Instituto de Arte de São Francisco

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O San Francisco Art Institute é uma das escolas de ensino superior mais antigas do país em arte contemporânea. O instituto existiu pela primeira vez em 1871 como a San Francisco Art Association, que fundou a California School of Design em 1873. Embora o Grande Terremoto tenha destruído a mansão e a escola em 1906, um novo prédio foi erguido no local um ano depois, e a escola foi rebatizada de San Francisco Institute of Art. Em 1916, o instituto foi rebatizado de California School of Fine Arts. Em 1926, a escola mudou-se para sua localização atual em 800 Chestnut Street, em um novo prédio projetado por Bakewell e Brown, arquitetos da Prefeitura, Coit Tower e outros marcos de São Francisco. Em 1961, a escola foi renomeada para Instituto de Arte de São Francisco. . Em 1969, um novo edifício projetado por Paffard Keatinge Clay adicionou um estúdio, um grande teatro / sala de palestras, um anfiteatro ao ar livre e um café à villa e claustros de estilo espanhol construídos na década de 1920. Em 2004, o currículo foi reorganizado em cinco disciplinas interdisciplinares centros para reconhecer o papel crescente de múltiplas disciplinas e tecnologias no trabalho dos artistas: Prática Contemporânea, Cultura da Mídia, Prática Pública; Palavra, texto e imagem; e Arte e Ciência. A escola está expandindo seus programas de humanidades e espera oferecer cursos além de bacharelado e mestrado em artes plásticas. Em 2004, Chris Bratton ingressou no Art Institute como seu presidente. Bratton foi Reitor de Estudos de Graduação na Escola do Instituto de Arte de Chicago. Com 130 anos, o Instituto de Arte de São Francisco é uma das faculdades de arte mais prestigiadas dos Estados Unidos. Entre seus ex-alunos e professores estão muitos dos principais artistas do país. Comprometido com a educação em artes plásticas, o instituto oferece programas de graduação e pós-graduação credenciados pela Western Association of Schools and Colleges e pela National Association of Schools of Art and Design. palestras de artistas e críticos visitantes, exibições regulares de filmes, leituras de poesia, concertos, performances e outros eventos especiais. O San Francisco Art Institute está localizado na encosta da baía da Colina Russa de São Francisco, a uma curta distância a pé da histórica North Beach e Chinatown . O extenso transporte público conecta o instituto ao resto da cidade e às comunidades próximas. A região da Baía de São Francisco é a sexta maior área metropolitana do país e abriga uma cena artística emocionante.


San Francisco Art Institute - História

O San Francisco Art Institute remonta a 1873, quando a San Francisco Art Association fundou a California School of Design, rebatizada de California School of Fine Arts em 1916 e de San Francisco Art Institute em 1961. Antes de construir este campus em Russian Hill em 1926 , a escola ocupou vários locais em Nob Hill.

Entre os artistas associados à escola estão Eadweard Muybridge, Maynard Dixon, Louise Dahl-Wolf, John Gutzon Borglum, Clyfford Still, Ad Reinhardt, Mark Rothko, Imogen Cunningham, Edward Weston, Dorothea Lange, Richard Diebenkorn, Annie Liebovitz e especialmente Diego Rivera que veio a São Francisco em 1930 para pintar um afresco para o novo campus e para Ansel Adams e Minor White que, em 1946, fundou o primeiro departamento de fotografia artística dos Estados Unidos.

Os edifícios originais do Renascimento Colonial Espanhol foram projetados pelo escritório de arquitetura Bakewell & Brown e são influenciados pelo trabalho de Bernard Maybeck.

A adição de 1963 foi projetada por Paffard Keatinge Clay, que trabalhou com Le Corbusier, Frank Lloyd Wright e Skidmore Owings and Merrill. O telhado escalonado da sala de conferências oferece um anfiteatro ao ar livre e vistas deslumbrantes da cidade e da baía.

O San Francisco Art Institute foi listado no Registro Nacional de Locais Históricos em 2015.


Conteúdo

O sistema Art Institutes foi criado em 1969 quando a Education Management Corporation (EDMC) adquiriu o Art Institute of Pittsburgh, [9] [10] [11], que foi fundado em 1921. [12]

A partir de 2000, o Art Institutes passou a oferecer cursos de bacharelado [13] e, em 2001, lançou seu programa de educação a distância, Art Institute Online, que passou a oferecer cursos de bacharelado e não-graduação online. [11] [14] Os Institutos de Arte se expandiram por meio da aquisição de faculdades de arte existentes e do estabelecimento de novos Institutos de Arte. [15] Em 2001, havia cerca de 20 campi dos Institutos de Arte [11], o que cresceu para aproximadamente 30 locais em 2006 [16] antes de chegar a 50 Institutos de Arte em 2010. [17]

Em 2012, as escolas do The Art Institute começaram a experimentar uma diminuição no número de novos alunos matriculados, vendo o número de matrículas cair cerca de 20 por cento entre o segundo trimestre do ano fiscal de 2012 e o início de 2013. O EDMC atribuiu a queda nas matrículas ao acesso limitado ao Empréstimo Pai para Estudantes de Graduação e à recessão econômica. [9] Em fevereiro de 2013, o EDMC anunciou planos para o congelamento das mensalidades de três anos no The Art Institutes. Sob este plano, a empresa se comprometeu a manter o custo atual das mensalidades até 2015. [18]

Em junho de 2013, o EDMC anunciou que seu presidente John Mazzoni renunciaria a partir de 14 de julho de 2013, após 27 anos na organização. Charles Restivo, vice-presidente do grupo, se tornaria o presidente interino do The Art Institutes. [19] Em 2014, o Departamento de Educação dos EUA relatou que dez campi do EDMC, incluindo vários Institutos de Arte, foram colocados sob monitoramento de caixa intensificado. O Art Institute of Pittsburgh foi uma das escolas listadas. [20]

