Imitação de Aurei da Geórgia

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A história da Duquesa que escandalizou a sociedade georgiana

Antes de Daphne Bridgerton, havia Elizabeth Chudleigh. Quando o sucesso da Netflix começa a ser filmado em sua segunda temporada, o livro de Catherine Ostler & # x27s sobre a beleza da sociedade e o bígamo que encantou a sociedade georgiana é uma excelente leitura de fundo

No final do verão de 1777, qualquer pessoa que estivesse nas margens do Golfo da Finlândia poderia ter visto uma visão fascinante: uma maravilha marítima de três mastros de madeira polida e tinta dourada, suas velas ondulando ao vento norte. No convés do iate, eles podem ter visto a figura solitária de uma mulher, os olhos fixos no curso do rio Neva fluindo em direção a São Petersburgo. Se pudessem ver o interior, teriam encontrado conteúdos tão exóticos quanto a história do navio: um zoológico de animais, incluindo pequenos macacos, uma orquestra, dois clérigos (um católico para a tripulação francesa e um anglicano que atuou como assessor de imprensa) um salão de beleza , uma cozinha, um banheiro e aquecedores decorativos, junto com uma seleção inestimável de prata e arte em uma galeria de fotos. O de olhos redondos pode ter percebido o nome do navio na lateral: a Duquesa de Kingston.

Pois esse era o nome que a mulher no convés usava - mas também era o título que acabara de ser negado por toda a Câmara dos Lordes e pelos juízes britânicos mais antigos, em um julgamento por bigamia testemunhado pela Rainha Charlotte, dois futuros monarcas, James Boswell e Georgiana, duquesa de Devonshire, ao lado dos literatos de Londres e o resto da alta sociedade. Assim como a Guerra da Independência americana poderia ter sido transformada em favor da Grã-Bretanha, os britânicos estavam todos distraídos, agarrados por esta figura escandalosa, o guardião de uma série de segredos.

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A duquesa, como ela ainda se autodenominava, saiu de Londres com o dinheiro de seu falecido marido e partiu para fazer amizade com Catarina, a Grande, então a monarca mais ilustre da terra. Quando ela navegou para São Petersburgo, o rio deu lugar a diques de estuque pintado e palácios de mármore e granito. A nova capital da Rússia era um lugar de estonteante novidade e grandiosidade, construído por Pedro, o Grande, no início do século. O Palácio Imperial de Inverno destacou-se neste panorama de estuque, em sua escala brobdingnagiana. "Tem a aparência de ter sido transportado para o local atual, como o palácio nos contos árabes", observou um visitante inglês.

É uma das peculiaridades da história que, devido à vida romântica errática dessa mulher e ao desejo do estabelecimento britânico de puni-la por isso, alguns dos tesouros de sua família pelo casamento e as peças que ela encomendou não se encontram em uma galeria de Londres ou alguma casa senhorial nos condados, mas longe, no mesmo Palácio de Inverno, agora o Museu Hermitage do Estado. Eles escondem a história extraordinária da jornada que os levou até lá: uma que descobri escrevendo meu livro, A duquesa condessa: a mulher que escandalizou uma nação.

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Elizabeth Chudleigh, ou a Duquesa-Condessa - um apelido dado a ela pelo onipresente fofoqueiro do século 18 Horace Walpole - me pegou de surpresa na biografia magistral de Simon Sebag Montefiore Catarina, a Grande e Potemkin. Ele descreveu sua extravagância na corte imperial, sua capacidade de chocar e entrar - mesmo lá, uma carreira de "sedução, casamento, engano, exibicionismo e roubo". Em outras palavras, ela era o melhor tipo de anti-heroína britânica. Na ficção, uma Becky Sharp ou uma Moll Flanders - o tipo pelo qual você não pode deixar de torcer, por mais questionável que seja seu comportamento, que confunde a expectativa e revida com cada fibra de seu espartilho. Para mim, Elizabeth se tornou não apenas um objeto complexo de simpatia e fascinação, mas também uma cifra a partir da qual se pode ver a feminilidade e a sociedade georgianas, sua imprensa, sua poesia, o farfalhar de suas saias e o poder de suas canetas cruéis, muito antes Bridgerton's Lady Whistledown colocou essas coisas em nossa consciência coletiva. Elizabeth Chudleigh foi alvo de fofocas constantes, desde seus dias como a mais fascinante das damas de honra (as garotas de sua época), passando por suas várias escapadas no mercado de casamento, até seu eventual julgamento em 1776 e o ​​exílio auto-imposto que ela embarcou depois.

Quando criança, ela pulou pelo Royal Hospital, Chelsea, onde seu pai era tenente-governador, embora ele tenha morrido quando ela tinha apenas cinco anos. Logo, no entanto, ela era uma criatura da corte georgiana, tornando-se dama de honra em 1744 para Augusta, a jovem princesa de Gales do estado de nowheresburg de Saxe-Gotha-Altenburg.

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Elizabeth vestida como a mítica princesa grega Ifigênia para um baile de máscaras de 1749

Este foi o século dos tribunais rivais - as disputas públicas entre pai e filho não eram novidade na família real. Em cada geração hanoveriana, houve uma geração sóbria e sem glamour, a do rei, e uma geração divertida e animada, a do príncipe e da princesa de Gales. Jorge II tinha uma configuração monótona porque odiava a rivalidade masculina e afastava os sagazes e pensadores, por isso seu filho Frederico, Príncipe de Gales, os recebeu alegremente em Leicester House. Elizabeth, por meio de seus consideráveis ​​poderes de cortejo que a tornavam uma espécie de mulher Maquiavel, era praticamente a única pessoa que conseguia manter o favor de ambos.

O ponto principal de ser uma dama de honra era, claro, encontrar um marido adequado. Sir Joshua Reynolds, que pintou Elizabeth, lembrou que ela era quase a garota mais bonita que ele já vira, e ela tinha um humor fluente reconhecido até mesmo por seus inimigos. Mas ainda não era uma tarefa fácil: ela não só estava sem dote, mas também não tinha pai, irmão ou o tipo de mãe que pudesse aconselhar ou negociar em seu nome. Ela quase ficou noiva do jovem e órfão duque de Hamilton, mas sua família o tirou de suas mãos no último minuto.

