É esta a Capela Sistina da Arte Pré-histórica?

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De todas as construções, gravuras, pinturas e locais originais que vimos, nenhum era mais remoto ou difícil de alcançar, ou de retornar, do que a Caverna do Bumerangue Dourado. Nem Evan ou eu conseguimos fixar qualquer ponto de referência ou cume para nos desviarmos, estávamos totalmente perdidos e sob a direção de nossos guias.

Eles nos garantiram de antemão que este posto avançado isolado de arte rupestre original era tão único quanto magnífico, e em ambos os aspectos esta galeria não decepcionou. Mas, mesmo assim, não estávamos preparados para o escopo, arte e atenção aos detalhes em exibição. Até entrarmos nesta região e avistarmos este painel de pedra de figuras em movimento e devoção, aceitamos a afirmação do estudioso em identificar estilos Originais regionais específicos, e que todas as formas de expressão artística Original cobrem uma ampla gama, mas ficam aquém quando se trata de às representações do corpo humano.

O exemplo mais próximo e supostamente único de qualquer arte pré-Cook que beira o representacional é referido como "Arte de Bradshaw", e as explicações são variadas com algumas condescendentes ao extremo. Alguns comentaristas, incluindo o autoproclamado "especialista" em arte rupestre de Kimberley, Graham Walsh, estão convencidos de que esta forma de arte antiga é muito sofisticada e refinada para a paleta original rudimentar. Dado esse "fato", Walsh e outros presumiram que as pinturas ocre de Bradshaw foram criadas por pessoas não Originais que navegaram para a Austrália, pintaram em cavernas e partiram sem deixar vestígios ou qualquer evidência histórica substancial.

A Caverna do Bumerangue Dourado

Milhares de quilômetros ao sul de Kimberleys, esta galeria se estende por mais de 20 metros e tem mais de 4 metros de altura. Existem seis figuras / ícones gravados e pintados na parede de arenito: duas mulheres (uma em pé e a outra flutuando ou voando), um homem desarmado, um bebê, um bumerangue e um Tigre da Tasmânia (tilacino). É amplamente afirmado que o tigre da Tasmânia foi extinto no continente australiano por pelo menos 5.000 anos e, como tal, fornece uma data mínima confiável.

Cada figura humana é maior do que o tamanho natural (aproximadamente um e meio) e diretamente proporcional. Tamanha é a atenção aos detalhes que milhares de anos após a criação ainda é possível identificar a bandagem no braço dos machos criando uma leve depressão na carne, o arco no pé da mulher flutuando, a representação de cada dedo, uma forma muito inusitada estilo de cabelo com dreads, curvatura dos quadris, panturrilha e nádegas, etc. O artista não mediu esforços para reproduzir as mesmas proporções, linhas e forma do corpo humano. É plausível afirmar, mas impossível provar, que, se modelos reais fossem usados, essa versão em grupo seria exata ao milímetro. Nenhuma das figuras de Bradshaw é tão proporcional ou grande e, em comparação, são figuras de palito alongadas com uma sugestão de forma corporal.

Traços residuais de ocre, quase todos da categoria mais sagrada, o vermelho, podem ser encontrados em todo o painel. As duas áreas mais proeminentes de coloração vermelha estão dentro do bumerangue, que é o mais espesso, e a seção externa dos dois círculos na cintura da mulher em pé. O que foi interessante foi o resultado da aplicação de Evan de diferentes filtros de cores à fotografia desses círculos, até então ninguém tinha visto os estênceis dentro de cada círculo vermelho ocre. Se aplicado ao mesmo tempo, ou depois, é discutível, mas o fato de nenhum de nós no dia ter visto as impressões das mãos, seja no local ou ao ver as imagens fotográficas normais, apenas reforça a natureza incrivelmente secreta e sagrada desta catedral.

A narrativa que acompanha esta galeria não é menos profunda ou sagrada do que a associada às pinturas do teto da Capela Sistina, e não menos do que uma dúzia de vezes mais antiga. Há um tom feminino pronunciado com duas mulheres, um bebê recém-nascido e um homem desarmado estendendo a mão, mas sem tocar, o símbolo que representa a iluminação. O uso liberal de faixas, cintos e faixas diagonais aumenta a sacralidade desta ocasião. No seu auge, com mais de 5.000 anos e totalmente pintada, acreditamos firmemente que esta galeria de arte rupestre era incomparável em sua arte e percepções místicas, não apenas na Austrália, mas em todo o planeta.

Um padrão repetido

Sempre foi nossa afirmação que os seres humanos totalmente modernos evoluíram pela primeira vez na Austrália, depois navegaram deste continente para compartilhar sua sabedoria, tecnologia, cultura e genes com pessoas em todo o mundo. Entre seus muitos talentos, eles foram os primeiros artistas e dominaram todos os estilos e meios, do abstrato, simbólico, hachurado, pontilhado e exagerado, até o representacional. A Caverna do Bumerangue Dourado meramente ilustra quão diversos e incrivelmente talentosos eram os artistas originais, e quão pouco da verdadeira história original é a moeda de nossos dias.

Por Steven e Evan Strong


Cerca de

Quase trinta anos atrás, Michael Stehr chegou à Universidade de Stanford, preparado para seguir estudos em Ciências Políticas que o levariam a uma carreira em direito ou administração. Quatro anos depois, Michael deixou a faculdade com uma especialização adicional em História da Arte, planos de fazer uma peregrinação de história da arte à Europa e uma florescente empresa de pintura de casas que mais tarde se desenvolveria em Arte da Capela Sistina e História da Arte como existe hoje.

Com o nome da obra de arte mais requintada do mundo ocidental, a Arte da Capela Sistina e História da Arte espera comunicar o espírito do teto da Sistina de Michelangelo - uma força inspiradora de beleza, criatividade e inovação humana - por meio das próprias belas artes de Michael, decorativas pintura e passeios e palestras de história da arte. Descobrir o poder dessa energia criativa na faculdade alterou para sempre o curso da vida de Michael, e ele espera poder espelhar o impacto que tal descoberta teve sobre ele para outras pessoas por meio de seu trabalho.

Michael dedica a maior parte de seu tempo à sua arte decorativa. Esses acabamentos de pintura interna personalizados incluem murais, efeitos de cores em camadas, acabamentos de parede, estuques coloridos, folheado a ouro e grãos de madeira pintados à mão. Amostras dos acabamentos decorativos de Michael podem ser encontradas sob o Arte decorativa guia acima.