Em maio de 2015, o EDMC anunciou que fecharia 15 das locações do Art Institute. “Um total de 5.432 alunos estão matriculados entre os campi que estão prestes a fechar, de acordo com uma lista fornecida pelo EDMC. A empresa passará por um processo de ensino em cada local, o que significa que cada campus continuará a oferecer cursos, serviços estudantis e colocação assistência até a formatura do último aluno, segundo Hardman. ” [21] Campi programado para fechar incluía aqueles em Atlanta, Nova York, Ohio, Texas e Pensilvânia. Em janeiro de 2016, o EDMC anunciou que outros Institutos de Arte encerrariam as inscrições. Esses campi são o Art Institute of California - Los Angeles, o Art Institute of St. Louis e o Art Institute of Tucson. [22] Pelo menos 200 funcionários adicionais foram demitidos em maio de 2016. [23] Em junho de 2016, o EDMC anunciou que o Art Institutes International Minnesota encerraria as matrículas. Isso significava que um total de 19 campi do Art Institute estava programado para fechar.

Em junho de 2016, Tim Moscato, diretor de operações do Art Institutes, renunciou em meio a mais cortes. [24] No mesmo mês, o Departamento de Educação dos Estados Unidos votou pelo fim do poder de credenciamento do ACICS. [25] O ACICS foi destituído de seu poder de credenciamento em setembro. [26] Em 1º de junho de 2016, doze campi do Art Institute estavam sob monitoramento de caixa intensificado (ou HCM1) pelo Departamento de Educação dos EUA porque as faculdades são obrigadas a reter uma certa quantia de dinheiro para cumprir as obrigações no caso de a escola fechar prematuramente. Os campi afetados foram Pittsburgh, Portland, Filadélfia, Atlanta, Fort Lauderdale, Minnesota, Colorado, Houston, Seattle, Nova York, York e Phoenix. [27] Em dezembro de 2016, nove institutos de arte adicionais (The Art Institute of Atlanta, The Art Institute of Houston, Miami International University of Art and Design) e seus campi em Charleston, Nashville, Arlington, Virginia Beach, Austin e San Antonio foram colocados em liberdade condicional por seu credenciador, a Southern Association of Colleges and Schools (SACS). [28]

Em janeiro de 2018, os locais do Art Institutes em Novi e Denver, bem como os locais do Illinois Institute of Art em Chicago e Schaumburg, perderam o credenciamento junto à Comissão de Ensino Superior. Eles não informaram os alunos sobre a perda do credenciamento até junho, apesar de serem obrigados a divulgar isso no momento da perda. [29] Em 2018, a Dream Center Education Holdings informou que mais campi de IA estariam fechando. [30] Em dezembro de 2018, 23 institutos de arte foram fechados.

Em janeiro de 2019, o Washington Student Achievement Council suspendeu a licença do AI-Seattle para operar, o que bloqueia a inscrição de novos alunos. O conselho irá restabelecer a licença quando a Dream Center Education Holdings mostrar que "recuperou a solvência financeira ou concluiu uma reorganização viável". [31] A AI Las Vegas também recebeu um aviso da causa do show da ACICS solicitando que a escola fornecesse informações mostrando por que ela não deveria perder seu credenciamento. [32]

Em 2019, relatórios do monitor do DCEH, Marc Dottore, indicaram que US $ 9–13 milhões de fundos federais, destinados a estipêndios de estudantes, estão faltando. [33] [34] De acordo com oPittsburgh Post-Gazette, o monitor está "quase sem dinheiro para gerenciar as entidades que ele tem a tarefa de supervisionar." [35] A Dottore escreveu ao Departamento de Educação que a Studio Enterprise, uma empresa designada para atender as antigas e atuais escolas DCEH, está cobrando taxas de serviço do negócio sem fornecer quaisquer serviços, drenando o dinheiro extremamente necessário da operação. [36] As informações sobre a Fundação Princípio da Educação são limitadas, mas parece ser anteriormente conhecida como Fundação Colbeck. [37] De acordo com o Relatório da República, a Fundação Colbeck tem laços com o Studio Enterprise. [38]

Em fevereiro de 2019, um administrador judicial nomeado pelo tribunal federal interrompeu os planos da Dream Center Education Holdings de fechar o Art Institute of Pittsburgh em 31 de março de 2019. [39]

Em março de 2019, professores e outros funcionários não haviam recebido seus cheques de pagamento finais. [40] Até 13 campi do Art Institute podem permanecer abertos em 2019, [41] [42] com as escolas restantes enfrentando dificuldades financeiras. [43]

Os Institutos de Arte oferecem programas de graduação nos níveis de associado, bacharelado e mestrado, bem como programas de diploma de não graduação. As áreas de estudo incluem design gráfico, artes de mídia e animação, artes culinárias, fotografia, cinema digital e produção de vídeo, design de interiores, produção de áudio, design de moda, arte e design de jogos, panificação e confeitaria e marketing de moda. [44]

Os Art Institutes em Fort Lauderdale, Indianapolis, Kansas City, Las Vegas, Minnesota, New York City, Phoenix, Saint Louis, Salt Lake City, Tucson, Vancouver, Wisconsin e York foram credenciados pelo ACICS, [45] que perdeu seu poder de acreditação do Departamento de Educação dos EUA. [26]

Nove institutos de arte adicionais (The Art Institute of Atlanta, The Art Institute of Houston, Miami International University of Art and Design) e seus campi em Charleston, Nashville, Arlington, Virginia Beach, Austin e San Antonio foram colocados em liberdade condicional por seu credor , Southern Association of Colleges and Schools (SACS), em dezembro de 2016. [28]

Em agosto de 2018, o Pittsburgh Tribune-Review relataram que o Art Institute of Pittsburgh pode perder seu credenciamento em 2019. [46]

Demissões e downsizing contínuos nos campi restantes ocorreram no final de 2018 [47] e 2019. [48]

As aulas externas são um período de tempo em que a inscrição de novos alunos é interrompida e os alunos restantes recebem um período de tempo para concluir seus programas. [49] Em maio de 2015, o porta-voz do EDMC, Chris Hardman, afirmou que o ensino levaria de dois a três anos. [50]

O Art Institute of Las Vegas é credenciado pelo ACICS, no entanto, o programa de Diploma de Artes Culinárias foi colocado no programa de Diploma de Artes Culinárias, em Design de Interiores, devido ao material não - conformidade com seu padrão de taxa de retenção de 60%.