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Ficando com um primo no país em 1744, ela conheceu um oficial da Marinha nas corridas de Winchester. Embora tivesse apenas 20 anos, Augustus Hervey era confiante e articulado, já um sedutor experiente, cheio de histórias do mar e arrogância. Neto do conde de Bristol, Hervey se tornaria conhecido como o inglês Casanova e, após um romance rápido no calor de agosto, ele e Elizabeth se casaram no meio da noite em uma capela rural: um tipo de personificação de Vegas com Elvis de façanha da qual ambos começaram a se arrepender quase imediatamente.

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Gravações de Westminster Hall preparadas para o julgamento, e o próprio julgamento

Eles concordaram em fingir que nunca tinha acontecido. Com o passar dos anos, o sigilo tornou-se negação, mas, o que é crucial, eles não se divorciaram. Logo, eles conheceram outros no caso de Elizabeth, este era outro duque órfão (ela certamente tinha um tipo) - Evelyn Pierrepont, o 2º duque de Kingston, concordou amplamente em ser "o homem mais bonito da Inglaterra". Até mesmo Horace Walpole, nunca conhecido por sua bondade, chamou-o de "homem de grande beleza e a melhor pessoa". Muito mais tarde, em 1769, Elizabeth se casou com Kingston e foi brevemente feliz, mas quando ele morreu em 1773 e deixou tudo para ela, sua família queria "seu" dinheiro de volta e assim a perseguiu através do sistema legal com um vigor que a levou até julgamento por bigamia no Westminster Hall.

Evelyn Pierrepont, 2º duque de Kingston, pintada na década de 1740

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Ela foi colocada no banco dos réus na frente de 4.000 espectadores - e nesse ponto, ela se tornou uma das três mulheres mais comentadas da Europa, junto com Maria Antonieta e a própria Catarina, a Grande. Os jornais cobriram todos os aspectos do julgamento, dando a seus leitores um lugar na primeira fila de que a guerra na América foi tirada das primeiras páginas. Os chatterati estavam fora de si de tanta empolgação, as mulheres levantando-se às 5 da manhã para o café e o penteado com antecedência. Westminster Hall caiu em silêncio quando Elizabeth, "bonito" em vestido de luto, entrou com sua comitiva: dois atendentes elegantes de branco, um capelão, um médico, um farmacêutico e Black Rod, lá para impedi-la de escapar. Inicialmente calma e digna, no final do julgamento ela foi acusada de "brincar" com as testemunhas e desmaiou em perigo mais de uma vez. Surgiram segredos, meias-verdades e conspirações - não há espaço para detalhes aqui - mas depois do veredicto, ela se reagrupou e embarcou em uma grande viagem.

Palácio de verão nos arredores de São Petersburgo, onde Catarina, a Grande, recebeu Elizabeth

Anos depois de ouvir seu nome pela primeira vez, fiquei dentro do superaquecido Museu Hermitage enquanto a neve caía na Praça do Palácio. Era 7 de dezembro, dia de Santa Catarina, em que a entrada é gratuita para comemorar o dia da festa do homônimo do fundador da imperatriz. Eu havia seguido os passos da duquesa errante por toda a Europa e estava terminando o manuscrito de meu livro quando soube que alguns de seus pertences foram encontrados em São Petersburgo e estavam prestes a ser expostos. Naquela época, eu conhecia sua história com mais detalhes do que ela provavelmente jamais soube, tendo lido velhos diários, jornais e cartas empoeiradas enquanto usava luvas brancas em arquivos, na trilha obsessiva que estimula todo biógrafo.

Palácio de verão, São Petersburgo

Vaguei pelo famoso Neva Enfilade, onde antes aconteciam bailes para milhares enquanto os camponeses morriam de fome do lado de fora, e finalmente cheguei à ala do berçário Romanov, onde ficavam seus pertences espantosos. Havia um lustre de salão de baile, quase da minha altura, que tocava música quando suas velas eram acesas, um refrigerador de vinho de prata grande o suficiente para dar banho em um bebê, no qual uma vez foi servida sopa de peixe em um baile para celebrar a vitória sobre os turcos e pinturas que Elizabeth trouxe aquele iate.

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Kate Rothschild e Paul Forkan dão as boas-vindas a um lindo menino

A ex-cunhada de Kate, Jemima Khan, compartilhou algumas fotos adoráveis ​​do recém-chegado nas redes sociais

Gravura em cobre do julgamento de bigamia da Duquesa de Kingston, por volta de 1776

Os descendentes da família de seu segundo marido, os Pierreponts, estão compreensivelmente irritados com o fato de que os pertences que antes enfeitavam a residência de sua família agora estão perdidos para os museus estaduais da Rússia. Um sugeriu que Elizabeth havia tirado de sua casa em Nottinghamshire o célebre Relógio Pavão, a exibição das estrelas do Hermitage, com seus pássaros automatizados e criaturas da floresta. Os especialistas do museu agora insistem que Elizabeth apenas apresentou o marido e co-governante de Catherine, o príncipe Potemkin, a seu amigo e confidente, o designer do relógio, James Cox. ('Eles diriam isso, não diriam?', Disse um cínico Pierrepont.) Algumas fotos (uma de Claude Lorrain ela havia enviado antes a um almirante, o conde Ivan Chernyshev, para facilitar a apresentação da mulher mais escandalosa da Europa ao seu mais poderoso outro de Pierre Mignard), vasos de prata, o refrigerador de vinho e um órgão que ela trouxe para a Rússia, ainda estavam lá quando ela morreu inesperadamente. Nada jamais saiu do país, não importa o que ela escreveu em seu testamento.

Os tesouros da duquesa em l'Hermitage sobreviveram a duas guerras mundiais, o Cerco de Leningrado, décadas de comunismo e um período de exílio nos congelados Urais. Eles foram abertos para mim sob os auspícios do diretor do museu por quase 30 anos, Dr. Mikhail Piotrovsky, que conheci em seu escritório com vista para o Neva - ele mesmo uma peça de museu, com tapeçarias azul-esverdeadas desbotadas revestindo as paredes e pilhas de livros sentado em mogno com uma pátina profunda. Foi o escritório de seu pai depois que ele cresceu no museu.

