The Dawn of Commercial Cinema

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Em 28 de dezembro de 1895, os irmãos Lumière, pioneiros do cinema moderno, transmitiram filmes para um público pagante pela primeira vez na história. Como resultado, essa data foi associada para sempre ao início da era cinematográfica e à imensa mudança que essa tecnologia trouxe para nossas vidas.

Esses franceses, August e Louis, não inventaram o cinema em movimento, mas o levaram a um nível em que ele poderia ser usado como meio de entretenimento popular pela primeira vez.

Por gerações, a Ilha de Drake, situada nos arredores do porto de Plymouth, havia pertencido ao Ministério da Defesa. Recentemente, no entanto, este bastião da ilha tornou-se propriedade privada. Neste documentário, Bob King, o porteiro da Ilha de Drake, oferece a Dan um tour exclusivo por esse pedaço de terra extremamente militarizado.

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Filme encontrando seu caminho

O prolífico inventor americano Thomas Edison já havia desenvolvido um “cinetoscópio” para visualizar imagens em movimento, mas o problema com esse dispositivo “peep-show” era que ele só podia ser visto por uma pessoa de cada vez.

Thomas Edison em 1922.

Os Lumières estavam no florescente negócio da fotografia desde o início dos anos 1880, mas quando o herdaram após a aposentadoria de seu pai, decidiram levá-lo para uma nova e ambiciosa direção.

Em sua pequena fábrica em Lyon, eles desenvolveram várias tecnologias essenciais para uma câmera de filme em funcionamento, principalmente as perfurações de filme, os orifícios cuidadosamente feitos na lateral do filme físico preto. Em 1892, um escritor francês chamado Léon Bouly topou com a ideia e os projetos preliminares para o que ele chamou de “Cinematograph”.

A principal diferença entre esta máquina e a de Edison era que ela também continha um projetor, permitindo que várias pessoas vissem um filme em movimento ao mesmo tempo. Com pouco dinheiro e conhecimento técnico real, no entanto, Bouly vendeu seus direitos sobre o nome e design para os Lumières, que então começaram a transformar seu sonho em realidade.

De Oliver Cromwell a Robin Cook, de Ellen Wilkins a Margaret Thatcher, de Edmund Burke a Winston Churchill. Dan Snow relembra alguns dos maiores discursos já feitos em Westminster.

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Visão dos Lumières

Em fevereiro de 1893, os irmãos patentearam com sucesso sua própria versão amplamente melhorada do Cinematograph e conseguiram tirar seu primeiro filme, Sortie de l’usine Lumière de Lyon, mostrou trabalhadores saindo de suas fábricas em dois anos.

Depois de uma exibição pública bem-sucedida do filme no primeiro cinema do mundo no sul da França, eles perceberam que havia enormes lucros a serem obtidos com as exibições pagas.

Depois de uma campanha publicitária de sucesso, a primeira exibição comercial do mundo aconteceu no Grand Café Boulevard des Capuchines em Paris, onde os Lumières exibiram seus primeiros dez filmes para um público admirado.

Cada filme tinha cerca de 17 metros de comprimento, durava menos de um minuto e precisava ser girado manualmente por meio de um projetor, mas a recepção foi de espanto e deleite. Na grande Exposição de Paris de 1900 o cinematógrafo foi uma das principais atrações, e os irmãos levaram sua invenção para todo o mundo, atraindo multidões fascinadas.

Postal da Exposição de Paris (ou L'Exposition Universelle), 1900. (Crédito: Paris-16).

A era do cinema havia começado e, em 1906, filmes de longa-metragem de uma hora eram possíveis, pois o potencial da tecnologia explodiu em vida.