O Art Institute of Pittsburgh foi colocado em liberdade condicional pela Middle States Commission on Higher Education devido a evidências insuficientes de que a instituição está atualmente em conformidade com o Padrão II (Integridade), Requisito de Afiliação 14 e a Política de Entidades Relacionadas. A escola passará por um período probatório até que o credenciamento seja reafirmado ou perdido. A escola teve até março de 2019 para enviar informações que mostrassem por que a agência não deveria remover o credenciamento da escola. [51]

O credenciador regional, a Comissão de Ensino Superior, votou se deveria ou não realizar uma votação para impor sua política de Mudança de Controle após a venda do EDMC para a DCEH para os seguintes campi: Chicago, Schaumburg, Colorado e Michigan. Movê-los do status de credenciado para o status de candidatura por um período mínimo de seis meses. Quaisquer créditos ganhos após fevereiro de 2018 não são credenciados institucionalmente.

A antiga empresa controladora do Art Institutes, Education Management Corporation (EDMC), estava sediada em Pittsburgh, Pensilvânia. [52] Em novembro de 2014, o EDMC foi retirado da NASDAQ em meio a dificuldades financeiras, ações judiciais e investigações [53] e suas ações foram avaliadas em menos de um centavo por ação.

A oferta pública inicial (IPO) do EDMC foi em 2009. Todd S. Nelson, que anteriormente era o CEO do Apollo Education Group, tornou-se membro do conselho do EDMC em 2007 e Presidente do Conselho de Administração em 2012. [54]

Político acrescentou que uma empresa indiana pode estar comprando o Art Institute of New York City e o NEIA. [55]

Em 2017, a Education Management Corporation informou que havia vendido os Institutos de Arte existentes para a Dream Center Foundation, uma organização pentecostal com sede em Los Angeles. [56] [57] A venda foi concluída em outubro de 2017. [58] Em julho de 2017, uma agência credenciadora, Middle States Association, rejeitou a venda dos Institutos de Arte de Pittsburgh e Filadélfia para a Dream Center Foundation. [59]

Em janeiro de 2019, o presidente do DCEH, Randall Barton, declarou que os institutos de arte, excluindo o Art Institute of Pittsburgh, o Art Institute of Las Vegas e os campi da Argosy University, foram transferidos para a Education Principle Foundation. [60] [31] [61] Também em janeiro de 2019, a Dream Center Education Holdings anunciou que as escolas AI, excluindo os campi AI Pittsburgh, AI Las Vegas e Argosy, foram transferidas para a Education Principle Foundation com a ajuda do Departamento de Educação. [60] A Inside Higher Ed descreveu a Education Principle Foundation como "uma organização sem fins lucrativos de Delaware, sem orçamento anual e quase nenhuma presença na Internet", e a vinculou à empresa de private equity Colbeck Capital Management. [62] Studio Enterprise, uma empresa de Los Angeles ligada à Colbeck Capital Management, também estava envolvida na transferência de propriedade. [63]

Os alunos do Art Institute de escolas fechadas foram direcionados às instituições parceiras do DCEH, incluindo outras faculdades com fins lucrativos: DeVry University, Walden University e Trident University. [64]

De acordo com o Relatório da República, o administrador nomeado pelo tribunal, Studio Enterprise & amp South University teve até 11 de abril de 2019 para negociar a separação das escolas da South University e das escolas restantes do Art Institute da Dream Center Education IT Platform até 11 de setembro de 2019. " Se eles não chegarem a um acordo, o plano de reorganização provavelmente fracassará, condenando assim a South University e os Institutos de Arte ". [65]

Escolas da Education Principle Foundation e seus credenciadores Editar

    (Associação Sul de Faculdades e Comissão de Escolas de Faculdades)
  • The Art Institute of Atlanta (Southern Association of Colleges and Schools Commission on Colleges)
  • The Art Institute of Austin (Southern Association of Colleges and Schools Commission on Colleges)
  • The Art Institute of Dallas (Southern Association of Colleges and Schools Commission on Colleges) (Southern Association of Colleges and Schools Commission on Colleges)
  • The Art Institute of San Antonio (Associação Sul de Faculdades e Comissão de Escolas de Faculdades) (Associação Sul de Faculdades e Comissão de Escolas de Faculdades)
  • The Art Institute of Virginia Beach (Southern Association of Colleges and Schools Commission on Colleges)

Escolas DCEH e seus credenciadores Editar

  • The Art Institute of California - Hollywood (fechado em 9 de março de 2019) (Western Association of Schools and Colleges) (ACICS, show cause) (vendido e mantido aberto [66])