No final de cada ano, Michael exibe suas belas artes em uma exposição de galeria no Piemonte. Suas pinturas apresentam principalmente os dois lugares em que Michael se sente mais em casa: a área da baía e sua distante casa na Itália. Michael também gosta de retratos e pinturas de figuras, e recentemente começou a pintar animais depois de criar uma (estudo? Pequena pintura?) Do cachorro da família como um presente de Natal para sua filha. Amostras das belas obras de arte de Michael podem ser encontradas no Belas Artes guia acima.

Quando Michael não está criando arte, você provavelmente pode encontrá-lo estudando - debruçado sobre uma pilha precária de fichas ou folheando um dos muitos livros de história da arte que ficam em cima da mesa de centro da família. Michael deu palestras em muitos locais proeminentes, incluindo o Commonwealth Club, a Stanford University e vários clubes particulares e bibliotecas notáveis ​​em toda a área da Baía de São Francisco. Ele também deu palestras e exibiu suas belas obras de arte em Roma. Michael também lidera tours anuais de história da arte em Roma e Paris, aventuras marcadas pela incrível paixão de Michael pelos artistas e seu trabalho que ele canaliza para a criação de uma experiência de aprendizagem exclusivamente personalizada e altamente envolvente. Saiba mais sobre os tours de arte de Michael sob o Passeios de arte guia acima, e veja próximos eventos para obter uma lista das próximas palestras de Michael.


Conteúdo

A pintura original do teto era de Pier Matteo d'Amelia, e mostrava estrelas sobre um fundo azul [5], como o teto da Capela Arena decorada por Giotto em Pádua. [6] Por seis meses em 1504, uma rachadura diagonal na abóbada da Capela Sistina tornou a capela inutilizável, e o Papa Júlio II (Giuliano della Rovere) teve a pintura danificada removida. [5]

O papa Júlio II foi um "papa guerreiro" [7] que em seu papado empreendeu uma campanha agressiva pelo controle político para unir e fortalecer a Itália sob a liderança da Igreja. Ele investiu no simbolismo para exibir seu poder temporal, como sua procissão (à maneira clássica), na qual conduziu uma carruagem através de um arco triunfal após uma de suas muitas vitórias militares. Foi Júlio quem iniciou a reconstrução da Basílica de São Pedro em 1506, como o símbolo mais potente da fonte do poder papal. [8]

Michelangelo deixou o Batalha de Cascina inacabado quando o Papa Júlio II o convocou a Roma na primavera de 1505 e o encarregou de fazer seu túmulo na Basílica de São Pedro. [11] [12] [13] Michelangelo e o Papa Júlio tinham temperamentos exaltados e logo discutiram. [12] [13] Como escreveu Walter Pater, "Michelangelo estava agora com trinta anos e sua reputação estava estabelecida. Três grandes obras ocupam o resto de sua vida - três obras frequentemente interrompidas, continuadas por mil hesitações, mil decepções , briga com seus patronos, briga com sua família, briga talvez mais que tudo consigo mesmo - a Capela Sistina, o Mausoléu de Júlio II e a Sacristia de San Lorenzo ". [14] Em 17 de abril de 1506 Michelangelo deixou Roma em segredo para Florença, permanecendo lá até que o governo florentino o pressionou a retornar ao Papa. [13] Em novembro de 1506, ele foi para Bolonha e construiu uma estátua colossal de bronze do Papa conquistando os bolonheses. [13] (Os bolonheses destruíram o bronze em 1511.) [13] O projeto da tumba papal foi discretamente posto de lado, [9] para ser revigorado pela família Della Rovere após sua morte. [12] [13]

Em 1506 Júlio II começou a reconstruir a Basílica de São Pedro, o que chamou sua atenção e em fevereiro de 1513, quando ele morreu, pouco trabalho havia sido feito em seu túmulo. [15] [11] [12] Foi uma grande encomenda, com 40 grandes figuras a serem esculpidas. [12] Seu design original nunca foi iniciado. [13] Em última análise, Michelangelo terminou apenas três figuras para o monumento concluído de 1545, reduzido sucessivamente a uma série de projetos mais modestos e finalmente construído na Igreja de San Pietro em vincoli, incluindo a estátua c.1515 de Moisés. [15] [12] [11] Dois Escravos, a Escravo barbudo e a Jovem escravo, c.1513, estão no Louvre. [15] [11] [12] A encomenda da tumba durou décadas, e Michelangelo lamentou: "Eu desperdicei toda a minha juventude acorrentada a esta tumba." [15] [11] Ascanio Condivi descreveu o caso como a "Tragédia da Tumba". [13]

Em 1506, o Papa Júlio concebeu um programa para pintar o teto da Capela Sistina. [16] [ página necessária ] As paredes da capela foram decoradas 20 anos antes. O mais baixo dos três níveis é pintado para se parecer com cortinas drapeadas e foi (e às vezes ainda é) pendurado em ocasiões especiais com um conjunto de tapeçarias projetadas por Raphael. O nível do meio contém um esquema complexo de afrescos que ilustram o Vida de cristo no lado direito e o Vida de Moisés no lado esquerdo. Foi executado por alguns dos mais renomados pintores renascentistas: Botticelli, Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio, Signorelli e Cosimo Rosselli. [17] O nível superior das paredes contém as janelas, entre as quais estão pintados pares de nichos ilusionistas com representações dos primeiros 32 papas. [18] É provável que, porque a capela era o local de reuniões regulares e missas de um corpo de oficiais de elite conhecido como Capela Papal (que observava as decorações e interpretava seu significado teológico e temporal), era o Papa Júlio intenção e expectativa de que a iconografia do teto fosse lida com muitas camadas de significado. [19]

O esquema proposto pelo papa era que doze grandes figuras dos apóstolos ocupassem os pendentes. [20] [21] No entanto, Michelangelo negociou por um esquema muito mais grandioso e complexo e foi finalmente autorizado, em suas próprias palavras, "a fazer o que quisesse". [22] [a] Foi sugerido que o frade e cardeal agostiniano, Giles de Viterbo, foi um consultor para o aspecto teológico da obra. [23] [ página necessária Muitos escritores consideram que Michelangelo tinha o intelecto, o conhecimento bíblico e os poderes de invenção para ter elaborado o esquema sozinho. Isso é corroborado pela declaração de Ascanio Condivi de que Michelangelo leu e releu o Antigo Testamento enquanto pintava o teto, inspirando-se nas palavras da escritura, e não nas tradições estabelecidas da arte sacra. [24]