Uma carta escrita em nome de Elizabeth & # x27s para o duque de Portland pouco antes do julgamento, com medo de um boato de que ela seria enviada para a Torre de Londres

Talvez seja surpreendente que os tesouros de São Petersburgo sejam as partes mais bem preservadas do legado da duquesa. A maioria dos edifícios associados a ela na Inglaterra foram demolidos ou sobrevivem apenas como hotéis. Ainda assim, assim como queria ler tudo que ela escreveu e sobre ela, queria visitar todos os lugares que ela havia vivido. Comecei, como ela começou, no Royal Hospital at Chelsea, onde um bondoso aposentado de casaca vermelha e tricórnio, David Lyall, me mostrou o hospital imaculado de Wren, no apartamento de painéis onde ela passou sua infância. Eu podia muito bem imaginar Elizabeth brincando no gramado que descia direto para o rio, sem nenhuma estrada ao longo do barranco. (O próprio rio era a rodovia - você poderia pegar um barco em qualquer lugar.) O nome de seu pai estava pintado em ouro na parede do Grande Salão e, sob o musgo, gravado em sua lápide no cemitério.


7 tratamentos de beleza georgianos estranhos e maravilhosos

No século 21, a beleza é um grande negócio: milhares de centímetros de coluna são dedicados diariamente a discutir as últimas tendências de beleza, do simples ao absurdo. Mas, como revela a escritora histórica Catherine Curzon, os regimes de beleza da era georgiana podiam envergonhar até mesmo os modismos modernos mais bizarros

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Publicado: 28 de abril de 2016 às 9h04

De pele branca como porcelana a cabelos enormes, os georgianos se preocupavam muito com sua aparência. Na verdade, a atração de um rosto bonito na maquiagem tornou-se tão forte no período georgiano, e foi considerada tão irresistível, que o parlamento (aparentemente) considerou aprovar uma lei para proteger os homens de serem enganados por senhoras pintadas com desenhos em suas bolsas:

“Uma lei para proteger os homens de serem enganados ao casamento por adornos falsos. Todas as mulheres, de qualquer posição, idade, profissão ou grau, sejam virgens, empregadas domésticas ou viúvas, que devem, a partir e após tal ato, impor, seduzir ou trair ao matrimônio, qualquer um dos súditos de Sua Majestade, pelos cheiros, tintas, lavagens cosméticas, dentes artificiais, cabelos postiços, lã espanhola, espartilhos de ferro, argolas, sapatos de salto alto e quadris reforçados, incorrem na pena da lei em vigor contra bruxaria e contravenções semelhantes e que o casamento mediante condenação será nulo e vazio. ”

Apresentada em 1770 provavelmente como um golpe irônico na moda, em vez de uma lei séria, esta emenda à Lei da Bruxaria nunca foi aprovada, nem chegou à câmara de debates.

No entanto, os tratamentos de beleza eram abundantes na Grã-Bretanha georgiana. Aqui consideramos sete dos mais estranhos e maravilhosos…

Branco, branco, branco!

Nossa obsessão em adquirir o bronzeado perfeito teria deixado os georgianos perplexos. No século 18, um bronzeado era um sinal claro de que se trabalhava ao ar livre, enquanto as classes ricas e educadas permaneciam dentro de casa e fora do brilho do sol. A moda georgiana mais básica e talvez famosa era a pele branca como porcelana, tanto para homens quanto para mulheres.

Juntamente com o esterco de cavalo e o vinagre, o principal ingrediente dos cremes e pós clareadores da pele era o chumbo. Espalhados generosamente no rosto e pescoço, esses cremes e pós ajudaram a alcançar aquele aspecto importantíssimo de ‘nunca esteve ao ar livre’. A brancura foi acentuada pelo uso de coloração azul para destacar as veias, enquanto os lábios e bochechas foram tingidos com ainda mais chumbo - desta vez colorido com carmim [um pigmento vermelho brilhante obtido do sal de alumínio do ácido carmínico] ou mesmo com misturas contendo mercúrio altamente tóxico .

Com o uso generalizado de chumbo, não era de se surpreender que os estilos da moda começassem a sofrer reações graves à sua maquiagem. De distúrbios oculares a problemas digestivos e até, em casos extremos, morte, o preço de seguir a moda por branco estava alto.

O valorizado tom de pele de porcelana, tão amado pelos fashionistas georgianos, também não era financeiramente fácil de conseguir. Mortais ou não, os cremes para a pele eram uma adição cara à bolsa de maquiagem de uma senhora e para aqueles que buscavam beleza com um orçamento limitado, as opções eram limitadas: para o cabelo e o rosto, uma leve camada de farinha de trigo pode ser suficiente.

A linguagem dos patches

Também conhecido como mouches, os patches de beleza eram pequenos recortes de veludo preto, seda ou cetim que eram presos ao rosto para cobrir manchas, incluindo cicatrizes de varíola e danos causados ​​por chumbo branco, ou apenas como um pedaço de decoração. Freqüentemente mantidos em recipientes altamente decorativos, esses remendos desfrutaram de muitos anos de popularidade.

Assim como os fãs podem ser usados ​​para comunicar uma mensagem secreta, a posição dessas manchas de pele acabou sendo associada a significados codificados. Por exemplo, se alguém desejasse mostrar lealdade política, um patch no lado direito do rosto denotava um Tory enquanto um Whig usava um patch no esquerdo. Em uma nota mais íntima, um tapa-olho no canto do olho pode ser um convite para um amante em potencial.

Ao contrário dos cremes para o rosto, os adesivos não eram apenas preservação dos ricos. Se você não pudesse comprar seda e veludo de formato fino, um pouco de pele de rato aparada serviria da mesma forma.

Remendos aparecem em muitas peças de arte georgiana, talvez o mais famoso em William Hogarth Progresso de uma meretriz, uma série de pinturas e gravuras nas quais o rosto da heroína Moll Hackabout - antes fresco e bonito - assume cada vez mais manchas até que ela se assemelha à madame bordel abatida que a iniciou na vida de bordel em Londres. Para Moll, as manchas sem dúvida cobriam os sinais reveladores de doenças como a sífilis - um mundo longe dos salões da moda da França, onde uma mancha pode significar flerte, sedução e intriga.