Campus fechados ou vendidos Editar

  • The Art Institute of Atlanta - Decatur
  • The Art Institute of California - Inland Empire
  • The Art Institute of California - Los Angeles
  • O Art Institute of California - Orange County (Western Association of Schools and Colleges) [67]
  • The Art Institute of California - San Francisco [68]
  • The Art Institute of California - Silicon Valley
  • O Art Institute of Charleston [69]
  • Instituto de Arte de Indianápolis
  • The Art Institutes International Minnesota
  • The Art Institute of Michigan
  • O Art Institute of Philadelphia [70]
  • O Art Institute of Phoenix [71] [71]
  • The Art Institute of Portland
  • The Art Institute of Raleigh – Durham
  • O Instituto de Arte de St. Louis
  • The Art Institute of Seattle
  • Instituto de Arte de Salt Lake City
  • The Art Institute of Tennessee - Nashville
  • The Art Institute of Toronto
  • The Art Institute of Tucson
  • The Art Institutes of Wisconsin
  • O Art Institute of Fort Worth
  • The Art Institute of Houston - North
  • The Art Institutes International - Kansas City
  • The Art Institute of Michigan - Troy
  • The Art Institute of Ohio - Cincinnati
  • The Art Institute of Washington- Dulles
  • Instituto de Arte de Illinois - Tinley Park

Entre 2000 e 2018, a EDMC, empresa controladora do Art Institutes, foi alvo de inúmeras ações judiciais de ex-alunos, ex-professores e agências governamentais. Milhares de ex-alunos dos Institutos de Arte afirmam que foram enganados e enganados pelas escolas e seus recrutadores e entraram com ações no Departamento de Educação dos Estados Unidos. [72] [73] [74] Os alunos do Art Institute podem entrar com um processo de defesa para reclamações de reembolso junto ao Departamento de Educação dos Estados Unidos. [49]

Em outubro de 2000, o EDMC anunciou o acordo de uma ação judicial movida por um grupo de aproximadamente 350 ex-alunos do The Art Institute of Houston. [75]

De 2011 a 2015, o EDMC esteve envolvido em uma investigação e ação judicial do Departamento de Justiça dos Estados Unidos, alegando práticas de recrutamento ilegal por escolas do EDMC, incluindo The Art Institutes, e recebimento fraudulento de US $ 11 bilhões em dinheiro de ajuda financeira federal e estadual. [76] [77] [78] [79] Um relatório do DOJ dos EUA de 2011 afirmou que o EDMC "criou uma cultura de vendas no estilo 'sala de caldeiras' e fez do recrutamento e matrícula de novos alunos o único foco de seu sistema de remuneração". [80]

Em maio de 2013, um juiz federal na Pensilvânia rejeitou uma oferta para encerrar uma ação judicial contra o EDMC por um ex-funcionário do EDMC. O processo alega que a corporação e suas afiliadas se envolveram em um esquema para maximizar os lucros de programas de ajuda financeira administrados pelo Departamento de Educação dos Estados Unidos. O reclamante no caso, Jason Sobek, que trabalhou como diretor de admissões do EDMC em Pittsburgh de junho de 2008 a novembro de 2010, alega que a empresa falsificou informações fornecidas ao Departamento de Educação que indicavam que estavam em conformidade com a elegibilidade dos programas de empréstimo requisitos. Em depoimento que forneceu a base para a decisão do tribunal de primeira instância em outubro passado, Sobek alegou que o EDMC operou um "esquema de educação com fins lucrativos amplamente elaborado e generalizado [no qual] réus fraudaram os Estados Unidos e seus contribuintes em milhões de dólares no forma de empréstimos e subsídios estudantis apoiados pelo governo federal. " [81]

Em novembro de 2015, o EDMC concordou em pagar $ 95,5 milhões para resolver reivindicações de recrutamento ilegal e fraude ao consumidor. [73]

Em abril de 2016, dois ex-professores de IA entraram com uma ação no Tribunal Superior da Cidade de Alameda alegando que o EDMC não pagou a eles um salário mínimo ou proporcionou períodos de descanso adequados, a fim de "reduzir a compensação e aumentar seus próprios lucros". [82] Em 8 de setembro de 2016, os alunos do Art Institutes conhecidos como "I Am Ai" apresentaram um aviso ao diretor do New England Institute of Art (NEIA) sobre um processo que estaria chegando em 30 dias. [83] O processo está sendo redigido pelo Legal Services Center da Harvard Law School. [84] Em 24 de setembro de 2016, o procurador-geral de Massachusetts expressou preocupação com o fato de que as funções de ensino no NEIA estavam sendo assumidas por uma empresa indiana sem licença, sem experiência em ensino de estudantes de arte nos Estados Unidos. O Gabinete do AG declarou que, se uma educação adequada para os alunos do NEIA não pudesse ser garantida, o NEIA deveria ser encerrado no final de 2016. [85] Em dezembro de 2016, nove Institutos de Arte adicionais foram colocados em liberdade condicional pelo seu credenciador, Associação Sulista de Faculdades e Escolas (SACS). [28]

Em 6 de julho de 2017, dois ex-alunos do Art Institute entraram com uma ação contra a secretária de Educação Betsy DeVos por atrasar ilegalmente regras destinadas a proteger os direitos dos mutuários. Eles foram representados pelo Projeto Empréstimo Predatório a Alunos e Cidadão Público em duas ações judiciais. [86] Este processo ajudou a abrir caminho para que a regra de defesa do mutuário de 2016 entre em vigor. [87]

Em 2018, a Dream Center Education Holdings assumiu o controle das 31 escolas restantes dos Institutos de Arte. Em dezembro de 2018, os alunos do Art Institute entraram com uma ação no Tribunal Circuito do Condado de Cook, alegando que a Dream Center Educational Holdings não notificou os alunos de que havia perdido o credenciamento institucional em quatro campi de Illinois AI. [88]

De acordo com o College Scorecard, o Art Institute of Atlanta tem uma taxa de graduação de 19%, uma dívida típica de $ 30.982, uma taxa de reembolso de empréstimos estudantis de 28% e um salário médio de $ 30.900. [89]