Na primavera de 1508, Michelangelo voltou a Roma para trabalhar em um ciclo de afrescos na abóbada e nas paredes superiores da Capela Sistina. [12] [13] Michelangelo, que não era basicamente um pintor, mas um escultor, estava relutante em aceitar o trabalho que sugeriu que seu jovem rival Rafael o assumisse em seu lugar. [25] [26] O papa foi inflexível, deixando Michelangelo sem escolha a não ser aceitar. [27] [ página necessária ] O contrato foi assinado em 8 de maio de 1508, com uma taxa prometida de 3.000 ducados. [28] Michelangelo inicialmente procurou contratar assistentes para acelerar o trabalho oneroso e indesejável o mais rápido possível, mas ele não foi capaz de encontrar candidatos adequados e pintou quase todo o teto sozinho. [13] Entre os artistas florentinos que Michelangelo trouxe a Roma na esperança de ajudar no afresco, Giorgio Vasari chamou Francesco Granacci, Giuliano Bugiardini, Jacopo di Sandro, l'Indaco o Velho, Agnolo di Domenico e Aristotile. [29]

Michelangelo começou a trabalhar na primavera de 1508, começando na extremidade oeste com o Embriaguez de Noah e a Profeta Zacarias e retrocedendo através da narrativa para o Criação de Eva, no quinto vão da abóbada e terminado em setembro de 1510. [13] A primeira metade do teto foi inaugurada oficialmente em 15 de agosto de 1511, um longo hiato na pintura ocorreu quando o novo andaime foi feito. [13] Posteriormente, a segunda metade dos afrescos do teto foi feita rapidamente, e após uma exibição preliminar e missa papal em 14 de agosto de 1511, [16] [27] a obra concluída foi revelada em 31 de outubro de 1512, véspera de Todos os Santos, [ 13] [12] sendo mostrado ao público no dia seguinte, Dia de Todos os Santos. O esquema final de Michelangelo para o teto incluía cerca de trezentas figuras. [ citação necessária ]

Após a revelação do teto acabado da Capela Sistina aos 37 anos, a reputação de Michelangelo cresceu tanto que foi chamado de Michelangelo il divino. [12] [13] A partir de então, Michelangelo foi reconhecido como o maior artista de seu tempo, que elevou o status das próprias artes, um reconhecimento que durou o resto de sua longa vida, e seu teto Sistino sempre contou depois disso entre as "supremas obras-primas da arte pictórica". [11] [13] [15]

Os afrescos de Michelangelo formam a história de fundo para os ciclos narrativos do século 15 das vidas de Moisés e Cristo por Perugio e Botticelli nas paredes da capela. [11] [15] Enquanto as cenas centrais principais retratam incidentes na Livro do Gênesis, muito debate existe sobre a interpretação exata de multidões de figuras. [15] [11] O teto da Capela Sistina é uma abóbada de canhão rasa com cerca de 35 m (118 pés) de comprimento e cerca de 14 m (46 pés) de largura. [13] As janelas da capela cortam a curva da abóbada, produzindo uma fileira de lunetas alternando com tímpanos. [13]

Embora Michelangelo alegasse que eventualmente tinha mão livre no esquema artístico, essa afirmação também foi feita por Lorenzo Ghiberti sobre suas portas monumentais de bronze para o Batistério de Florença, para o qual Ghiberti foi restringido por estipulações sobre como as cenas do Antigo Testamento deveriam aparecer e foi capaz de decidir apenas as formas e o número dos campos da imagem. É provável que Michelangelo fosse livre para escolher as formas e a apresentação do projeto, mas os próprios assuntos e temas foram decididos pelo patrono. [20]

O campo central, quase plano, do teto é delineado por uma cornija arquitetônica fictícia e dividido em quatro grandes retângulos e cinco menores por cinco pares de nervuras pintadas que cortam lateralmente o campo retangular central. Esses retângulos, que aparecem abertos para o céu, Michelangelo pintou com cenas do Antigo Testamento. [13]

A narrativa começa no extremo leste da Capela, com a primeira cena acima do altar, foco das cerimônias eucarísticas realizadas pelo clero. O pequeno campo retangular diretamente acima do altar retrata o Ato Primordial de Criação. O último dos nove campos centrais, na extremidade oeste, mostra o Embriaguez de Noah abaixo desta cena está a porta usada pelos leigos. [13] Mais distante do altar, o Embriaguez de Noah representa a natureza pecaminosa do homem. [13]

Acima da cornija, nos quatro cantos de cada um dos cinco campos centrais menores, estão jovens homens nus, chamados Ignudi, cujo significado preciso é desconhecido. [13] [15] [11] Perto das cenas sagradas no registro superior e ao contrário das figuras do registro inferior mostradas em perspectiva, elas não são reduzidas. [13] Eles provavelmente representam a visão dos neoplatônicos florentinos da forma platônica ideal da humanidade, sem a marca do pecado original, a que todas as figuras inferiores estão sujeitas. [13] Kenneth Clark escreveu que "sua beleza física é uma imagem da perfeição divina, seus movimentos alertas e vigorosos são uma expressão da energia divina". [31]

Abaixo da cornija pintada ao redor da área retangular central está um registro inferior representando uma continuação das paredes da capela como uma estrutura arquitetônica trompe-l'oeil contra a qual as figuras pressionam, com modelagem poderosa. [13] As figuras são drasticamente encurtadas e em maior escala do que as figuras nas cenas centrais, "criando uma sensação de desequilíbrio espacial". [13]

O teto nos quatro cantos da capela forma um spandrel duplo pintado com cenas salvíficas do Antigo Testamento: A serpente de bronze, A crucificação de Haman, Judith e Holofernes, e David e Golias. [13]

Cada um dos arcos das janelas da capela corta a abóbada curva, criando acima de cada uma uma área triangular de abóbada. O arco de cada janela é separado da próxima por esses spandrels triangulares, em cada um dos quais estão entronizados Profetas alternando com o Sibilas. [13] [15] [11] Essas figuras, sete profetas do Antigo Testamento e cinco das sibilas greco-romanas, eram notáveis ​​na tradição cristã por suas profecias sobre o Messias ou a Natividade de Jesus. [13] As lunetas acima das janelas são pintadas com cenas do "puramente humano" Antepassados ​​de cristo, assim como os espaços de cada lado de cada janela. Sua posição é tanto a mais baixa quanto a mais escura da abóbada, em contraste com a arejada abóbada superior. [13]

Edição de interpretação

O assunto evidente do teto é a doutrina cristã da necessidade da humanidade de Salvação conforme oferecida por Deus por meio de Jesus. É uma metáfora visual da necessidade da humanidade de uma aliança com Deus. A Antiga Aliança dos Filhos de Israel por meio de Moisés e a Nova Aliança por meio de Cristo já haviam sido representadas ao redor das paredes da capela. [3] Alguns especialistas, incluindo Benjamin Blech e o historiador de arte do Vaticano Enrico Bruschini, também notaram assuntos menos abertos, que eles descrevem como sendo "ocultos" e "proibidos". [32] [ página necessária ] [33] [ página necessária ]