Edifícios comerciais da Monroe Avenue

o Edifícios comerciais da Monroe Avenue, também conhecido como Bloco Monroe, é um distrito histórico localizado ao longo de um trecho de um quarteirão e meio na 16-118 Monroe Avenue em Detroit, Michigan, próximo à Woodward Avenue, no extremo norte do Campus Martius. O distrito foi designado um Sítio Histórico do Estado de Michigan em 1974 [2] e listado no Registro Nacional de Locais Históricos em 1975. [1] Os treze edifícios originais foram construídos entre 1852 e 1911 e variavam de dois a cinco andares de altura. [2] O National Theatre, construído em 1911, é o mais antigo teatro sobrevivente em Detroit, uma parte do distrito teatral original da cidade no final do século 19, e a única estrutura sobrevivente do período histórico original dos Prédios Comerciais da Monroe Avenue. [3] [4]


1. Kubrick tentou comprar seguro para estrangeiros

Pouco antes da NASA e # x2019s Mariner 4 nave espacial passou Marte em julho de 1965, um preocupado Kubrick tentou fazer uma apólice de seguro com Lloyd & # x2019s de Londres & # x2014 no caso de a descoberta de vida extraterrestre arruinar o enredo que ele estava trabalhando com o escritor de ficção científica Arthur C. Clarke. & # x201Como os subscritores conseguiram calcular o prêmio, não consigo & # x2019t imaginar, & # x201D Clarke escreveu maravilhado, & # x201C mas o número que eles citaram era ligeiramente astronômico e o projeto foi abandonado. Stanley decidiu se arriscar com o universo. & # X201D No final, MarinheiroAs fotos do & # x2019s mostraram uma superfície áspera, craterada, semelhante à lua, que imediatamente abafou a esperança de que vida inteligente & # x2014 ou, de fato, qualquer vida & # x2014 poderia existir naquele planeta.

Arthur Clarke, autor de & # x20182001: A Space Odyssey. & # X2019 (Crédito: Sipa / AP Photo)


The Dawn of Commercial Cinema - História

“esta foi a primeira tentativa de formação de uma câmera obscura, instrumento que trouxe benefícios incalculáveis ​​à humanidade”.

Este texto examinará toda essa história, desde a imagem do pinhole até a tela. Nosso objetivo é fornecer a visão mais completa, exaustiva e abrangente de todos os componentes que constituem o meio do filme e dar-lhe vida e sustento no processo.

Apresentada cronologicamente, A HISTÓRIA DA DESCOBERTA DA CINEMATOGRAFIA engloba uma recriação histórica e factual própria, combinando todas as propriedades da cinematografia e as pessoas responsáveis ​​por sua descoberta ou invenção, e ligando essas peças em uma história em constante desenrolar. A visão real que muitas dessas personalidades tiveram durante seu envolvimento neste fascinante processo de criatividade, produção e aprimoramento é surpreendente.

Eles deram sua primeira exibição de filme privada em março de 1895, e em dezembro começaram as exibições públicas no Grand Café em Paris. Estes se tornaram populares quase imediatamente e, em 1896, o Lumi & egravere's converteu uma sala do café no primeiro cinema do mundo. O Cinématographe espalhou-se rapidamente pela Europa e, em 1896, foi importado para os Estados Unidos.


Cinema Indiano

A Índia tem uma das maiores e mais antigas indústrias cinematográficas do mundo. Foi no início de 1913 que um filme indiano foi exibido ao público. O filme era Raja Harischandra. Seu diretor, Dadasaheb Phalke, é agora lembrado por um prêmio vitalício concedido pela indústria cinematográfica em seu nome. Naquela época, era muito difícil arranjar alguém para interpretar o papel das mulheres. Entre as classes médias, essa associação do agir com a perda da virtude, do pudor feminino e da respeitabilidade só recentemente foi questionada.

Enquanto vários outros cineastas, trabalhando em várias línguas indianas, foram os pioneiros no crescimento e desenvolvimento do cinema indiano, o sistema de estúdio começou a surgir no início dos anos 1930. Seu primeiro filme de maior sucesso foi Devdas (1935), cujo diretor, P.C. Barua também apareceu no papel principal. A Prabhat Film Company, fundada por V. G. Damle, Shantaram, S. Fatehlal e dois outros homens em 1929, também alcançou seu primeiro sucesso nessa época. Sant Tukaram (1936), de Damle e Fatehlal, realizado em Marathi, foi o primeiro filme indiano a obter reconhecimento internacional.