Em 2011, Linha de frente lançou um documentário intitulado Educando o Sargento Pantzke. No documentário, o veterano da guerra do Iraque Chris Pantzke discutiu a falta de serviços para deficientes físicos na escola. De acordo com Pantzke, "como soldado, você não quer desistir, não quer desistir ou fracassar". Depois de fazer sua própria pesquisa, Pantzke concluiu que o diploma que estava buscando não "valia muito mais do que o papel vale" e sentiu que estava "jogando fora o dinheiro do contribuinte" usando os fundos do GI Bill. [90]

Em 2014, uma investigação do gabinete do procurador da cidade de São Francisco resultou em um acordo de US $ 4,4 milhões. A cidade alegou que a IA usou táticas de marketing enganosas, resultando em custos subestimados do programa para os alunos e números inflacionados de empregos para os graduados. [91]

Devedores de empréstimos estudantis apelaram ao Departamento de Educação dos Estados Unidos para cancelamento de dívidas por meio de defesa para pedidos de reembolso. Esses esforços têm como premissa as alegações de que foram fraudados. [92] Os alunos que frequentaram a escola durante o período em que ela fechou também podem ser elegíveis para o cancelamento do empréstimo estudantil. [93] [94] O grupo de dívida estudantil "I Am Ai" atuou como um grupo de apoio para estudantes e ex-institutos de arte, oferecendo conselhos sobre o cancelamento de dívidas. [3] embora não esteja claro exatamente quais dívidas foram canceladas, um relatório de US $ 11 milhões em dívidas de estudantes foi posteriormente cancelado quando DeVos e Trump finalmente cederam sob a pressão de I am AI em novembro de 2019.


Pesquisando a história do Greenwich Village

Olá, meu nome é Emily Kramer. Eu sou um aluno do primeiro ano de mestrado do Programa de Arquivos e História Pública da Universidade de Nova York. Recentemente me formei no San Francisco Art Institute em História e Teoria da Arte Contemporânea. Estou interessado em aprender as maneiras como a tecnologia, a pesquisa histórica e a produção de discos interagem. Em relação aos meus estudos de graduação, estou particularmente focado na história digital em relação à cultura popular, mídia social e artes contemporâneas.

Atualmente estou envolvido com um projeto envolvendo os arquivos de um simpósio de 1949 intitulado, A Mesa Redonda Ocidental sobre Arte Moderna. O material representa uma discussão de três dias sobre a produção, exibição e compreensão da arte durante a época. Ilustres como Marcel Duchamp, Frank Lloyd Wright e Kenneth Burke estão entre os membros do painel, contribuindo para sua importância histórica. O material está sendo coletado, editado e contextualizado e encontra-se em fase final de pré-publicação.

Sou relativamente novo no campo de arquivos e história pública e estou ansioso para aprender mais sobre como eles funcionam no mundo digital. Espero encontrar alguns cruzamentos interessantes entre a teoria da arte contemporânea e a criação da história digital.


Pessoal

Kathan Brown

Kathan Brown

Diretor Fundador

Kathan Brown nasceu na cidade de Nova York, cresceu na Flórida, obteve um B.A. (com especialização em inglês) do Antioch College em Ohio, frequentou a London Central School of Arts and Crafts (dois anos) e, mais tarde, recebeu um M.F.A. e um doutorado honorário do California College of the Arts. Ela também possui um doutorado honorário do San Francisco Art Institute.

Kathan Brown, com seu então marido Jeryl Parker, fundou a Crown Point Press em 1962 em Richmond, Califórnia. Em 1964, o casal se separou e Kathan mudou a impressora para o porão de sua casa em Berkeley. Em 1964 ela publicou um livro feito à mão com suas próprias águas-fortes e, em 1965, seguiu-o com mais três livros de gravuras de artistas que ela convidou para trabalhar com ela: Richard Diebenkorn, Beth Van Hoesen e Wayne Thiebaud. Ela também organizou workshops de gravura abertos a todos e trabalhou como digitadora quando os fundos eram baixos. Entre 1966 e 1974, ela ensinou gravura no San Francisco Art Institute, tornando-se chefe do departamento de gravura.

Em 1971, o editor de impressão de Nova York Bob Feldman, da Parasol Press, enviou o artista Sol LeWitt a Crown Point para um projeto, e Crown Point mudou-se mais tarde naquele ano para um loft em Oakland. Na década de 1970, além de continuar a produzir gravuras para a Parasol, a Crown Point Press publicou três livros das próprias gravuras de Kathan e quatro de artistas de São Francisco: Bruce Conner (dois volumes), James Melchert e Tom Marioni.

Kathan Brown e Tom Marioni se conheceram em 1974 e se casaram em 1983. Entre 1975 e 1981, eles criaram cinco edições da VISION, um jornal de arte não convencional publicado pela Crown Point Press e editado por Marioni. O problema menos convencional do VISION é o número 4, 1980, Boca a boca, um conjunto de gravações fonográficas de pequenas palestras apresentadas por artistas que viajaram sob os auspícios de Crown Point & # 8217 para uma conferência em uma ilha no Oceano Pacífico.

O amor de Kathan pelas viagens também influenciou dois programas que a imprensa instigou na década de 1980, nos quais os artistas de Crown Point viajaram primeiro para o Japão, depois para a China, para trabalhar com artesãos de xilogravura tradicionais nesses países. Além desses projetos, a imprensa sempre trabalhou exclusivamente com o lento e antiquado processo de gravura.

A escrita de Kathan Brown & # 8217s inclui vários de seus próprios livros e também materiais da web e boletins informativos para a imprensa. Ela editou o Segredos mágicos série de livros de instrução publicados pela Crown Point, e criou elementos de vídeo para esses livros e para os sites da Crown Point. Ela grava vídeos no estúdio Crown Point desde o final dos anos 1970.