Cabelo enorme

A imagem popular do final do século 18 é aquela em que perucas enormes e extravagantes balançavam precariamente na cabeça de mulheres elegantes, mas isso não é realmente preciso. Havia muito cabelo oscilante, mas muitas vezes era real, com perucas geralmente usadas apenas por homens do século XVIII.

Senhoras e senhores obtiveram sua cor de cabelo pálida da moda aplicando pó de cabelo, que era feito de farinha ou amido e soprado na cabeça com um par de foles [um dispositivo construído para fornecer uma forte rajada de ar]. Para aquela aparência tipicamente georgiana de "cabelos grandes", os ricos empregaram um exército de estilistas que construíram estruturas elaboradas no topo de suas cabeças em torno de armações de madeira acolchoadas com seções extras geralmente feitas de crina de cavalo.

Também foram desenvolvidos tenazes de ondulação: assemelhavam-se a uma tesoura romba, com dois pinos de metal e cabos de madeira. Quando as pontas eram aquecidas no fogo, o cabelo podia ser enrolado em volta delas e mantido no lugar até que os cachos se firmassem. Alternativamente, rolos de argila eram aquecidos em um forno e então aplicados no cabelo ou peruca.

As cabeças costumavam ser adornadas com frutas de cera e outras decorações, como flores ou mesmo modelos de navios a vela, e os penteados mais elaborados permaneciam no lugar por dias ou semanas.

Dentro dessas peças de cabeça monumentais, nossos cavalheiros e senhoras elegantes adquiriam piolhos ocasionais, mas os georgianos também tinham uma resposta para isso: hastes especialmente concebidas foram vendidas que podiam ser deslizadas entre as camadas de cabelo e usadas para coçar as picadas de piolhos, garantindo que seus os penteados da moda permaneceram perfeitos.

Se os piolhos começassem a coçar muito, sempre havia a possibilidade de tratá-los com mercúrio, mas como se sabia que isso poderia causar loucura ou morte, uma haste para coçar costumava ser a opção preferida.

Sobrancelhas

Com o chumbo aplicado liberalmente no rosto como uma questão de rotina, não é surpreendente que as sobrancelhas das pessoas frequentemente caiam. Os fashionistas georgianos, portanto, adotaram uma nova abordagem e começaram a arrancar ou raspar o cabelo que restava da sobrancelha antes de desenhar uma nova sobrancelha ou usar chumbo ou cortiça queimada para pintá-la.

À medida que sobrancelhas negras se tornaram um visual popular, menções ocasionais de uma nova moda bastante estranha começaram a surgir: em 1718, o célebre poeta Matthew Prior escreveu um poema satírico sobre Helen e Jane, que usam sobrancelhas feitas de pele de rato. As evidências de sobrancelhas de pele de rato permanecem escassas, mas a menção a elas aparece na sátira ao longo do início do século XVIII.

Preenchimento em todos os lugares certos

Muitas carreiras de celebridades do século 21 foram estabelecidas sobre (ou pelo menos sustentadas por) a força de um traseiro bem torneado. No entanto, isso não é novidade: os homens da moda georgianos conheciam um pouco de acolchoamento estratégico.

Calças justas projetadas para mostrar as pernas bem formadas de seu usuário se tornaram a última moda - mas e se uma não o fizesse tenho pernas bem formadas? Para aqueles que eram muito magros para encher a vestimenta, o acolchoamento era a resposta natural. Assim como um sutiã moderno acolchoado realça o seio, almofadas de tecido ou crina de cavalo podem ser inseridas em calças que dariam a impressão de panturrilhas musculosas. Essas almofadas também podem ser inseridas em qualquer outro lugar que o usuário do sexo masculino queira um impulso!

Essas almofadas eram o privilégio dos homens mais preocupados com a moda da Geórgia e da Regência. Eles encontraram popularidade entre os caras extravagantes e muito elegantes, conhecidos como dândis, que usavam corpetes e protetores para criar a forma masculina perfeita.

Um sorriso brilhante

Com as classes altas entregando-se a todos os tipos de guloseimas açucaradas, não é de surpreender que os dentes de nossas beldades georgianas estivessem longe de ser perfeitos. Os pós dentais (também conhecidos como dentífricos) eram, portanto, usados ​​para branquear os dentes: entre seus ingredientes de choco e bicarbonato de sódio estava frequentemente o misteriosamente denominado espírito de vitríolo. Mais conhecido hoje como ácido sulfúrico, esse mineral (que agora sabemos ser altamente corrosivo) certamente branqueou os dentes, mas principalmente porque os despiu completamente de seu esmalte.

Não é novidade que muitos georgianos precisavam de cirurgia dentária e, sem anestesia, esses procedimentos eram arrepiantes. Depois que o dente problemático foi removido, os pacientes mais ricos podiam optar por um dente vivo substituto, a ser comprado de um doador e enfiado diretamente no alvéolo. Alguns desses dentes vivos tinham saído da boca de cadáveres, trazendo com eles quaisquer doenças e infecções a que seu dono original havia sido submetido.

Se um dente vivo caro estivesse além de suas possibilidades e uma lacuna simplesmente não servisse, havia alternativas em oferta: qualquer coisa, desde um único dente a um conjunto completo de dentaduras, poderia ser feito de materiais como porcelana, marfim ou mesmo os dentes de soldados que morreram na batalha de Waterloo. Conhecidos como "dentes de Waterloo", eles foram colhidos da boca de soldados mortos e se tornaram muito procurados. Afinal, um cliente sabia que um dente Waterloo não viera de um homem que morreu de doença ou de um cadáver desenterrado por ladrões de túmulos, mas de um jovem e (espero) soldado saudável que morreu com honra no campo de batalha.

Um pacote de rosto

Menos conhecida do que os rostos georgianos brancos e o cabelo enorme é ‘fard’, uma máscara facial da regência usada para aliviar queimaduras de sol e "erupções cutâneas" [manchas].

Fard era uma mistura de óleo de amêndoa doce, espermacete [uma substância cerosa encontrada na cabeça de um cachalote] e mel que era dissolvido no calor e, uma vez resfriado, aplicado no rosto e deixado durante a noite. A receita, que foi publicada pela primeira vez em 1811, estava sendo reimpressa e, presume-se usada, décadas depois.

Catherine Curzon é a autora de A vida na corte da Geórgia, que será publicado pela Pen and Sword Books em 30 de junho de 2016. Curzon também mantém um site temático do século 18 chamado Guia para a vida de Covent Garden Gilflurt.