Os filmes sociais de V. Shantaram, mais do que qualquer outra coisa, abriram caminho para todo um conjunto de diretores que se encarregaram de interrogar não apenas as instituições do casamento, dote e viuvez, mas também as graves desigualdades criadas por casta e classe. distinções. Alguns dos problemas sociais receberam sua expressão mais inequívoca em Achhut Kanya ("Untouchable Girl", 1936), um filme dirigido por Himanshu Rai de Bombay Talkies. O filme retrata as angústias de uma garota harijan, interpretada por Devika Rani, e um menino brâmane, interpretado por Ashok Kumar.

A próxima fase notável do cinema hindi está associada a personalidades como Raj Kapoor, Bimal Roy e Guru Dutt. Filho de Prithviraj Kapoor, Raj Kapoor criou alguns dos filmes mais admirados e memoráveis ​​do cinema hindi.

Awaara (The Vagabond, 1951), Shri 420 (1955) e Jagte Raho (1957) foram sucessos comerciais e de crítica. Do Bigha Zamin de Bimal Roy, que mostra a influência do neo-realismo italiano, explorou a vida dura do campesinato nas condições mais adversas. Nesse ínterim, o cinema hindi viu a ascensão de seu primeiro gênio reconhecido, Guru Dutt, cujos filmes criticavam as convenções da sociedade e deploravam as condições que induzem os artistas a abandonar sua inspiração. De Devdas de Barua (1935) a Sahib de Guru Dutt, Bibi aur Gulam, o tema do "amor predestinado" é grande: para muitos oponentes, um sentimentalismo piegas caracteriza até mesmo o melhor do cinema hindi antes da chegada do cinema indiano novo ou alternativo Na década de 1970.

É sem dúvida que, sob a influência de cineastas bengalis como Satyajit Ray, Ritwik Ghatak e Mrinal Sen, o cinema indiano, não apenas em hindi, também começou a dar uma guinada um pouco diferente na década de 1970 contra a maré do comercial cinema, caracterizado por rotinas de música e dança, tramas insignificantes e dramas familiares. Ghatak passou a servir como diretor da Escola de Cinema e Televisão em Pune, de onde a primeira geração de uma nova geração de cineastas e atores indianos - Naseeruddin Shah, Shabana Azmi, Smita Patil e Om Puri entre os últimos foi emergir.

Esses cineastas, como Shyam Benegal, Ketan Mehta, Govind Nihalani e Saeed Mirza, exibiram uma sensibilidade estética e política diferente e estavam inclinados a explorar as contradições de casta e classe da sociedade indiana, a natureza da opressão sofrida pelas mulheres, a deslocamentos criados pelo industrialismo e a migração das áreas rurais para as urbanas, o problema dos sem-terra, a impotência dos procedimentos democráticos e constitucionais comuns de reparação, e assim por diante.

O popular cinema hindi é caracterizado por mudanças importantes, numerosas demais para receber mais do que a mais leve menção. A rotina de canto e dança está agora mais sistematizada, mais regular em seus padrões o 'outro', seja na forma do terrorista ou do vilão inalterável, tem uma presença mais sombria e o estado-nação está mais fixado em suas demandas sobre nossa lealdade e reverência a diáspora indiana é uma presença maior no imaginário indiano e assim por diante. Estas são apenas algumas considerações: quem deseja descobrir o mundo do cinema indiano também deve replicar sobre sua presença em espaços indianos, sua relação com as formas de arte vernácula e a arte de massa.