Em 1977, o ano em que a lista de preços da Crown Point começa, Kathan reiniciou o próprio programa de publicação impressa da Crown Point depois de ter trabalhado principalmente para a Parasol Press por seis anos. Como nos primeiros dias da imprensa, ela começou com Richard Diebenkorn. Em janeiro de 1978, John Cage fez suas primeiras gravuras na Crown Point Press. Esses dois artistas muito diferentes e criativos voltavam quase todos os anos para trabalhar em Crown Point. Eles deram o tom para suas publicações de gravura nos anos seguintes.

Em 1986, Kathan mudou a Crown Point Press de Oakland para San Francisco e renovou um loft industrial, mas em quinze segundos em 17 de outubro de 1989, o terremoto Loma Prieta devastou aqueles bairros. Um ano depois, a imprensa comprou o prédio que agora ocupa no distrito de South of Market, em São Francisco. A Crown Point Press tem sua galeria, livraria e oficina no último andar, com entrada na Rua Hawthorne 20, na esquina do Museu de Arte Moderna de São Francisco. (Clique aqui para uma versão mais detalhada da biografia de Kathan Brown & # 8217s.)

Valerie Wade

Valerie Wade

Diretor

Valerie Wade é diretora da Crown Point Press e sócia, com Kathan Brown, no negócio. Ela nasceu em Springfield, Virgínia, e recebeu um BFA em história da arte e gravura na Virginia Commonwealth University em Richmond, Virgínia, depois estudou administração de arte na American University em Washington DC De 1984 a 1987 ela trabalhou com Szoke Koo Associates, uma universidade de Nova York empresa de consultoria de arte onde vendeu muitas impressões da Crown Point Press para empresas, arquitetos, designers e clientes particulares.

Em 1988 Valerie mudou-se para San Francisco e começou a trabalhar na Crown Point Press como representante de vendas. Em 1993 tornou-se diretora da galeria e em 2006 assumiu o cargo atual de diretora. Ela supervisiona as operações, especialmente a atividade de vendas, exposições em galerias e participação em feiras de arte, e também gerencia alguns dos projetos de artistas da imprensa, incluindo os de Ed Ruscha, Tomma Abts, Mary Heilmann e Amy Sillman.

Na comunidade artística de San Francisco, Valerie faz parte do conselho consultivo do espaço sem fins lucrativos Southern Exposure e participou da liderança da San Francisco Art Dealers Association e ArtTable. Para o Museu de Arte Moderna de São Francisco, ela foi palestrante em eventos públicos em & # 8220How to Start an Art Collection & # 8221 e para Southern Exposure em & # 8220Art Publishing Now. & # 8221 Ela júri concursos de impressão para o Pacific Art League e Berkeley Art Center. Valerie também atuou em comitês de seleção para a Exposição Internacional de Arte de Chicago e a Exposição Internacional de Arte de São Francisco. Em 2017 ela participou de um seminário exploratório de fim de semana, O eco material: impressão expandida no Radcliffe Institute for Advanced Study, Harvard University. Valerie é atualmente membro do Conselho de Diretores da International Fine Print Dealers Association, Nova York.

Em sua vida privada, ela gosta de caminhadas, ioga e jardinagem no deck de sua casa no centro de San Francisco.

Stacie Scammell

Stacie Scammell

Gerente de negócios

Stacie Scammell foi para a Crown Point Press em 1989 como assistente do diretor financeiro. Seu primeiro dia de trabalho foi na segunda-feira após o terremoto de Loma Prieta. Logo após o terremoto, ela ligou para confirmar que ainda tinha um emprego e foi informada de & # 8220Sim! Use jeans e tênis porque estamos nos mudando. & # 8221 Com os tremores ainda ocorrendo, ela se juntou ao resto da equipe para retirar rapidamente móveis, estampas e suprimentos do prédio danificado que era então ocupado pela imprensa. Agora ela é gerente de negócios. Ela lida com assuntos de negócios e também gerencia recursos humanos, manutenção predial e operações do dia-a-dia do escritório.

Stacie nasceu e cresceu na área da baía e obteve seu bacharelado na Lewis and Clark College em Portland, Oregon. Ela adora design de interiores e passa seu tempo livre tornando o mundo um lugar mais bonito, um cômodo de cada vez.

Sasha Baguskas

Sasha Baguskas

Editor / Coordenador de Publicações

Sasha Baguskas está na Crown Point Press desde 1995. Como coordenadora de publicações, ela gerencia o layout, design e produção da publicidade da Crown Point, seu boletim informativo (Visão geral), e catálogos e livros publicados pela imprensa. Estes incluem os quatro livros de instrução no Segredos mágicos série usada em workshops e universidades em todo o país. Em três dos quatro livros da série, ela foi a fotógrafa das seções & # 8220step-by-step & # 8221. Ela também supervisiona a livraria Crown Point e gerencia os sites Crown Point Press e Magical-Secrets.

Em 2021, Sasha assumiu as responsabilidades de registrador, que incluem o gerenciamento do estoque de impressão e o envio de impressões.

Sasha nasceu na Filadélfia e foi criada em Nova York. Ela se mudou para San Francisco em 1993 após receber um B.A. da Sarah Lawrence College. Em seu tempo livre, ela cria designs têxteis com suas aquarelas e é uma horticultora doméstica, com uma afinidade particular por begônias, filodendros e eufórbia amak.

