulante) e sua expressão facial austera e retraída.

Arte Fujiwara: No período Fujiwara, o Budismo da Terra Pura, que oferecia uma salvação fácil por meio da crença em Amida (o Buda do Paraíso Ocidental), tornou-se popular. Esse período leva o nome da família Fujiwara, então a mais poderosa do país, que governou como regentes pelo imperador, tornando-se, com efeito, ditadores civis. Ao mesmo tempo, a nobreza de Kyoto desenvolveu uma sociedade dedicada a elegantes buscas estéticas. Seu mundo era tão seguro e bonito que eles não podiam conceber o Paraíso como sendo muito diferente. Eles criaram uma nova forma de salão de Buda, o salão Amida, que mistura o secular com o religioso e abriga uma ou mais imagens de Buda em uma estrutura que lembra as mansões da nobreza.

o Hō-ō-dō (Phoenix Hall, concluído em 1053) do Byōdō-in, um templo em Uji a sudeste de Kyoto, é o exemplo dos corredores Fujiwara Amida. Consiste em uma estrutura retangular principal flanqueada por dois corredores em forma de L e um corredor de cauda, ​​situado na beira de um grande lago artificial. No interior, uma única imagem dourada de Amida (c. 1053) está instalada em uma plataforma alta. A escultura Amida foi executada por Jōchō, que usou um novo cânone de proporções e uma nova técnica (Yosegi), em que várias peças de madeira são esculpidas como conchas e unidas por dentro. Aplicadas às paredes do salão estão pequenas esculturas em relevo de celestiais, o anfitrião que se acredita ter acompanhado Amida quando ele desceu do Paraíso Ocidental para reunir as almas dos crentes no momento da morte e transportá-los em flores de lótus para o Paraíso. Raigō pinturas nas portas de madeira do Hō-ō-dō, representando a Descida do Buda Amida, são um dos primeiros exemplos de Yamato-e, pintura de estilo japonês, e contêm representações da paisagem ao redor de Kyoto.

E-maki: No último século do período Heian, o rolo de mão narrativa ilustrada horizontal, conhecido como e-maki (絵 巻, lit. "rolagem de imagem"), veio à tona. Datado de cerca de 1130, o Genji Monogatari Emaki, um famoso ilustrado Conto de Genji representa o mais antigo rolo de mão yamato-e sobrevivente e um dos pontos altos da pintura japonesa. Escrito sobre o ano 1000 por Murasaki Shikibu, uma dama de companhia da imperatriz Shōshi, o romance trata da vida e dos amores de Genji e do mundo da corte de Heian após sua morte. Os artistas do século 12 da e-maki versão concebeu um sistema de convenções pictóricas que transmitem visualmente o conteúdo emocional de cada cena. Na segunda metade do século, um estilo diferente e mais vivo de ilustração narrativa contínua tornou-se popular. o Ban Dainagon Ekotoba (final do século 12), um pergaminho que lida com uma intriga na corte, enfatiza as figuras em movimento ativo representadas em pinceladas executadas rapidamente e cores finas, mas vibrantes.

E-maki também servem como alguns dos primeiros e maiores exemplos do otoko-e ("fotos masculinas") e onna-e ("fotos femininas") estilos de pintura. Existem muitas diferenças sutis entre os dois estilos, apelando para as preferências estéticas dos gêneros. Mas talvez o mais facilmente perceptível sejam as diferenças de assunto. Onna-e, resumido pelo rolo de mão Conto de Genji, normalmente lida com a vida na corte, especialmente as damas da corte, e com temas românticos. Otoko-e freqüentemente registrou eventos históricos, particularmente batalhas. O Cerco ao Palácio Sanjō (1160), retratado na seção "Ataque noturno ao palácio Sanjō" do rolo de mão Heiji Monogatari é um exemplo famoso desse estilo.

Edição de arte Kamakura

Em 1180, uma guerra estourou entre os dois clãs guerreiros mais poderosos: os Taira e os Minamoto cinco anos depois, os Minamoto emergiram vitoriosos e estabeleceram uma sede de governo de fato na vila costeira de Kamakura, onde permaneceu até 1333. Com o mudança de poder da nobreza para a classe guerreira, as artes tiveram que satisfazer um novo público: homens dedicados às habilidades da guerra, sacerdotes empenhados em tornar o budismo disponível para plebeus analfabetos e conservadores, a nobreza e alguns membros do sacerdócio que lamentou o declínio do poder do tribunal. Assim, o realismo, uma tendência popularizadora e um renascimento clássico caracterizam a arte do período Kamakura. No período Kamakura, Kyoto e Nara permaneceram os centros de produção artística e alta cultura.