Nas áreas em forma de meia-lua, ou lunetas, acima de cada uma das janelas da capela, há placas listando os ancestrais de Cristo e as figuras que as acompanham. Acima deles, nos spandrels triangulares, mais oito grupos de figuras são mostrados, mas estes não foram identificados com caracteres bíblicos específicos. O esquema é completado por quatro grandes pendentes de canto, cada um ilustrando uma dramática história bíblica. [34]

Os elementos narrativos do teto ilustram que Deus fez o mundo como uma criação perfeita e colocou a humanidade nele, que a humanidade caiu em desgraça e foi punida com a morte e a separação de Deus. A humanidade então afundou ainda mais no pecado e na desgraça, e foi punida pelo Grande Dilúvio. Através de uma linhagem de ancestrais - de Abraão a José - Deus enviou o salvador da humanidade, Jesus Cristo. A vinda do Salvador foi profetizada pelos Profetas de Israel e Sibilas do mundo clássico. Os vários componentes do teto estão ligados a esta doutrina cristã. [34] Tradicionalmente, o Antigo Testamento foi percebido como uma prefiguração do Novo Testamento. Muitos incidentes e personagens do Antigo Testamento eram comumente entendidos como tendo um vínculo simbólico direto com algum aspecto particular da vida de Jesus ou com um elemento importante da doutrina cristã ou com um sacramento como o Batismo ou a Eucaristia. Jonas, por exemplo, reconhecível por seu atributo de um grande peixe, era comumente visto como símbolo da morte e ressurreição de Jesus. [4] [ página necessária ]

Muito do simbolismo do teto data da igreja primitiva, mas o teto também possui elementos que expressam o pensamento especificamente renascentista que buscou reconciliar a teologia cristã com a filosofia do humanismo renascentista. [35] Durante o século 15 na Itália, e em Florença em particular, houve um grande interesse na literatura clássica e nas filosofias de Platão, Aristóteles e outros escritores clássicos. Michelangelo, quando jovem, passou um tempo na Academia Platônica estabelecida pela família Medici em Florença. Ele estava familiarizado com as primeiras obras escultóricas de inspiração humanista, como o bronze de Donatello David e ele mesmo respondeu esculpindo o enorme mármore nu David, que foi colocado na Piazza della Signoria perto do Palazzo Vecchio, a casa do conselho de Florença. [36] A visão humanista da humanidade era aquela em que as pessoas respondiam às outras pessoas, à responsabilidade social, e a Deus de forma direta, não por meio de intermediários, como a Igreja. [37] Isso entrou em conflito com a ênfase da Igreja. Enquanto a Igreja enfatizou a humanidade como essencialmente pecaminosa e imperfeita, o Humanismo enfatizou a humanidade como potencialmente nobre e bela. [ citação necessária ] [b] Essas duas visões não eram necessariamente irreconciliáveis ​​para a Igreja, mas apenas por meio do reconhecimento de que a única maneira de alcançar essa "elevação de espírito, mente e corpo" era por meio da Igreja como agente de Deus. Estar fora da Igreja era estar além da Salvação. No teto da Capela Sistina, Michelangelo apresentou elementos católicos e humanistas de uma forma que não parece visualmente conflitante. A inclusão de figuras "não-bíblicas", como as Sibilas ou Ignudi, é consistente com a racionalização do pensamento humanista e cristão da Renascença. Essa racionalização se tornaria um alvo da Contra-Reforma. [ citação necessária ]

A iconografia do teto teve várias interpretações no passado, alguns elementos das quais foram contestados por estudos modernos. [c] Outros, como a identidade das figuras nas lunetas e tímpanos, continuam a desafiar a interpretação. [38] Estudiosos modernos buscaram, ainda sem sucesso, determinar uma fonte escrita do programa teológico do teto e questionaram se foi ou não inteiramente planejado pelo próprio artista, que era um ávido leitor da Bíblia e um gênio. [39] Também de interesse para alguns estudiosos modernos é a questão de como o próprio estado espiritual e psicológico de Michelangelo se reflete na iconografia e na expressão do teto. Uma dessas especulações é que Michelangelo foi atormentado pelo conflito entre sua homossexualidade e "seu catolicismo profundo, quase místico". [ citação necessária ] [d]

Michelangelo provavelmente começou a trabalhar nos planos e desenhos para o design em abril de 1508. [40] O trabalho preparatório no teto foi concluído no final de julho do mesmo ano e em 4 de fevereiro de 1510 Francesco Albertini registrou que Michelangelo havia "decorado a parte superior arqueada com lindas fotos e ouro ". [40] O projeto principal foi concluído em grande parte em agosto de 1510, como sugerem os textos de Michelangelo. [40] De setembro de 1510 até fevereiro, junho ou setembro de 1511, Michelangelo não trabalhou no teto por conta de uma disputa sobre pagamentos por trabalho feito em agosto de 1510, o Papa deixou Roma para a campanha dos Estados Pontifícios para reconquistar Bolonha e apesar de dois as visitas lá por resolução de Michelangelo só aconteceram meses após o retorno do Papa a Roma em junho de 1511. Em 14 de agosto de 1511, o Papa Júlio celebrou uma missa papal na Capela e viu o progresso dos trabalhos até agora pela primeira vez. [40] Esta foi a vigília para o Dia da Assunção em 15 de agosto, a festa patronal da Capela Sistina. [40] Todo o desenho foi revelado aos visitantes em 31 de outubro de 1512 com uma missa papal formal no dia seguinte, a festa de Todos os Santos. [41] O uso clerical da capela continuou ao longo, isentando quando o trabalho no andaime necessitou seu fechamento, e a interrupção dos ritos foi minimizada pelo início do trabalho na extremidade oeste, mais distante do centro litúrgico em torno do altar na parede leste . [40] Existe um debate sobre em que sequência as partes do teto foram pintadas e sobre como o andaime que permitiu aos artistas alcançar o teto foi arranjado. Existem duas propostas principais.