A indústria cinematográfica indiana, notoriamente conhecida como Bollywood, é a maior do mundo e possui grandes estúdios de cinema em Mumbai (Bombaim), Calcutá, Chennai, Bangalore e Hyderabad. Juntos, eles lançam mais de 1000 filmes por ano para um público extremamente agradecido em todo o mundo. Por quase 50 anos, o cinema indiano tem sido a forma central de entretenimento na Índia e, com sua maior visibilidade e sucesso no exterior, não demorará muito até que a indústria cinematográfica indiana seja bem pensada para ser sua contraparte ocidental. Hollywood. Os lançamentos comerciais convencionais, no entanto, continuam a dominar o mercado, e não apenas na Índia, mas onde quer que o cinema indiano tenha um grande número de seguidores, seja em grande parte do Caribe Britânico, Fiji, África Oriental e do Sul, Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, ou o Oriente Médio.

A Índia é bem conhecida por seu cinema comercial, mais conhecido como Bollywood. Além do cinema comercial, há também o cinema de arte indiano, conhecido pelos críticos de cinema como "Novo Cinema Indiano" ou, às vezes, "a Nova Onda Indiano" (veja a Enciclopédia do Cinema Indiano). Muitas pessoas na Índia chamam esses filmes de "filmes de arte", em oposição ao cinema comercial convencional. Dos anos 1960 até os anos 1980, o filme de arte ou o cinema paralelo era geralmente o cinema apoiado pelo governo.

O cinema comercial é a forma de cinema mais popular na Índia. Desde o seu início, os filmes indianos comerciais tiveram um grande número de seguidores. O cinema comercial ou popular é feito não apenas em hindi, mas também em muitas outras línguas regionais do leste e do sul da Índia. Vejamos algumas das convenções gerais de filmes comerciais na Índia. Os filmes comerciais, em quaisquer línguas em que são feitos, tendem a ser bastante longos (cerca de três horas), com um intervalo. Outra característica importante do cinema comercial na Índia é a música.

A Índia é o lar de uma das maiores indústrias cinematográficas do mundo. Todos os anos, milhares de filmes são produzidos na Índia. A indústria cinematográfica indiana é composta por filmes hindus, filmes regionais e cinema de arte. A indústria cinematográfica indiana é apoiada principalmente por um vasto público indiano que vai ao cinema, embora os filmes indianos tenham ganhado popularidade crescente no resto do mundo, especialmente em países com grande número de indianos emigrantes.


Obituário de Georges Lautner

Desde os primórdios do cinema, a França produziu, simultânea e ininterruptamente, bons filmes convencionais e filmes de arte. Georges Lautner, falecido aos 87 anos, afirmou descaradamente que os quase 50 filmes que dirigiu de 1958 a 1992 pertencem à primeira categoria. Os filmes de Lautner, principalmente de policiais e ladrões, estão entre os filmes mais populares já feitos na França.

"Não queria glória nem fazer obras-primas, mas filmes populares que agradassem ao maior número", explicou certa vez. "O reconhecimento internacional não me interessou. Eu era apaixonado pelo que fazia com minha equipe fiel. Fizemos os filmes que queríamos o mais rápido possível. Mas com o tempo, meus filmes comerciais parecem quase intelectuais."

Os filmes subestimados de Lautner nunca foram convidados para Cannes até que, em 2012, o festival montou uma tardia "Homenagem a Georges Lautner". Sua morte levou o presidente François Hollande a declarar que seus filmes "se tornaram parte do patrimônio cinematográfico de nosso país". Alguns deles também acumularam o epíteto "culto", em particular Les Tontons Flingueurs (1963), traduzido em inglês como Monsieur Gangster ou Crooks in Clover (literalmente The Killer Uncles). Poucas semanas antes da morte de Lautner, uma rua em Nantes foi chamada Rue des Tontons Flingueurs, por causa de uma menção a uma personagem chamada Lulu la Nantaise, evocada por Bernard Blier em uma cena hilariante em que um grupo de gangsters se blotam em torno de uma cozinha tabela.

o scène de la cuisine está entre as mais célebres da França, cujo diálogo muitos cineastas sabem de cor, assim como outras linhas escritas por Michel Audiard, um mestre da argota francesa espirituosa e mordaz. Uma linha do filme, "Les cons ça ose tout. C'est même à ça qu'on les reconnaît"(" Os idiotas ousam tudo. É assim que os reconhecemos "), falada por Lino Ventura, passou a fazer parte do léxico francês, mais ou menos da mesma forma que o público britânico ainda aprecia" Infâmia! Infâmia! Todos eles estão contra mim! "De Carry on Cleo.