Escultura: A escola de escultores Kei, particularmente Unkei, criou um estilo de escultura novo e mais realista. As duas imagens do guardião Niō (1203) no Grande Portão Sul do Tōdai-ji em Nara ilustram o estilo supra-realista dinâmico de Unkei. As imagens, com cerca de 8 m de altura, foram esculpidas em vários blocos em um período de cerca de três meses, um feito indicativo de um sistema desenvolvido de estúdio de artesãos trabalhando sob a direção de um mestre escultor. As esculturas de madeira policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) de dois sábios indianos, Muchaku e Seshin, os lendários fundadores da seita Hossō, estão entre as obras realistas mais realizadas do período conforme renderizadas por Unkei, são notavelmente individualizadas e imagens críveis. Uma das obras mais famosas deste período é uma Tríade Amitabha (concluída em 1195), em Jōdo-ji em Ono, criada por Kaikei, o sucessor de Unkei.

Caligrafia e pintura: o Kegon Engi Emaki, a história ilustrada da fundação da seita Kegon, é um excelente exemplo da tendência popularizadora na pintura Kamakura. A seita Kegon, uma das mais importantes no período Nara, passou por tempos difíceis durante a ascensão das seitas da Terra Pura. Após a Guerra de Genpei (1180–1185), o sacerdote Myōe de Kōzan-ji procurou reviver a seita e também fornecer um refúgio para as mulheres viúvas pela guerra. As esposas de samurais foram desencorajadas a aprender mais do que um sistema silabário para transcrever sons e idéias (ver kana), e a maioria era incapaz de ler textos que empregassem ideogramas chineses (kanji).

Assim, o Kegon Engi Emaki combina trechos de texto, escritos com no máximo sílabas de fácil leitura, e ilustrações que apresentam o diálogo entre personagens escritos ao lado dos locutores, técnica comparável às histórias em quadrinhos contemporâneas. O enredo do e-maki, a vida dos dois sacerdotes coreanos que fundaram a seita Kegon, é rápida e repleta de feitos fantásticos, como uma viagem ao palácio do Rei do Oceano e uma história pungente de mãe. [ esclarecimento necessário ]

Uma obra em uma veia mais conservadora é a versão ilustrada do diário de Murasaki Shikibu. E-maki versões de seu romance continuaram a ser produzidas, mas a nobreza, sintonizada com o novo interesse pelo realismo, mas nostálgica pelos dias passados ​​de riqueza e poder, reviveu e ilustrou o diário para recuperar o esplendor da época da autora. Uma das passagens mais bonitas ilustra o episódio em que Murasaki Shikibu é divertidamente mantida prisioneira em seu quarto por dois jovens cortesãos, enquanto, do lado de fora, o luar brilha nas margens musgosas de um riacho no jardim imperial.

Edição de arte Muromachi

Durante o período Muromachi (1338-1573), também chamado de período Ashikaga, uma mudança profunda ocorreu na cultura japonesa. O clã Ashikaga assumiu o controle do shogunato e mudou seu quartel-general de volta para Kyoto, no distrito de Muromachi da cidade. Com a volta do governo à capital, as tendências popularizadoras do período Kamakura chegaram ao fim e a expressão cultural assumiu um caráter mais aristocrático e elitista. O Zen Budismo, a seita Ch'an tradicionalmente considerada fundada na China no século 6, foi introduzido pela segunda vez no Japão e se enraizou.

Quadro: Por causa de empreendimentos seculares e missões comerciais à China organizadas por templos Zen, muitas pinturas e objetos de arte chineses foram importados para o Japão e influenciaram profundamente os artistas japoneses que trabalhavam para templos Zen e o shogunato. Essas importações não apenas mudaram o assunto da pintura, mas também modificaram o uso da cor que as cores vivas de Yamato-e renderam aos monocromos da pintura à maneira chinesa, onde as pinturas geralmente têm apenas preto e branco ou tons diferentes de uma única cor.