História do casamento e anel de noivado da era georgiana

A era georgiana data de 1714-1837 e abrange o período do domínio britânico sob o rei George I até o rei George IV. Abrangendo um período de mais de uma década, não é plausível abordar todas as tendências e aspectos históricos desta era, mas para o propósito deste artigo, iremos abordar os estilos mais populares de joias e relacionados com o casamento - nós ' Vou até acrescentar algumas curiosidades sobre o casamento da Era Georgiana para o seu prazer de leitura!

As joias da era georgiana eram uma arte feita à mão com muito trabalho - ao contrário de hoje, quando a tecnologia moderna gera centenas de peças idênticas, as joias que você adquiria na era georgiana eram realmente únicas. Enquanto 22 quilates e ouro 18 quilates foram dois dos metais mais populares durante a era georgiana, a popularidade também foi vista em Pinchbeck, um latão que consiste em uma mistura de cobre e zinco e é uma imitação extremamente aceitável para o ouro.

Durante a era georgiana, muitos alemães doaram seu amado ouro para ajudar a construir e fortalecer suas forças armadas - por sua vez, eles receberam ferro fundido. Essa troca resultou em um aumento patriótico na popularidade das joias de ferro fundido. Em termos de pedras, os diamantes foram as pedras mais cobiçadas da era georgiana, em parte devido ao fato de serem relativamente inatingíveis. Apesar da alta demanda por diamantes, as gemas também eram extremamente populares e usadas com frequência.

Durante a era georgiana, a colocação de pedra mais popular estava montando. Uma configuração montada esconde toda a parte inferior de uma pedra e, como você pode imaginar, impede que muita luz passe pela pedra e diminui seu brilho. Na época, a solução para este infeliz efeito colateral do suporte era colocar o alumínio dentro do suporte, sob a pedra, na esperança de que a luz que passa refletisse no alumínio e criasse o brilho e o lustro que ainda desejamos hoje.

Devido a uma configuração que resultou em menos do que o brilho e brilho ideal, os cortes da era georgiana utilizaram a forma de uma pedra para maximizar seu brilho. Um corte popular da era georgiana é o corte Rose, um corte que ainda é popular hoje. Outro corte popular da era georgiana é o Old Mine Cut - um corte raro que requer detalhes ornamentados e, depois que sua popularidade passou, foi refeito em cortes mais populares da época.

Em Jane Austen's Senso e sensibilidade, um dos personagens masculinos é visto usando um anel contendo uma trança de cabelo trançado. Embora hoje isso possa soar um pouco bizarro, durante a era georgiana, a incorporação de gestos como esses eram comuns, senão completamente normais. Cabelo em anéis é provavelmente a tendência mais estranha associada à era georgiana, outras tendências são aquelas que preservam o tempo e as memórias, um aspecto importante desta época. Essa necessidade de preservação criou dois itens de joalheria, ambos ainda populares hoje em dia & # 8211, o primeiro é o anel de luto, o segundo é o medalhão.

O anel de luto, ou memorial, era uma forma de homenagear aqueles que morreram. Este anel tradicionalmente continha uma pequena pedra e uma inscrição de informações pertencentes ao falecido, como seu aniversário, data de morte ou nome. Anéis de luto mais elaborados continham retratos gravados do falecido. O medalhão também foi capaz de economizar tempo segurando fotos, notas ou pequenos itens. O medalhão como o conhecemos tem a forma de um colar, mas na época da Geórgia, os anéis de medalhão eram bastante populares.

Embora se concentrassem menos na preservação do tempo, os anéis Posey também se tornaram um estilo cobiçado de joalheria durante a era georgiana. O anel Posey era uma delicada faixa de ouro gravada com um ditado apropriado ao seu propósito. Os anéis Posey se tornaram um anel altamente desejável para noivados durante a era georgiana.

Além do anel Posey, o noivado popular e os anéis de casamento focavam fortemente na natureza. Os desenhos desses anéis, seja por meio de inscrição ou colocação de pedra, muitas vezes aludiam a borboletas, flores, pombas e outros componentes delicados da natureza.

O uso geral de anéis de noivado não era muito popular durante a era georgiana - mas se fosse oferecido pelo noivo, era dado como um símbolo do amor dos futuros noivos por sua futura esposa. Esse anel era usado no quarto dedo da mão esquerda, igual a hoje.

Durante a discussão sobre casamentos, a Era da Geórgia viu um aumento nas leis relacionadas ao casamento. Se você estiver interessado nessas leis como um todo, elas podem ser encontradas na Lei do Casamento de 1753, também conhecida como & # 8220 Uma Lei para uma Melhor Prevenção do Casamento Clandestino & # 8221.

Em parte, o The Marriage Act of 1973 regulamentou a idade de consentimento matrimonial - declarando que um indivíduo deve ter 21 anos, ou ter o consentimento dos pais, para se casar. A lei também regulamentou quando e onde um casal pode se casar - a cerimônia ocorreria antes do meio-dia na freguesia de residência como marido e mulher. Finalmente, o The Marriage Act regulamentou a duração do noivado em um mínimo de quatro semanas - isso fez com que os casais fugissem e, assim, diminuiu a popularidade do anel de noivado.

Joias da era georgiana são difíceis de encontrar hoje - isso se deve ao fato de que a maioria dos joalheiros derretia peças extras ou usadas para criar novas que seguissem as tendências. Como resultado da raridade das joias dessa época, as joias autênticas da era georgiana são extremamente caras hoje, sendo vendidas por $ 3.000 a $ 4.000 dólares por algo tão simples como uma aliança de ouro.


A primeira coisa a entender é que existem diferenças sutis entre o estilo dos móveis da Geórgia e da Regência & # 8230.

A primeira coisa a verificar é que tipo de madeira foi usada. É provável que as peças georgianas usem carvalho e mogno. O mogno é caracteristicamente uma madeira dura, de cor marrom-avermelhada escura que escurece com o tempo e dá brilho a um brilho avermelhado. O carvalho é novamente conhecido por sua dureza, também pode ter marcas de grãos muito atraentes e é encontrado nas variedades vermelha e branca. Red Oak, às vezes referido como Black Oak, tem um tom rosado e é o mais popular dos dois. O carvalho branco tem um tom ligeiramente esverdeado.