A teoria majoritária é que os afrescos principais do teto foram aplicados e pintados em fases, com o andaime cada vez desmontado e movido para outra parte da sala, começando na extremidade oeste da Capela. [41] A primeira fase, incluindo a vida central de Noé, foi concluída em setembro de 1509 e o andaime removido - só então as cenas eram visíveis do nível do chão. [41] A próxima fase, no meio da Capela, completou o Criação de Eva e a Queda e Expulsão do Paraíso. o Cumaean Sibyl e Ezequiel também foram pintados nesta fase. [41] Michelangelo pintou as figuras em uma escala maior do que na seção anterior, isso é atribuído à capacidade do artista de julgar efetivamente o encurtamento e a composição do nível do solo pela primeira vez. [41] As figuras da terceira fase, na extremidade leste, estavam em uma escala ainda maior do que a segunda Criação de Adam e o outro Criação os painéis foram finalizados nesta fase, que ocorreu em 1511. [41] As lunetas acima das janelas foram pintadas por último, usando um pequeno andaime móvel. [41] Neste esquema, proposto por Johannes Wilde, o primeiro e o segundo registros da abóbada, acima e abaixo da cornija arquitetônica fictícia, foram pintados juntos em estágios conforme o andaime se movia para o leste, com uma quebra estilística e cronológica para oeste e leste do Criação de Eva. Após a abóbada central, o andaime principal foi substituído por uma contração menor que permitiu a pintura das lunetas, abóbadas das janelas e pendentes. [41] Esta visão suplantou uma visão mais antiga de que a abóbada central formava a primeira parte da obra e foi concluída antes do início do trabalho nas outras partes da planta de Michelangelo. [40]

Outra teoria é que o andaime deve ter se espalhado por toda a capela por anos a fio. [40] Para remover a decoração existente do teto, toda a área tinha que ser acessível para que os operários removessem o afresco do céu estrelado antes que qualquer novo trabalho fosse feito. [40] Em 10 de junho de 1508, os cardeais reclamaram da poeira e do ruído intoleráveis ​​gerados pela obra. Em 27 de julho de 1508, o processo foi concluído e os tiques de canto da capela foram convertidos em pendentes triangulares de duplo spandrel do projeto acabado. [40] Então, a moldura dos novos desenhos teve que ser marcada na superfície quando os afrescos começaram, e isso também exigiu acesso a todo o teto. [40] Esta tese é apoiada pela descoberta durante a restauração moderna dos números exatos do giornate empregados nos afrescos se o teto foi pintado em duas fases, a primeira abrangendo dois anos e estendendo-se até o Criação de Eva e a segunda durou apenas um ano, então Michelangelo teria que ter pintado 270 giornate na segunda fase de um ano, em comparação com 300 pintados nos primeiros dois anos, o que é quase impossível. [40] Em contraste, se o primeiro registro do teto - com as nove cenas em campos retangulares, os medalhões e o Ignudi - foi pintada nos dois primeiros anos, e na segunda fase Michelangelo pintou apenas sua borda no segundo registro, com o Profetas e Sibilas, então o giornate terminados em cada ano são divididos quase igualmente. [40] Ulrich Pfisterer, avançando esta teoria, interpreta a observação de Albertini sobre "a parte superior arqueada com quadros muito bonitos e ouro" em fevereiro de 1510 como referindo-se apenas à parte superior da abóbada - o primeiro registro com seus nove campos de imagem, seu ignudi, e seus medalhões enfeitados com ouro - e não para a abóbada como um todo, já que o sótão arquitetônico fictício com seus profetas e profetisas ainda não havia sido iniciado. [40]

O andaime precisava proteger os afrescos das paredes da capela e outras decorações da queda de detritos e permitir que os serviços religiosos continuassem abaixo, mas também permitir a entrada de ar e alguma luz das janelas abaixo. [40] A cornija da capela, correndo ao redor da sala abaixo das lunetas nas saliências dos arcos das janelas, sustentava as vigas oblíquas da estrutura, enquanto as vigas de sustentação eram fixadas na parede acima da cornija usando orifícios de madeira. [40] Esta estrutura aberta suportava passarelas e a própria plataforma móvel de trabalho, cujo desenho provavelmente escalonado seguia o contorno da abóbada. Abaixo havia um teto falso que protegia a capela. [40] Embora alguma luz solar pudesse ter entrado no espaço de trabalho entre o teto e o andaime, luz artificial teria sido necessária para a pintura, a luz de velas possivelmente influenciando a aparência das cores vivas usadas. [40]

Michelangelo projetou seu próprio andaime, uma plataforma plana de madeira sobre suportes construída a partir de buracos na parede perto do topo das janelas, em vez de ser construída a partir do chão. Mancinelli especula que isso foi para cortar o custo da madeira. [42] De acordo com o aluno e biógrafo de Michelangelo, Ascanio Condivi, os suportes e a estrutura que sustentavam os degraus e o piso foram todos colocados no lugar no início do trabalho e uma tela leve, possivelmente um pano, foi suspensa sob eles para coletar as gotas de gesso, poeira e respingos de tinta. [43] [ página necessária ] Apenas metade da sala tinha andaimes de cada vez e a plataforma foi movida conforme a pintura era feita em etapas. [42] As áreas da parede cobertas pelo andaime ainda aparecem como áreas não pintadas na parte inferior das lunetas. Os orifícios foram reutilizados para segurar andaimes na última restauração. [ citação necessária ]

Todo o teto é um afresco, um método antigo para pintar murais que depende de uma reação química entre o gesso úmido de cal e pigmentos à base de água para fundir permanentemente o trabalho na parede. [44] Michelangelo fora aprendiz na oficina de Domenico Ghirlandaio, um dos mais competentes e prolíficos pintores de afrescos florentinos, na época em que este último trabalhava em um ciclo de afrescos em Santa Maria Novella e cuja obra estava representada no paredes da Capela Sistina. [45] [ página necessária ] No início, o gesso, Intonaco, começou a crescer mofo porque estava muito úmido. Michelangelo teve que removê-lo e começar de novo. He then tried a new formula created by one of his assistants, Jacopo l'Indaco, which resisted mould and entered the Italian building and fresco tradition. [43] [ página necessária ]

Because he was painting affresco, the plaster was laid in a new section every day, called a giornata. At the beginning of each session, the edges would be scraped away and a new area laid down. [42] The edges between giornate remain slightly visible thus, they give a good idea of how the work progressed. It was customary for fresco painters to use a full-sized detailed drawing, a cartoon, to transfer a design onto a plaster surface—many frescoes show little holes made with a stiletto, outlining the figures. Here Michelangelo broke with convention once confident the intonaco had been well applied, he drew directly onto the ceiling. His energetic sweeping outlines can be seen scraped into some of the surfaces [ citação necessária ] , [e] while on others a grid is evident, indicating that he enlarged directly onto the ceiling from a small drawing. [ citação necessária ]

Michelangelo painted onto the damp plaster using a wash technique to apply broad areas of colour, then as the surface became drier, he revisited these areas with a more linear approach, adding shade and detail with a variety of brushes. For some textured surfaces, such as facial hair and wood-grain, he used a broad brush with bristles as sparse as a comb. He employed all the finest workshop methods and best innovations, combining them with a diversity of brushwork and breadth of skill far exceeding that of the meticulous Ghirlandaio [ citação necessária ] [f]