Além de um thriller justificadamente esquecido, Presumed Dangerous (1990), com Robert Mitchum no papel coadjuvante, o único filme em inglês de Lautner foi Road to Salina (1970) estrelado por Mimsy Farmer, Robert Walker Jr e Rita Hayworth, filmado principalmente em as Ilhas Canárias. Quentin Tarantino usou uma música do filme em Kill Bill Volume 2.

Lautner nasceu em Nice, filho de um joalheiro e aviador vienense, e de Marie Louise Vittore que, como Renée Saint-Cyr, era uma estrela de cinema, aparecendo posteriormente em 11 dos filmes de seu filho. Aos sete anos, Lautner foi para Paris quando sua mãe iniciou sua carreira no cinema e descobriu o cinema. Depois de deixar a escola, ele começou a arranjar biscates nos estúdios. Uma aprendizagem como assistente de direção levou aos seus primeiros filmes como diretor.

Depois de três dramas mornos, Lautner encontrou seu forte com Le Monocle Noir (The Black Monocle, 1961), livremente adaptado das memórias do Coronel Rémy, um agente secreto durante a segunda guerra mundial. Lautner o transformou em um thriller de comédia estrelado por Paul Meurisse como um espião conhecido como "o Monóculo", porque ele cobriu seu olho cego com um monóculo preto. A performance deliciosamente excêntrica e irônica de Meurisse foi repetida em sequências igualmente bem-sucedidas: L'Oeil du Monocle (O Olho do Monocle, 1962) e Le Monocle Rit Jaune (O Monocle, 1964).

Embora Lautner tenha continuado a fazer comédias paródicas de sucesso durante os anos 1960, como Les Tontons Flingueurs e Les Barbouzes (The Great Spy Chase, 1964), ele ocasionalmente se perdia no drama. Na verdade, seu filme favorito era Le Septième Juré (O Sétimo Jurado, 1962) sobre um homem casado (Blier) que mata uma garota que rejeita seus avanços. Quando seu namorado de má reputação é acusado do crime, ele se vê no júri. Lautner lida com as reviravoltas da trama e o final irônico com desenvoltura.

O melodrama assassino Galia (1966) teve um lançamento bastante lucrativo no Reino Unido e nos Estados Unidos, principalmente por causa da presença despida da ex-modelo Mireille Darc, que estrelou uma dezena de filmes de Lautner. Na verdade, o diretor tentou manter a mesma equipe filme a filme: os atores Darc, Ventura, Blier, Francis Blanche e Jean Lefebvre, o escritor Audiard e o diretor de fotografia Maurice Fellous.

"O que lhe interessa é ter bons atores e um bom escritor", observou Fellous. “Ele dizia: 'Se você me fizer um belo filme, vai demorar uma hora. É dinheiro que não terei para um ator melhor para o segundo ou terceiro papel.' Mas ele acrescentaria: 'Em cada um dos meus filmes, você terá uma sequência para se divertir.' "

Havia muitas sequências com as quais o diretor de fotografia poderia se divertir em dramas policiais animados, como Le Pacha (Pasha, 1968), em que Jean Gabin traz sua presença dominante como um inspetor de polícia cansado do mundo Il Était une Fois un Flic (Flic Story, 1971) e Flic ou Voyou (Cop ou Hood, 1979), este último o primeiro de cinco filmes de Lautner estrelados por Jean-Paul Belmondo.

Um deles, Le Professionnel (The Professional, 1981) - o maior sucesso de bilheteria de Lautner nos anos 80 - foi um divertido filme de ação com um enérgico Belmondo como agente secreto. O filme final de Lautner foi L'Inconnu dans la Maison (Um Estranho na Casa, 1992), no qual um subjugado Belmondo interpreta um advogado bêbado que investiga um assassinato.