As principais peças de mobiliário georgiano em áreas de entretenimento seriam aparadores, mesas de console com tampos de mármore, escrivaninhas Kneehole, armários de bebidas, mesas de carteado e estantes de livros com fachada de vidro. Nos quartos e camarins chaise longues, camas de madeira com dossel e lavatórios.

Mesa de tambor com tampo de couro estilo georgiano

Designers importantes do período georgiano são principalmente Hepplewhite e Chippendale.

Estilo Hepplewhite

Sofá em estilo Hepplewhite com pés quadrados afilados

Sofá estilo Hepplewhite, observe o padrão geométrico do tecido e o estilo das pernas mais retas visto em todas as 3 peças

Uma característica vista em muitos designs Hepplewhite é o encosto de uma cadeira em formato de escudo.

uma típica cadeira de encosto com escudo

As peças Hepplewhite geralmente têm pernas retas, que podem ser quadradas ou afiladas e freqüentemente têm bordas caneladas ou estriadas, em imitação das colunas clássicas.

Alguns exemplos de pernas estilo Hepplewhite, todas afinando (ficam mais estreitas) em direção ao pé

Os pés do estilo Hepplewhite geralmente têm um pé em forma de flecha cônico ou em forma de pá.

Os pés de suporte eram comuns em baús, estantes de livros e escrivaninhas, pois eram mais pesados. As peças no estilo Hepplewhite têm formas geométricas simples, geralmente curvas ou circulares.

Estilo Chippendale

The designs of Thomas Chippendale cover a wide range of styles, from Rococo to Gothic, neoclassic and oriental style. Chippendale covered such a wide variety of items and styles and set the bar for furniture makers to come, so there are a lot of pieces in Chippendale style. Chippendale style furniture can be a little harder to spot, so I will point out a few of the easiest things to look for.

There are six different basic Chippendale style legs. These are the lion’s paw, the ball and claw, and the club, based on the cabriole shape which is an elegant, serpentine style ending in a distinctive foot.

The remaining leg styles are straight with the Marlborough being a plain, square leg the spade a tapered round leg often with a square or trapezoid foot and the late Chippendale having a square leg with a square foot.

A pair of Chippendale dining chairs, with intricate carving and claw and ball feet

The claw and ball feet seen again here on this mahogany desk with carved skirting

A Chippendale style chest, with shell pattern carving seen often in this period. This chest has the bracket foot used on heavier pieces.

As these items are now antiques, their price can really vary depending on the maker, the condition of the piece, the pieces history of ownership, where you are, and your bargaining skills! However, it is worth adding that presently its possible to pick up pieces at a comparatively low cost. In essence they aren’t seen as being particularly ‘fashionable’ at the moment so at salvage companies like Lassco at Brunswick House you can buy a beautiful 18th Century Mahogany table for less than you might spend on a modern mass-produced one.

There’s also the option of buying reproduction pieces instead of original Georgian furniture. There are a number of companies who produce expertly crafted pieces, akin to the originals, but you get them in perfect condition. They’ll then last you and your family for many decades to come.

Bringing a classic piece up to date

I think it’s really worth investing in a classic piece and bringing it up to date with the use of modern fabrics. There is no denying that antique pieces were made in stronger woods and with more care to detail, so by adding a contemporary fabric you will have a great classically inspired piece that still works in a modern setting and will be totally unique to you.

A classic piece reupholstered in a contemporary fabric

I recommend going to a professional re-upholstering company that specialize in the re-upholstery of antiques, as they will give a great finish and even repair parts of your product to reinforce it and make it last much longer. Etons of Bath can help point you in the right direction.

If that’s a little out of your price range, I have found this great tutorial on how to do a DIY fabric upholstery on an antique chair.

I hope this blog has helped you to understand a little more on some typical Georgian furniture pieces. They are beautifully and expertly made and can compliment any home setting, and personally I find them a lot more interesting than cheap, mass produced goods of today. To see how I have used classic Georgian furniture pieces in homes in Bath and Bristol, have a look at our portfolio


Seventeenth-Century Rings

Toward the end of the sixteenth century and the beginning of the seventeenth century, a marked change in jewelry and ring styles took place. Just as the Renaissance period was highlighted by ornate gold settings this era was distinguished by a growing emphasis on the gemstone. Refinements in cutting and foiling techniques resulted in a greater diversity of shapes and an emphasis on displaying the beauty of the gems themselves. Enamel is now typically used only as an accent in either white or black and, while gold is still used for colored gemstones, diamonds are set off in silver. Large stones are now worn and set as solitaires while arrangements of smaller stones are set in a myriad of shapes including stars, rosettes, and cruciforms. Details on the shoulders are kept subdued and most often as an engraved foliate motif simply enhanced by black and white enamel.

The prevalence of death was an inescapable part of everyday life in the 1700s. Continued plagues, widespread poverty, famine, and war – all these Malthusian factors served to keep death a common presence and the wearing of memento mori rings popular. A variety of ring styles were used with memento mori themes including signets, wedding rings with a skull between two hands, and locket rings featuring skulls and crossbones. As with other rings, gemstones if affordable, added an element of less austere ornamentation.

By the second half of the seventeenth century, memento mori imagery began to merge with the mourning ring. Distributed according to wills, seventeenth-century mourning rings were inscribed with details such as the individual’s name, initials, coat of arms and date of death. A plain gold band or band of gold enameled all the way around in emblems of death and burial, with an inner inscription were characteristic. Locks of hair were sometimes contained in locket bezels or in hollow hoops. The increasing popularity of bequeathing mourning rings is generally attributed to the execution of the English King Charles I in 1649. Supporters of the monarchy wore jewelry, most often rings, made of a flat topped quartz crystal which covered a gold wire cipher or crown set upon a background of plaited hair. This style known as Stuart Crystals would continue to be popular into the 18th century.

Memento Mori Ring, 17th Century. Skeleton Holding an Hourglass Surmounted on Braided Hair.
Schmuckmuseum Pforzheim, Germany.