The work commenced at the end of the building furthest from the altar, with the latest of the narrative scenes, and progressed towards the altar with the scenes of the Creation. [23] [ página necessária ] The first three scenes, from The Drunkenness of Noah, contain smaller figures than the later panels. This is partly because of the subject matter, which deals with the fate of Humanity, but also because Michelangelo underestimated the ceiling's scale. [34] [46] Also painted in the early stages was the Slaying of Goliath. [47] After painting the Creation of Eve adjacent to the marble screen which divided the chapel, [g] Michelangelo paused in his work to move the scaffolding to the other side. After having seen his completed work so far, he returned to work with the Temptation and Fall, followed by the Creation of Adam. [48] [46] As the scale of the work got larger, Michelangelo's style became broader the final narrative scene of God in the act of creation was painted in a single day. [49]

The bright colours and broad, cleanly defined outlines make each subject easily visible from the floor. Despite the height of the ceiling, the proportions of the Creation of Adam are such that when standing beneath it, "it appears as if the viewer could simply raise a finger and meet those of God and Adam". [ citação necessária ] Vasari tells us that the ceiling is "unfinished", that its unveiling occurred before it could be reworked with gold leaf and vivid blue lapis lazuli as was customary with frescoes and in order to better link the ceiling with the walls below, which were highlighted with a great deal of gold. But this never took place, in part because Michelangelo was reluctant to set up the scaffolding again, and probably also because the gold and particularly the intense blue would have distracted from his painterly conception. [27] [ página necessária ] Michelangelo's patron and the ceiling's commissioner, Pope Julius II, died only months after the ceiling's completion, in February 1513. [41]

According to Vasari and Condivi, Michelangelo painted in a standing position, not lying on his back, as another biographer Paolo Giovio imagined. [50] Vasari wrote: "The work was carried out in extremely uncomfortable conditions, from his having to work with his head tilted upwards". [27] Michelangelo may have described his physical discomfort in a poem, accompanied by a sketch in the margin, which was probably addressed to the humanist academician Giovanni di Benedetto da Pistoia, a friend with whom Michelangelo corresponded. [50] Leonard Barkan compared the posture of Michelangelo's marginalia self-portrait to the Roman sculptures of Marsyas Bound in the Uffizi Gallery Barkan further connects the flayed Marsyas with Michelangelo's purported self-portrait decades later on the flayed skin of St Bartholomew in his Last Judgement but cautions that there is no certainty the sketch represents the process of painting the Chapel ceiling. [51] Michelangelo wrote his poem "I' ho già fatto un gozzo" describing the arduous conditions under which he worked the manuscript is illustrated with a sketch – likely of the poet painting the ceiling:


Fracking Arrives at the ‘Sistine Chapel’ of Prehistoric Art

On March 31 last year, a region in northern Spain quietly granted a concession of land, dubbed Arquetu, for natural gas exploration.

In Cantabria, the Arquetu traditionally was known as a mythological traveler who carries a coffer full of gold coins and lives an extremely simple lifestyle. Having disappeared from Cantabria’s folklore, now the Arquetu is back. Again, he is foreign, and bears riches, but this time he is surrounded by controversy.

Trofagas, which is owned by the California-based BNK Petroleum, was awarded the six-year concession of 24,876 hectares (61,470 acres) by the regional Government of Cantabria. In the new Arquetu territory, Trofagas will drill at least four wells to search for unconventional natural gas using hydraulic fracturing, or ‘fracking.’

With its gently rolling landscape, some parts of the concession strikingly resemble Carter County, in Southern Oklahoma, where BNK operates 22 wells. However, there are important differences between the two. The most significant difference is underground. Cantabria’s geology is extremely complex. Some areas are transected by a vast network of underground caves that expands into the neighboring region of Asturias. Those caves can be more than 1,000 meters (3,000 feet) deep, and the entire network, still unexplored, can be hundreds of kilometers long. People from Cantabria and Asturias joke that, if you drop painting in a cave, the water in some river—or in another cave—will become colored.

That geological structure supports a number of critically important archaeological sites. At least four decorated caves from the Paleolithic Age that have been listed as World Heritage Sites by UNESCO lie within the Arquetu. Among them is the world-famous Altamira Cave which, in 1880, became the first discovery of Prehistoric art, and has been nicknamed ‘the Sistine Chapel of Paleolithic Art’ for the quality and the degree of preservation of its paintings. Surrounding Arquetu are 13 other UNESCO-listed caves, plus other sites, such as El Sidrón, in Asturias, where exceptionally well-preserved Neanderthal remains have been discovered.

Moreover, part of the concession overlaps territories occupied by brown bears. These are the last 130 brown bears genetically “Spanish” (the ones in the Pyrenees have been introduced from Slovenia). They co-exist with the last remaining 500 Cantabrian grouse, a subspecies of the Western Capercaillie that the U.S. Fish & Wildlife Service classifies as endangered.

Could development activity in Arquetu damage all of these natural and cultural assets? Could the fracking provoke small earthquakes that could damage the caves, as has happened in the United Kingdom and, more recently, in the United States? Could the roads and wells disturb the bears and the grouses, or the fluids and gases poison some of the last rivers in Spain that still have significant populations of Atlantic salmon?

In June, when I visited BNK’s operations in Carter County, the company’s representatives told me that they are ready to change their procedures to enhance safety in their Cantabrian operation. However, environmental groups have petitioned the regional government to halt the operations, and nine Cantabrian municipalities have asked the same — not only because of the potential environmental risk, but also because they were not informed about the concession until it was reported in the media. The government has not responded to the petitions, and in December two environmental groups challenged the decision in court. Sources from the oil industry admit that the countless interconnected caves and subterranean sources of water pose a significant challenge for fracking in some parts of Northern Spain.

On the other hand, it is equally true that Spain is going through a tremendous economic crisis, and that any source of jobs and economic growth is welcome, no matter the environmental or archeological uncertainties. So far, the Spanish government has granted Trofagas 1.2 million hectares (296,000 acres) to frack in Spain.

The Arquetu is far from the only shale gas potential being explored in Spain, as seen from this map. Not far to the east of Arqetu in the Gran Enara area, two American companies—True Oil in Wyoming, and HEYCO, from New Mexico—are partnering with the Basque government to explore 13 areas that officials say contain enough unconventional natural gas to supply Spain for five years.

Some accuse the opposition to fracking of being inadvertently manipulated by the influential lobby of conventional natural gas importers, who import gas for Spanish consumption from Algeria and sense the business threat of this new exploration.