Típico da pintura Muromachi antiga é a representação pelo padre-pintor Kao (ativo no início do século 15) do lendário monge Kensu (Hsien-tzu em chinês) no momento em que ele alcançou a iluminação. Este tipo de pintura foi executado com pinceladas rápidas e um mínimo de detalhes. Pegando um bagre com uma cabaça (início do século 15, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), pelo padre-pintor Josetsu (ativo por volta de 1400), marca uma virada na pintura de Muromachi. Executado originalmente para uma tela baixa, foi remontado como um rolo suspenso com inscrições de figuras contemporâneas acima, uma das quais refere-se à pintura como estando no "novo estilo". Em primeiro plano, um homem é representado na margem de um riacho segurando uma pequena cabaça e olhando para um grande bagre escorregadio. A névoa enche o terreno intermediário e as montanhas ao fundo parecem estar distantes. Em geral, presume-se que o "novo estilo" da pintura, executado por volta de 1413, se refere a um sentido mais chinês de espaço profundo dentro do plano do quadro.

Os principais artistas do período Muromachi são os pintores-sacerdotes Shūbun e Sesshū. Shūbun, um monge do templo de Kyoto de Shōkoku-ji, criado na pintura Lendo em um bosque de bambu (1446) uma paisagem realista com profunda recessão no espaço. Sesshū, ao contrário da maioria dos artistas do período, foi capaz de viajar para a China e estudar pintura chinesa em sua origem. Paisagem das Quatro Estações (Sansui Chokan c. 1486) é uma das obras mais realizadas de Sesshu, retratando uma paisagem contínua ao longo das quatro estações.

Edição de arte Azuchi-Momoyama

No período Azuchi – Momoyama (1573–1603), uma sucessão de líderes militares, como Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Tokugawa Ieyasu, tentou trazer paz e estabilidade política ao Japão após uma era de quase 100 anos de guerra. Oda, um chefe menor, adquiriu poder suficiente para assumir o controle de fato do governo em 1568 e, cinco anos depois, derrubar o último shōgun Ashikaga. Hideyoshi assumiu o comando após a morte de Oda, mas seus planos para estabelecer o governo hereditário foram frustrados por Ieyasu, que estabeleceu o shogunato Tokugawa em 1603.

Quadro: A escola de pintura mais importante do período Momoyama foi a da escola Kanō, e a maior inovação do período foi a fórmula, desenvolvida por Kanō Eitoku, para a criação de paisagens monumentais nas portas de correr que encerram uma sala. A decoração da sala principal voltada para o jardim do Jukō-in, um subtemplo de Daitoku-ji (um templo Zen em Kyoto), é talvez o melhor exemplo existente do trabalho de Eitoku. Um maciço ume árvore e pinheiros gêmeos são representados em pares de telas deslizantes em cantos diagonalmente opostos, seus troncos repetindo as verticais dos postes de canto e seus galhos estendendo-se para a esquerda e para a direita, unificando os painéis adjacentes. Tela de Eitoku, Leões chineses, também em Kyoto, revela o estilo de pintura ousado e de cores vivas preferido pelo samurai.

Hasegawa Tōhaku, um contemporâneo de Eitoku, desenvolveu um estilo um tanto diferente e mais decorativo para pinturas em tela de grande escala. No dele Maple Screen (楓 図), agora no templo de Chishaku-in (ja: 智 積 院), em Kyoto, ele colocou o tronco da árvore no centro e estendeu os galhos quase até a borda da composição, criando uma aparência mais plana e menos arquitetônica trabalho do que Eitoku, mas uma pintura visualmente linda. Sua tela sêxtupla, Pinhal (松林 図), é uma representação magistral em tinta monocromática de um bosque de árvores envolto em névoa.

Arte do período Edo Editar

O xogunato Tokugawa ganhou o controle indiscutível do governo em 1603 com o compromisso de trazer paz e estabilidade econômica e política ao país em grande medida, foi bem-sucedido. O xogunato sobreviveu até 1867, quando foi forçado a capitular por não conseguir lidar com a pressão das nações ocidentais para abrir o país ao comércio exterior. Um dos temas dominantes no período Edo foram as políticas repressivas do xogunato e as tentativas dos artistas de escapar dessas restrições. A principal delas foi o fechamento do país aos estrangeiros e aos apetrechos de suas culturas, e a imposição de rígidos códigos de comportamento que afetaram todos os aspectos da vida, as roupas que se vestia, a pessoa com quem se casou e as atividades que se poderia ou deveria não perseguir.