A esposa de Lautner, Caroline, que ele conheceu em 1949, morreu há quase 20 anos. Ele deixa sua filha, Alice, e seu filho, Thomas.

Georges Lautner, diretor de cinema, nascido em 24 de janeiro de 1926 morreu em 22 de novembro de 2013


Sucesso do século 21

Com os avanços da tecnologia, os estúdios ficaram mais confortáveis ​​com a tecnologia 3-D. A Disney lançou seu longa-metragem de animação de 2005 "Chicken Little in 3-D" em quase 100 cinemas nos Estados Unidos. O ano de 2006 viu o lançamento de "Superman Returns: An IMAX 3-D Experience", que incluía 20 minutos de filmagens 2-D que foram "convertidas" para 3-D, um processo que permitiu aos cineastas e estúdios criarem 3- Filmes em D usando filme gravado em 2-D. Um dos primeiros filmes a passar por esse processo de conversão foi "The Nightmare Before Christmas", de 1993, que foi relançado em uma versão 3-D em outubro de 2006.

Nos três anos seguintes, os estúdios lançaram um fluxo constante de filmes em 3-D, principalmente filmes de animação por computador. Mas o filme que mudou o jogo foi "Avatar", de James Cameron, um épico de ficção científica de 2009 que utilizou o que Cameron aprendera sobre a produção de filmes 3-D durante a produção de "Fantasmas do Abismo". "Avatar" se tornou o filme de maior bilheteria da história do cinema e o primeiro filme a arrecadar mais de US $ 2 bilhões em todo o mundo.

Com o sucesso de bilheteria sem precedentes de "Avatar" e seus avanços técnicos inovadores, o 3-D não era mais visto como um truque para filmes schlocky. Na esperança de alcançar o mesmo sucesso, outros estúdios aumentaram sua produção de filmes 3-D, às vezes convertendo filmes já filmados em 2-D em 3-D (como "Clash of the Titans" de 2010). Em 2011, multiplexes em todo o mundo haviam convertido alguns ou todos os seus auditórios em teatros 3-D. A maioria dos cinemas usava métodos de projeção desenvolvidos pela empresa de efeitos visuais RealD para fazer isso.


Representação LatinX

Existem até algumas categorias do Oscar que as pessoas do LatinX ainda precisam preencher quase 100 anos após o estabelecimento do Oscar. Não seria até meados do século 20 que os artistas cinematográficos LatinX ganhariam atenção proeminente ou teriam a oportunidade de se aquecer nos holofotes cinematográficos e, infelizmente, persistiram em serem amplamente ignorados até muito recentemente.

Durante um dos períodos de tempo mais racistas da história americana, o ator Anthony Quinn se tornou o primeiro latino-americano a ser indicado ao Oscar depois de ganhar um em 1952 por Viva Zapata! na categoria Melhor Ator Coadjuvante. Nesse mesmo filme, o ator branco Marlon Brando interpretou o famoso revolucionário mexicano Emiliano Zapata . Com todo seu talento, Quinn também se tornou o primeiro ator de LatinX a ganhar um Oscar após receber outra indicação na mesma categoria em 1956 pela biografia de Vincent Van Gogh Desejo pela vida . Um ator mexicano só foi indicado para a mesma categoria 56 anos depois, com a indicação de Demian Bichir para Uma vida melhor em 2012.

Por alguma razão estranha, meados dos anos 50 foi um período reconhecível para os atores do LatinX, porque a atriz latino-americana Katy Jurado foi indicada como Melhor Atriz Coadjuvante em 1954 por Lança Quebrada . Embora eles começassem a ser logo depois, não havia artistas do LatinX comercialmente ou criticamente reconhecidos até aquele ponto. A grande diferença entre as indicações ao prêmio de Melhor Ator seguiu-se também para as de Melhor Atriz, infelizmente .