In the end, the travels of this 21st century Arquetu bring to the countryside not the simple reflections of a pilgrimage, but instead, complex questions on international forces in an energy-thirsty world.


Sistine Chapel ceiling on view in the U.S. in new exhibition

Visitors can now enjoy the stunning sights of the Sistine Chapel, all from an Illinois mall. A new exhibition is taking reproductions of masterpieces like "The Creation of Adam" to art lovers in cities across the U.S.

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Sistine Chapel Ceiling Layout

The overall structure of the ceiling paintings was designed by Michelangelo himself, via Wiki Commons

Michelangelo’s original commission was simply to paint the twelve apostles on the pendentives in the corners of the chapel. Unhappy first with being sidetracked from his preferred project, and now with having his work prescribed to him, the artist demanded complete artistic control. He designed a series of paintings that went far beyond his initial brief.

Running along the centre of the ceiling would be nine paintings showing stories from Genesis: the creation of the world the creation of mankind man’s fall from grace and subsequent suffering. The pendentives would show not the twelve apostles, but twelve prophetic figures, each of whom had foretold the arrival of the saviour. They were to be accompanied by four important biblical scenes featuring Moses, Esther , David and Judith .

The Last Judgement , Michelangelo, 1536-154, painted fresco, via Vatican Museums


Michelangelo also decorated much of the wall space, often depicting human figures who were not sufficiently holy to warrant a spot on the ceiling itself, but who still played a crucial role in the religious narrative he wanted to tell. Among these are the ancestors of Christ and the past popes. Most famous of all is his epic The Last Judgement , a later addition to the Sistine Chapel which stands behind the altar to remind (or warn) worshippers of what awaits. All in all, within the confines of a single room, Michelangelo painted a staggering 5000 square feet of frescoes .


Here's a first look at Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition in San Antonio

When I entered the historic Lambermont mansion, I truly felt I was escaping the city life and entering another world filled with breathtaking, floor-to-ceiling art reproduced photographically from Michelangelo's renowned frescoes inside the Vatican's Sistine Chapel.

Martin Biallis, CEO of Los Angeles-based Special Entertainment Events, brought Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition to San Antonio for the first time to give everyone that exact feeling: to leave your problems behind and go back in time. The exhibit has toured venues all around the world for the last six years. It will be at the Lambermont Events building, at 950 E Grayson Street, from Friday, June 11 to Thursday, September 30.

"This is one of the most iconic artworks that has been done in history," Biallis told MySA at a media event on Thursday, June 10. "Even if you're not Catholic or religious, it's more about the art and the story he was trying to tell . You get to step out of reality for an hour or two and experience beautiful pieces of art up close. The Pope could not even do that in the Sistine Chapel."

The unique exhibition showcases 34 reproductions on 16-foot panels spread out in nine rooms of the 3-floor building. The perspective is displayed in their original size, except for "The Last Judgement" (my favorite of the bunch), as it is a smaller size than its original 45-foot by 40-foot display at the Sistine Chapel.

At the chapel, Michelangelo began painting in 1508 and he continued until 1512, painting scenes from, among things, the "Book of Genesis." It was painted at the commission of Pope Julius II. The complex design includes several sets of individual figures, both clothed and nude.

Scroll below to know more about the exhibit:

On the first floor, you'll find three rooms, including one that is handicap accessible (there isn't an elevator in the building). The room has a slideshow of all the frescoes on the top two floors, along with two large artworks. In another room, you'll find the "Sacrifice of Noah" and the "Drunkenness of Noah."

In the Last Judgement room, there are four stunning frescoes. It instantly became my favorite as I grew up in an unorthodox, cult-like church that drilled into my head the "Book of Revelations" and what's to come when God's judgment comes. It spoke to me.

Also, if you look closely, Michelangelo painted himself in "The Last Judgement" artwork that has more than 300 figures in it. He displays himself as a melting individual who thought he was going to hell, but was ultimately saved and entered heaven. Try to find it. It's symbolic and truly takes your breath away.

David And Goliath on the second floor hallway of the Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition at the Lambermont.

After going up a stairwell, you'll find the second floor that has a gift shop with snacks and drinks and four rooms filled with art. The first room you're most likely to encounter is on the left, and features "The Great Flood" artwork, which is another one of my favorites.

In the hallway, you'll see the famous "David and Goliath" piece (who doesn't love an underdog story?). You'll also find comfortable chairs and couches in all rooms, but I sat and stared at the"David and Goliath" one for a while. It's a symbol of never giving up, which, of course, I love.

In a separate room on the second floor, you'll find the "Prophet Jonah," but the coolest part of it all is that it leads to a long balcony with views of the green landscape typically meant for weddings.

Note: I couldn't post anything when I was there so be prepared to save videos and photos. My poor AT&T service wasn't working maybe you'll have better luck. Also, the farthest room on this floor (towards the back) is extremely cold. Bring a light cardigan if you can.

The Creation of the Sun, Moon and Earth is on the third floor of Michelangelo's Sistine Chapel: The Exhibition at the Lambermont.

There are two rooms on the third floor, with the "Creation of the Sun, Moon and Earth" being my star of the floor as the pastel pink colors pop out more than others did. The room with that painting is probably the most colorful and bright.

As you enter the floor, the first room to the left has four of the artwork with a nice and comfy black couch for others to enjoy. You'll find "The Prophet Ezekiel" in this one, as well as "The Delphic Sibyl."

The vibe up here is a bit attic-like as you'll hear every squeaky noise on the wood floors. It's quite warm so prepare to take off that light cardigan.

The Lambermont is located at 950 E Grayson Street.

Starting Friday, June 11, the exhibit will be open to the public. However, tickets for tomorrow's event are sold out. You can visit the place from 10 a.m. to 6 p.m. Thursday through Sunday. The visit will take around 60 to 90 minutes.

Tickets are $17,50 for adults and $12.70 for children ages four to 12. Seniors 65 and older, students and military members can enter for $14.40. To book a day, visit sistinechapelexhibit.com.

Starting next Thursday, June 17, you can grab a bite to eat at the cafe in the backyard of the mansion. You can buy wine, salads, sandwiches and fruit cups. Visitors will be required to wear face masks.

You can take as many pictures as you want but don't touch the artwork.

Other than that, enjoy the mansion and all its glory. It's quite a sight to see and experience.


Sistine Chapel

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Sistine Chapel, papal chapel in the Vatican Palace that was erected in 1473–81 by the architect Giovanni dei Dolci for Pope Sixtus IV (hence its name). It is famous for its Renaissance frescoes by Michelangelo.