Inglaterra

About 1720, mahogany was imported into England and slowly superseded walnut as the fashionable wood for furniture. The Palladian (after the Italian Renaissance architect Andrea Palladio) interiors demanded furniture more striking and larger in scale than the walnut-veneered pieces of the early 18th century. Inspired by the interiors of French and Italian palaces, architects such as William Kent began to design furniture. The design was Classical, in keeping with the traditions of Palladio and the English architect Inigo Jones the ornament was Baroque. At Holkham Hall in Norfolk, Rousham Hall in Oxfordshire, and elsewhere, Kent’s furniture may be seen in its proper environment: gilt mirrors and side tables with sets of chairs and settees covered with patterned velvets matching the grandeur of elaborate architectural Palladian interior decoration.

Despite the resistance of the Palladian Classicists who deplored its asymmetrical principles, in the 1740s the Rococo style crept into English decoration and furniture design. During this decade pattern books of ornament in the full Rococo style by Matthias Lock and Henry Copland were published in London and in 1754 Thomas Chippendale published his Gentleman and Cabinet Maker’s Director, which provided patterns for a wide range of English furniture in the Rococo style and its Chinese and Gothic offshoots. During the following years several similar works were published by such craftsmen and designers as William Ince and Thomas Mayhew, Thomas Johnson, and Robert Manwaring. The Rococo style was firmly established in England throughout the 1750s and into the 1760s. Chippendale and other cabinetmakers borrowed not only ornament from the French rocaille but designs for individual types. Chippendale’s fame rests largely on his publication, though in fact it has now been more or less conclusively proved that he himself was not responsible for the designs, but employed two other designers, Lock and Copland. There were several cabinetmakers—for example, William Vile and John Cobb—whose only memorial is a small quantity of furniture attributable to them. Though it has become the practice to speak of a Chippendale chair or a Vile commode, this does not imply that the pieces were actually made by these craftsmen but that they were made in their workshops.

By mid-18th century every act of the day that necessitated the use of furniture was catered to by some specialized piece, while the basic furniture such as chairs, cupboards, beds, and tables were designed and decorated in innumerable forms. The number of variants on the Rococo chair splat runs into several hundreds. The ingenuity of the cabinetmaker and carver knew few limitations.

An offshoot of the Rococo style, the Gothic taste was particularly well developed in England. Starting early in the century as a literary device, in the 1740s it began to take more solid shape in architecture, interior decoration, and furniture. As with furniture in the Chinese taste, Gothic furniture bore no relation to its medieval equivalents the ornaments, such as tracery and cusped (a point formed by the intersection of two arcs or foils) arches, applied to furniture were borrowed from Gothic architecture. The Gothic taste was much publicized by the writer Horace Walpole’s celebrated villa, Strawberry Hill, in Middlesex, England. Chippendale included designs for furniture in the Gothic taste in all three editions of his Diretor.


HOME DESIGN A HOUSE IN THE GEORGIAN MODE

If David Anthony Easton has anything to say about the future of American architecture, a third category will vie with modernism and postmodernism - a classification that might be dubbed premodernism. Its most salient characteristic: the absence of any trace of having been created in the 20th century. The Illinois house shown here and on the following pages is just one of several ambitious ''period'' houses that have been designed since 1976 by David Easton's New York firm. Although he has architects on his staff, Easton is an interior designer. He brings to his houses a concern for surface and an unabashed affection for history that make them differ materially from work done by architects - even those few who claim to be traditionalists.

Despite the occasional postmodernist ''reference'' that swerves perilously close to out-and-out imitation, architects generally have serious qualms about indulging in historic reproduction. Decorators, on the other hand, tend to be less inclined to see themselves as standard-bearers for the age in which they work. Many, in fact, seem drawn to their profession because it permits them to immerse themselves in design from the past. Easton taught design history at Parsons School of Design for five years. He believes that familiarity with the past enriches all of design - modern and traditional.

In addition to a fondness for history, Easton brings to his houses a distinctly decorative sensibility. Although conceived in ''one take,'' the Illinois house was intentionally made to look as if it had been added to at various points in history. A rambling quality was achieved by contriving an '𧫝ition,'' the west wing, that appears to have been added to the ''original'' structure, a pure 18th-century-style Georgian square. The addition, while essentially Georgian, takes license. The greenhouse portion, for example, 'ɼould only have happened in the early 19th century,'' according to Easton. ''I didn't want to create a house that was stiff and museumlike. Williamsburg is a bore.'' o combat stiffness, Easton indulged in a touch of eclecticism -a familiar decorator's trick. So is the use of mottled materials -the exterior is made of uncleaned brick and pocked Texas shellstone - to achieve an appearance of age. Indoors the attention to surface is unabated: Woodwork is painted and then glazed to look less bright, engraved rimlock plates are ground down to ap-proximate the effects of centuries of polishing, and floors are scraped with lye and steel brushes before finishing to relieve any offending sense of being too new. ''We wanted everything to look as if a bit of dust had gathered,'' Easton explains.

Another decorator's attribute that Easton brings to such jobs is the romantic's aptitude for assimilating the intricacies of domesticity on a grand scale. ''It's not just a matter of understanding that the owners and their guests want to be able to push their breakfast trays into the corridor without being observed,'' Easton says. ''There is also the complex hierarchy among the staff. Chefs, butlers, housekeepers and secretaries each have their own empires. The design of the house must accommodate them.''

Easton and his staff worked on the Illinois house for nearly four years, researching, designing and collecting. ''It opened up a whole new world for me,'' says Boris Baranovich, an architect who joined Easton to work on this house. ''I had been schooled in comtemporary architecture, so I had to struggle with myself in the beginning to justify what I was doing.'' Unlike much traditional design, this house manages to be neither timid nor trendy. While Easton assiduously avoided the sort of chic styling that tends to date period rooms, he was equally careful to steer clear of the sort of neutral detailing that could pass for virtually any period. He and his staff designed a Georgian house as if they were Georgian architects: sticking strictly to the vocabulary of the period, they ''invented'' with bravura. aturally, there were compromises. Authentic Georgian architecture has loadbearing masonry walls. The masonry walls in this house bear no loads indeed, they are veneer - just for show. Consequently, the wood-andsteel frame walls had to be constructed in pairs to achieve an appearance of masonrylike thickness at windows and door openings. Then air-conditioning and heating ducts, telephones, even electical outlets had to be inobtrusively woven in. And finally, the separation of the front and back of the house, which was absolute in the 18th century, had to be modified to meet this modern family's needs. Since the owners do some of their own cooking, the kitchen was given more than the strictly utilitarian treatment customary to kitchens that are used only by staff the family's breakfast room was designed to flow directly into the kitchen in the modern mode.