Um ator latino não foi indicado novamente até 2006 com a atuação de Adriana Barraza em Alejandro G. Inarritu, que viria a ser um pioneiro revolucionário do cinema latino-americano. Babel , que também estrelou Brad Pitt e Cate Blanchett. Atores latinos esperaram até 2002 para chegar à categoria de Melhor Atriz Principal, quando Salma Hayek foi indicada por sua atuação como Frida Kahlo em Frida . Ela, infelizmente, não ganhou. Na história do Oscar, apenas oito atores do LatinX foram indicados para os melhores papéis principais e coadjuvantes. Felizmente, muitos artistas de LatinX ganharam aclamação internacional muito merecida, mas Hollywood continuou a ignorá-los por um século inteiro.

O fim do século 20 marcou o início de uma nova onda de talentos LatinX, com estrelas como Antonio Banderas e Salma Hayek, que foram capazes de penetrar os estereótipos de Hollywood e criar personagens e histórias aprofundadas de uma perspectiva LatinX que deslumbrou o público americano, em oposição a um desprezo geral pelo talento LatinX, ou atores latinos sendo usados ​​como dispositivos para uma parte maior da história de um homem ou mulher cis-branco. Agora que o LatinX na tela estava começando a mudar, havia uma batalha difícil se formando com os artistas do LatinX fora da tela que não iria estourar de sua bolha até apenas quatorze anos atrás.


Os irmãos Lumière se afastam do cinema

Auguste e Louis continuaram a trabalhar no desenvolvimento técnico e, em 1900, desenvolveram uma câmera que capturava filmes de 75 mm de grande formato. Em 1905, no entanto, os irmãos Lumière retiraram-se do cinema. Em vez disso, trabalharam na invenção do primeiro processo fotográfico colorido bem-sucedido - o Lumière Autochrome - em 1907. Louis também trabalhou em um processo de cinematografia estereoscópica.

Os dois irmãos viveram o suficiente para serem festejados como pioneiros do cinema em sua vida. Como Louis afirmou:

& # 8230 em 28 de dezembro de 1895, realmente nasceu a expressão: 'Eu fui ao cinema.'


10. Madrugada dos Mortos quase apresentou um final mais sombrio.

Durante a produção em Madrugada dos Mortos, George Romero disse Pedra rolando escritor Chet Flippo que o filme teve, nas palavras de Flippo "sem começo e dois finais." Romero explicou que isso acontecia porque ele estava trabalhando “momento a momento” no filme. Ele acabou descobrindo o começo do filme, é claro, e partiu com um final em que Peter e Francine lutam para sair do shopping e ir para o telhado, onde escapam no helicóptero. Então, qual foi o outro final?

Na trilha de comentários do filme, George e Chris Romero e Tom Savini discutem um conceito muito mais sombrio para fechar o filme, em que Peter teria atirado em si mesmo (o que ele pensa em fazer no corte final) enquanto Francine teria saltado para as lâminas giratórias do helicóptero, espelhando uma das mortes de zumbis mais famosas no início do filme. Esse final teria seguido os passos de Noite dos Mortos-VivosO final é sombrio, mas Romero finalmente decidiu por algo mais leve.

Mesmo assim, o plano original não foi desperdiçado: Savini já havia feito um elenco da cabeça da atriz Gaylen Ross para usar na cena da morte de Francine, então ele a reaproveitou - com a ajuda de um pouco de maquiagem e uma peruca - para a famosa cabeça explodindo baleado durante a invasão do projeto habitacional.

Fontes adicionais:
Valor de choque por Jason Zinoman (The Penguin Press, 2011)
Madrugada dos Mortos Comentário em DVD (Anchor Bay, 2004)


Assista o vídeo: Lifetime Movies 2021 - New Great Lifetime #LMN Movies Based On True Story


Comentários:

  1. Sedgeley

    Eu confirmo. Tudo o que foi dito acima é verdade. Vamos discutir esta questão. Aqui ou no PM.

  2. Reynald

    Desculpa para isso eu interfiro ... aqui recentemente. Mas esse tema está muito perto de mim. Eu posso ajudar com a resposta.

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    Foi e comigo. Vamos discutir esta pergunta.

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