The Sistine Chapel is a rectangular brick building with six arched windows on each of the two main (or side) walls and a barrel-vaulted ceiling. The chapel’s exterior is drab and unadorned, but its interior walls and ceiling are decorated with frescoes by many Florentine Renaissance masters. The frescoes on the side walls of the chapel were painted from 1481 to 1483. On the north wall are six frescoes depicting events from the life of Christ as painted by Perugino, Pinturicchio, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, and Cosimo Rosselli. On the south wall are six other frescoes depicting events from the life of Moses by Perugino, Pinturicchio, Botticelli, Domenico and Benedetto Ghirlandaio, Rosselli, Luca Signorelli, and Bartolomeo della Gatta. Above these works, smaller frescoes between the windows depict various popes. For great ceremonial occasions the lowest portions of the side walls were covered with a series of tapestries depicting events from the Gospels and the Acts of the Apostles. These were designed by Raphael and woven in 1515–19 at Brussels.

The most important artworks in the chapel are the frescoes by Michelangelo on the ceiling and on the west wall behind the altar. The frescoes on the ceiling, collectively known as the Sistine Ceiling, were commissioned by Pope Julius II in 1508 and were painted by Michelangelo in the years from 1508 to 1512. They depict incidents and personages from the Old Testament. o Last Judgment fresco on the west wall was painted by Michelangelo for Pope Paul III in the period from 1534 to 1541. These two gigantic frescoes are among the greatest achievements of Western painting. A 10-year-long cleaning and restoration of the Sistine Ceiling completed in 1989 removed several centuries’ accumulation of dirt, smoke, and varnish. Cleaning and restoration of the Last Judgment was completed in 1994.

As the pope’s own chapel, the Sistine Chapel is the site of the principal papal ceremonies and is used by the Sacred College of Cardinals for their election of a new pope when there is a vacancy.


'Prehistoric Sistine Chapel' gets world heritage status

The 1,000 drawings carved in the walls of the Decorated Cave of Pont dɺrc, or Grotte Chauvet, are 36,000 years old and include mammoths and hand prints.

Cave experts only discovered it in 1994 as the entrance had been concealed by a rockfall 23,000 years earlier.

It was one of several cultural and natural wonders granted the status by a committee of delegates in Doha, Qatar.

UN cultural agency Unesco said the cave, located in the Ardeche region of France featured "the earliest and best-preserved expressions of artistic creation of the Aurignacian people", who were believed to be the first modern human culture in Europe.

"The large number of over 1,000 drawings covering over 8,500 square metres (90,000 square feet), as well as their high artistic and aesthetic quality, make Grotte Chauvet an exceptional testimony of prehistoric cave art," said Unesco.

"Its state of preservation and authenticity is exceptional as a result of its concealment over 23 millennia."


 The Sistine Chapel. The Home of Iconic Renaissance Art masterpieces.

The Sistine Chapel plays an important role in Italian Renaissance art history and it houses some of the most iconic images of the era. The chapel, located within the Vatican City, is named after Sixtus IV della Rovere and is built on the site of a Medieval hall the "Cappella Magna". It was used for assemblies by the Papal Court.

The building work started in 1475 ended in 1483, and the chapel was inaugurated by the Pope who dedicated it to Our Lady of the Assumption. The chapel is used by the College of Cardinals for the election of a new pope (who is considered to be the successor of St Peter).

The chapel's dimensions (40.23 meters in length, 13.40 meters in width and 20.70 meters in height) are reputed to be copied from Solomon’s temple in Jerusalem which was destroyed in 70 A.D.

When the structure was complete the side walls of the chapel were decorated in 1481 with frescoes by the greatest Italian Renaissance artists. From Florence, Botticelli, Rosselli, Ghirlandaio and Signorelli and Umbrian artists such as Perugino and Pinturicchio.

 Painted imitation curtains with the pope’s coat of arms were frescoed on the lower walls above these hung tapestries by Raphael and his followers.

Initially, the ceiling was decorated with gold stars on a blue background by the artist Umbrian artist, Pier Matteo d’ Amelia.

The Chapel's decoration was completed by Michelangelo and was Commissioned by Pope Julius II. Michelangelo was reluctant to accept the work (he always considered himself to be a sculptor rather than a painter) but he eventually agreed to fresco the vault and the painting took four years to complete 1508-1512.

 His famous ceiling frescoes replaced the earlier work by Pier Matteo d’ Amelia.

It is impossible to fully appreciate the grandeur of this building without visiting it for yourself. With its arched windows and barrel vault ceiling, you are surrounded by some of the greatest artwork ever produced.

If you love art this place will make your head spin, it is a feast for the senses and, even if you are just a curious tourist, you will be blown away.

You have got to see this great bit of technology which gives you private access to the Chapel. It's great because in reality you would never be alone in the room, which is always very crowded, and of course, in person, you can't see Michelangelo's spectacular artwork close up as you can here.

This virtual tour was prepared by Villanova University at the request of the Vatican.

Just click and drag your arrow in the direction you wish to see.  In the lower left, click on the plus (+) to move closer,  or on the minus (-) to move away.

The two images above are from the series of paintings on the Sistine Chapel walls. Perugino's Moses picture is on the left wall and Rosselli's Sermon on the Mount is on the right wall. Also see Botticelli's paintings in the Sistine Chapel.

The Sistine Chapel Ceiling.

The Ignudi support the corners of the smaller scenes on the chapel ceiling. These four examples highlight Michelangelo's understanding of the human form. (s)

The Altar wall - The Last Judgement.

Twenty years after finishing the frescoes for the vault Michelangelo painted his "Last Judgement" on the far wall of the chapel.

Restoration and Preservation.

The restoration of the Sistine Chapel was done between 1980 and 1992 and the work on the Last Judgement lasted for four years ending in 1994. The restoration consisted of washing the frescoes with distilled water and a mild solvent removing the layers of dirt that had built up over the years.

All of the candle smoke produced in the chapel had dulled the colours in the frescoes to such an extent that it was thought that Michelangelo was more interested in his bulky figures than any rendition of colour.

The cleaning process has revealed the vivid, bright colours that had been skilfully blended by the artist reducing the flattening effect of the figures.      

The result is a re-discovery of Michelangelo's works which can now be seen as vividly as the day the artist originally painted them.

The chapel is now climate controlled, with filters and air conditioning to deal with modern pollution levels.  


Assista o vídeo: Anagni, Krypta św. Magnusa XII-XIII wiek, Kaplica Sykstyńska Średniowiecza


Comentários:

  1. Faeshura

    Concordo, este grande pensamento virá no lugar certo.

  2. Deven

    Você atingiu a marca. Achei bem, concorda com você.

  3. Fagen

    A coisa boa!

  4. Flavio

    Muito bem, sua frase é brilhante

  5. Rockland

    Comunicação excelente e oportuna.



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