Even so, the house is an anachronism, placing special pressures on those who live in it. Majestic entries were not designed to be dashed through, nor grand staircases to be skipped down. Killing time gracefully is Georgian architecture's sine qua non. The intention is to elevate to ritual such mundanities as walking from one room to the next. In the Georgian house of the 18th century, a processional arrangement of rooms through which one traveled with stately bearing was a compensation for the tedium of passing day after day, year after year, largely bound to the house. Today, such a house can seem inhibiting, its circulation patterns cumbersome. For better or worse, the very floor plan


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Eighteenth Century Ireland, Georgian Ireland

The 18th century tended to be neglected by Irish historians in the 20th century. Irish achievements in the 18th century were largely those of Protestants, so Catholics tended to disregard them. Catholic historians concentrated on the grievances of the Catholics and exaggerated them. The Penal Laws against Catholics were stressed regardless of the fact that most of them affected only a small number of rich Catholics, the Catholic landowners who had sufficient wealth to raise a regiment of infantry to fight for the Catholic Stuart pretenders. The practice of the Catholic religion was not made illegal. Catholic priests could live openly and have their own chapels and mass-houses. As was the law at the time, the ordinary workers, Catholic or Protestant, had no vote, and so were ignored by the political classes. Nor had they any ambitions in the direction of taking control of the state. If they had local grievances, and in many places they had, especially with regard to rents and tithes, they dealt with them locally, and often brutally, but they were not trying to overthrow the Government. If some of them looked for a French invasion it was in the hope that the French would bring guns and powder to assist them in their local disputes. It is a peculiarity, as yet unexplained, that most of the Catholic working classes, by the end of the century, had names that reflected their ancestry as minor local chiefs. The question remains where did the descendants of the former workers, the villeins and betaghs go? The answer seems to be that in times of war and famine the members of even the smallest chiefly family stood a better chance of surviving. This would explain the long-standing grievance of the Catholic peasants that they were unjustly deprived of their land. We will perhaps never know the answer to this question. Penal Laws against religious minorities were the norm in Europe. The religion of the state was decided by the king according to the adage cuius regio eius religio (each king decides the state religion for his own kingdom). At the end of the 17th century, the Catholic landowners fought hard for the Catholic James II. But in the 18th century they lost interest and preferred to come to terms with the actually reigning monarch, and became Protestants to retain their lands and influence. Unlike in Scotland, support for the Catholic Stuarts remained minimal. Nor was there any attempt to establish in independent kingdom or republic. When such an attempt was made at the very end of the century it was led by Protestant gentlemen in imitation of their American cousins. Ireland in the 18th century was not ruled by a foreign elite like the British raj in India. It was an aristocratic society, like all the other European societies at the time. Some of these were descendants of Gaelic chiefs some were descendants of those who had received grants of confiscated land some were descendants of the moneylenders who had lent money to improvident Gaelic chiefs. Together these formed the ruling aristocracy who controlled Parliament and made the Irish laws, controlled the army, the judiciary and the executive. Access to this elite was open to any gentleman who was willing to take the oath of allegiance and conform to the state church, the Established Church but not the nonconformists. British kings did not occupy Ireland and impose foreign rule. Ireland had her own Government and elected Parliament. By a decree of King John in the 12th century, the Lordship of Ireland was annexed to the person of the king of England. When not present in Ireland in person, and he rarely was, his powers were exercised by a Lord Lieutenant to whom considerable executive power was given. He presided over the Irish Privy Council which drew up the legislation to be presented to the Irish Parliament. One restraint was imposed on the Irish Parliament. By Poynings’ Law it was not allowed to pass legislation that infringed on the rights of the king or his English Privy Council. The British Parliament had no interest in the internal affairs of Ireland. The Irish Council were free to devise their own legislation and they did so. The events in Irish republican fantasy are examined in detail. The was no major rebellion against alleged British rule. The vast majority of Catholics and Protestants rallied to the support of their lawful Government. The were local uprisings easily suppressed by the local militias and yeomanry. Atrocities were not all on one side. Ireland at last enjoyed a century of peace with no wasteful and destructive wars within its bounds. No longer were its crops burned, its buildings destroyed, its cattle driven off, its population reduced by fever and famine. Its trade was resumed and gradually wealth accumulated and was no longer dispersed on local wars. Gentlemen, as in England, could afford to build great country and town houses. The arts flourished as never before. Skilled masons could build great houses. Stone cutters could carve sculptures. The most delicate mouldings could be applied to ceilings. The theatre flourished. While some gentlemen led the life of wastrels, others devoted themselves to the promotion of agriculture and industry. Everywhere mines were dug to exploit minerals. Ireland had not the same richness of minerals as England, but every effort was made to find and exploit them. Roads were improved, canals dug, rivers deepened, and ports developed. Market towns spread all over Ireland which provided local farmers with outlets for their produce and increased the wealth of the landlords. This wealth was however very unevenly spread. The population was ever increasing and the poor remained miserably poor. In a bad year, hundreds of thousands of the very poor could perish through cold and famine. But the numbers of the very poor kept on growing. Only among the Presbyterians in Ulster was there emigration on any scale. Even before the American Revolution they found a great freedom and greater opportunities in the American colonies. Catholics, were born, lived and died in the same parish. Altogether it was a century of great achievement.


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Comentários:

  1. Kyne

    Nele algo está. Agora tudo ficou claro para mim, muito obrigado pela informação.

  2. Driscoll

    Isso o machucou! Chegou até ele!

  3. Akijora

    maravilhosamente, é a resposta de valor

  4. Destin

    Há algo nisso. Muito obrigado pela explicação, agora não vou cometer esse erro.

  5. Prince

    Sinto muito, mas acho que você está errado. Tenho certeza. Eu posso provar. Envie -me um email para PM, discutiremos.

  6. Renny

    Na minha opinião, isso é óbvio. Tente procurar a resposta para sua pergunta no google.com

  7. Finbar

    Na mina o tema é bastante interessante. Dê com você, nos comunicaremos no PM.



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