Nos primeiros anos do período Edo, no entanto, o impacto total das políticas de Tokugawa ainda não havia sido sentido, e algumas das melhores expressões do Japão em arquitetura e pintura foram produzidas: o Palácio de Katsura em Kyoto e as pinturas de Tawaraya Sōtatsu, pioneiro do Escola Rinpa.

Impressão em xilogravura: As gravuras em xilogravura foram originalmente usadas para traduzir as escrituras budistas no século VIII no Japão. A xilogravura consiste na gravação de imagens ou quadros em um pedaço de madeira, que é então pressionado contra um pedaço de papel. No século VIII, a xilogravura era considerada um método conveniente de reprodução de texto impresso, até que outras inovações permitiram que a cor fosse traduzida em papel ou mais conhecida como impressões Nishik-e. A impressão em blocos de madeira foi o método comum de impressão do século XI ao século XIX. As impressões Nishiki-e produziam bens como calendários que eram comumente vendidos a membros ricos da sociedade durante o período Edo. No período Edo, essas gravuras representavam eventos e cenas de atores proeminentes. Ukiyo foi então associado à impressão em xilogravura no início do período Edo. Essas pinturas Ukiyo retratavam a vida cotidiana de membros proeminentes da sociedade. Ukiyo começou como pergaminhos esculpidos à mão que representavam a vida de um plebeu normal.

Arquitetura: O Katsura Detached Palace, construído em uma imitação do palácio de Genji, contém um conjunto de edifícios shoin que combinam elementos da arquitetura japonesa clássica com reformulações inovadoras. Todo o complexo está rodeado por um belo jardim com caminhos para caminhadas. Muitos dos poderosos daimyōs (senhores feudais) construíram um jardim japonês estilo Circuito no território do país, e competiram pela beleza.

Quadro: Sōtatsu desenvolveu um estilo decorativo soberbo ao recriar temas da literatura clássica, usando figuras e motivos brilhantemente coloridos do mundo natural contra fundos folheados a ouro. Um de seus melhores trabalhos é o par de telas As ondas em Matsushima na Freer Gallery em Washington, D.C. Um século depois, Kōrin retrabalhou o estilo de Sōtatsu e criou obras visualmente lindas exclusivamente suas. Talvez seus melhores sejam as pinturas de tela de Flores de ameixa vermelha e branca.

Escultura: O monge budista Enkū esculpiu 120.000 imagens budistas em um estilo rústico e individual.

Ukiyo-e e nanga (bunjinga): A escola de arte mais conhecida no Ocidente é a das pinturas ukiyo-e e xilogravuras do demimonde, o mundo do teatro kabuki e os bairros de prazer. As gravuras Ukiyo-e começaram a ser produzidas no final do século 17 em 1765 Harunobu produziu a primeira impressão policromada. Designers de impressão da próxima geração, incluindo Torii Kiyonaga e Utamaro, criaram representações elegantes e às vezes perspicazes de cortesãs.

No século 19, as figuras dominantes foram Hokusai e Hiroshige, este último um criador de gravuras de paisagens românticas e um tanto sentimentais. Os ângulos e formas estranhos pelos quais Hiroshige frequentemente via a paisagem, e o trabalho de Kiyonaga e Utamaro, com sua ênfase em planos planos e contornos lineares fortes, tiveram um impacto profundo em artistas ocidentais como Edgar Degas e Vincent van Gogh. Por meio de obras de arte realizadas em museus ocidentais, esses mesmos gravadores mais tarde exerceriam uma influência poderosa nas imagens e nas abordagens estéticas usadas pelos primeiros poetas modernistas, como Ezra Pound, Richard Aldington e H.D. [21]

Uma escola de pintura contemporânea com ukiyo-e foi nanga, ou bunjinga, um estilo baseado em pinturas executadas por eruditos pintores chineses. Assim como os artistas ukiyo-e escolheram representar figuras da vida fora das restrições do xogunato Tokugawa, os artistas bunjin se voltaram para a cultura chinesa. Os exemplos desse estilo são Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden e Yamamoto Baiitsu (ja: 山 本 梅 逸).

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro e Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Edição de pintura

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for cloisons (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama e Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke e kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Encyclopædia Britannica wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ citação necessária ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), e ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in Yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi) Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


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