Emily York

Emily York

Impressora Master Sênior

Emily York se formou em arte com ênfase em gravura pela University of California at Santa Cruz em 1999. Durante uma viagem escolar, ela visitou Crown Point & # 8217s a retrospectiva de 35 anos no Legion of Honor Museum em San Francisco, e instantaneamente soube que ela queria ser uma impressora. Em 2000, Emily começou a treinar como impressor no que agora é Paulson Fontaine Press, uma impressora de gravura de belas artes em Berkeley, fundada por Pam Paulson, uma impressora mestre da Crown Point. Em 2004, ela começou a trabalhar na Crown Point Press e recebeu o título de impressora mestre em 2005. Ela é a autora de Segredos mágicos sobre Aquatint, um dos quatro volumes da popular série de instrução Crown Point & # 8217s.

Emily cresceu em St. Helena, na Califórnia e no vale de Napa # 8217s. Ela mora em Oakland com sua filha. Em seu tempo livre, ela gosta de cozinhar e fazer projetos artesanais, fazer pinturas em miniatura e criar fantoches de sombra e esculturas de dragões e dinossauros com sua filha.

Courtney Sennish

Courtney Sennish

Impressora Master

Courtney Sennish é originalmente de Ohio. Ela estagiou na Crown Point Press enquanto estudava gravura na Rhode Island School of Design com o impressor mestre da Crown Point, Brian Shure. Em 2013, depois de receber seu BFA, ela se mudou para San Francisco para trabalhar em um MFA no California College of the Arts e para desenvolver sua própria arte. Nesse período, ela também trabalhou meio período como gráfica na Mullowney Printing com o impressor Crown Point Master Paul Mullowney. Após a conclusão de seu diploma em 2015, ela começou a trabalhar como gráfica na Crown Point Press. Ela continua a criar pinturas e esculturas em seu próprio estúdio.

Courtney se tornou uma impressora principal da Crown Point em 2018. Ela mora em Oakland, onde joga vôlei de praia aos domingos e gosta de andar de bicicleta pelo Golden Gate Park.

Robin Milliken

Robin Milliken

Robin Milliken é de Portland, Oregon, e obteve seu BFA em gravura no Pacific Northwest College of Art em 2011.Lá, Robin descobriu a paixão pelo entalhe enquanto fazia um curso de fotogravura ministrado pelo mestre impressor Crown Point, Paul Mullowney. Ao terminar o curso, ela se mudou para São Francisco, onde trabalhou meio período como gráfica na Mullowney Printing e também estagiou na Crown Point Press. Ela se tornou uma gráfica na Crown Point Press em 2021.

Robin mora em Oakland. Em seu tempo livre, ela mantém sua própria prática artística e gosta de jardinagem, costura e voluntariado na Max & # 8217s Garage Press em Berkeley.


Murais da década de 1930 encontrados sob corredores pintados no SF Art Institute

As paredes brancas lisas no corredor do venerável Instituto de Arte de São Francisco guardaram seu segredo por mais de oito décadas - enterrado sob uma dúzia de camadas de tinta. Mas um novo esforço para voltar as décadas e descascar a tinta revelou um desses segredos - um afresco totalmente intacto dos anos 1930 pintado por Frederick Olmsted.

O afresco é um de uma meia dúzia de murais pintados nas paredes inferiores da instituição de 140 anos, e posteriormente pintados, provavelmente abrindo caminho para uma próxima geração de arte estudantil.

O afresco de Olmsted - um método antigo de pintar aquarela sobre gesso úmido - retrata um grupo de trabalhadores trabalhando em uma fábrica de mármore. A torre do campus da escola em Russian Hill é visível no canto superior do mural - seu desenho em perspectiva do bairro industrial próximo que mais tarde se tornaria o turístico Fisherman’s Wharf.

“Acho que é um memorial importante a um período em que São Francisco era realmente uma cidade da classe trabalhadora”, disse a gerente de instalações da SFAI, Heather Hickman Holland, “com as pessoas cortando mármore bem aqui, agora onde você está comprando sua tigela de sopa”.

Local

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Foi Holanda quem primeiro notou as estranhas linhas nas paredes totalmente brancas do corredor, que ela inicialmente pensou serem teias de aranha. Depois de se aproximar com a luz de seu telefone, ela percebeu que as linhas eram perfis de rostos que se projetavam das profundezas da pintura.

“Percebi que havia afrescos aqui que tínhamos esquecido”, disse Holland.

Parede após parede por onde milhares de alunos passaram ao longo dos anos, ela encontrou mais evidências de murais. Ela voltou sua curiosidade para a biblioteca da escola, onde descobriu um punhado de documentação mostrando uma série de murais pintados na escola durante a era do New Deal. Foi o mesmo período que resultou nos murais da Works Progress Administration, que foram pintados em locais como a Coit Tower, onde Olmsted também pintou. O auditório da escola possui um mural enorme de Diego Rivera em 1931.

A escola recebeu uma bolsa de arte da cidade para descobrir pequenos quadrados de tinta nas paredes, revelando indícios do que pode estar por baixo. A escola acabou recebendo doações da Fundação Henry Mayo Newhall e do National Save America’s Treasures para finalmente remover a tinta da parede onde se acreditava que o mural de Olmsted repousava.

Quando a conservadora arquitetônica Molly Lambert e sua equipe começaram a descascar a pintura, os rostos dos trabalhadores da década de 1930 começaram a emergir de seu longo sono. As nove figuras estavam de volta ao trabalho, cortando e movendo placas de mármore, fumando cigarros e polindo as peças recém-cortadas.

“É claro que quando você descobre algo assim, você não tem certeza de qual será a qualidade”, disse Lambert. “Mas isso é fantástico.”

Depois que a maior parte da tinta foi removida, o trabalho reduziu-se a uma grande quantidade de raspagens delicadas para remover as camadas finais. Lambert estimou que o afresco estava coberto por algumas dezenas de camadas de tinta.

“Quero dizer, olhe para esse cara, ele até tem um cigarro que diz Chesterfield,” Lambert riu, apontando para uma figura. "Ele estaria vaporizando hoje."

Depois que o mural foi quase todo descoberto, Holland colocou seu chapéu de detetive mais uma vez. Ela se aventurou na vizinha North Point Street, onde encontrou um prédio com arcos de tijolos que combinavam com os do mural. Acontece que o atual restaurante Brick and Beam está situado no que já foi a fábrica de mármore retratada no afresco.

“Se você voltar e olhar as fotos históricas do período, é uma área realmente industrial”, disse Holland.

A descoberta do mural acontece em um momento em que o Conselho Escolar de São Francisco votou recentemente para cobrir um polêmico mural na George Washington High School. O conselho havia votado originalmente para pintar o mural, mas decidiu simplesmente cobri-lo.

“É um momento interessante para descobrir algo do passado”, disse Holland.

A escola planeja começar a trabalhar para descobrir mais murais escondidos sob a tinta nos corredores. Em breve, os alunos da escola passarão por pinturas coloridas e históricas enquanto vão para as aulas, em vez de paredes vazias genéricas. “Você está vendo algo que sempre esteve lá”, disse a restauradora de arte Samantha Emmanuel, que está trabalhando na equipe de Lambert. “Acabamos de trazer isso para a linha de frente."


Inventando a cena artística de São Francisco / boêmios dos anos 1950 mudaram o mundo de seus lofts na cidade

7 de 9 Wally Hedrick "Madonna and Wire Wheel" 1983 óleo sobre tela 96 "x 66" Wally Hedrick, mostrado aqui exibindo uma de suas enormes pinturas a óleo, deu um estilo ousado, rude e original à sua obra de arte. Mostrar mais Mostrar menos

8 de 9 JESS COLLINS "Fig. 6 - Um Cordeiro para Pylaochos: Herko, N.Y. 1964: Tradução # 16" 1966 óleo sobre tela sobre madeira 24 3/8 "x 20" Mostrar mais Mostrar menos

O evento mais famoso na história do Beat na Califórnia é a leitura de 1955 de Allen Ginsberg de seu poema épico "Howl". A parte que todos esquecem é que não apenas cinco outros poetas fortes leram naquela noite - Gary Snyder, Michael McClure, Philip Whalen e Philip Lamantia, com Kenneth Rexroth como mestre de cerimônias - mas eles leram em uma galeria de arte. Foram os artistas que tornaram possível aquele momento de ruptura comunitária. O lugar era uma cooperativa chamada Six Gallery em 3119 Fillmore, perto de Union, e um de seus pilares era o artista Wally Hedrick, que morreu em 17 de dezembro, em Sonoma County. Antes de ser o Seis, era a Galeria Rei Ubu. A Six Gallery era dirigida pelo poeta Robert Duncan, sua amante, Jess (nascida Burgess Collins), que morreu em San Francisco em 2 de janeiro e por outro artista.

Tanto Jess quanto Hedrick foram para a Bay Area no início dos anos 1950 e nenhum dos dois saiu. Eles fizeram muito para criar uma cultura na qual fosse possível fazer uma grande arte, e também fizeram parte dessa arte. O trabalho de Hedrick era impetuoso e rude, particularmente em comparação com as colagens e pinturas herméticas e líricas de Jess, mas ambos eram originais absolutos, cujo trabalho ainda define algo sobre a Bay Area. Eles vieram aqui porque era um santuário da cultura da Guerra Fria, e eles abriram suas portas um pouco mais.

No final da década de 1980, quando tinha cerca de 20 anos, comecei a pesquisar meu primeiro livro. Foi nesse grupo de artistas, que eram da geração dos meus pais, mas não eram nada parecidos com eles. Eu havia me apaixonado por uma colagem de um deles, Wallace Berman, alguns anos antes, e fui procurar um livro sobre ele, presumindo ingenuamente que todo grande artista tinha alguma documentação. Não havia quase nada, então comecei a escrever o livro que queria ler e então percebi que Berman não estava sozinho, mas sim uma estrela em uma constelação de arte insurrecional da Califórnia dos anos 1950.

As realizações dos seis artistas sobre os quais eventualmente escolhi escrever foram surpreendentes. Não apenas cada um deles fez obras de arte espetaculares, mas também seu trabalho foi visionário, profético e influente de maneiras tortuosas. Eles haviam formado uma comunidade de encorajamento e inspiração mútuos muito antes de os estudiosos e o mundo da arte prestarem qualquer atenção a eles, e a comunidade também era uma espécie de obra-prima, uma prefiguração da contracultura, ou seu alvorecer.

Eles viveram suas vidas como aventuras, não como deveres. Eles não haviam buscado segurança financeira ou sucesso na carreira. Eles viviam de acordo com seus princípios, sem concessões, e embora fossem às vezes pobres e muitas vezes precariamente situados, eles nunca pareciam se arrepender disso. Para mim, recém-saído de um trabalho editorial e recheado de advertências maternas sobre seguro saúde e contas de poupança, eles eram modelos fabulosos. Não sabia então que não estava apenas tirando um ano de folga para escrever um livro, que mais de 15 anos depois eu ainda seria um escritor independente - mas quando olho para trás, vejo o quanto eles modelaram as possibilidades para mim. Não que eu vivesse de acordo com eles, mas pelo menos eu sabia o que eles poderiam ser.

Jess, nascida em 1923, cresceu no sul da Califórnia (assim como Hedrick). Ele sempre teve fortes inclinações para a arte, mas deixou que os princípios práticos de seu pai o conduzissem para a química e, quando estourou a Segunda Guerra Mundial, ele se tornou um químico nuclear trabalhando com plutônio para o Projeto Manhattan. Estupefato com o que as bombas atômicas do projeto fizeram, ele teve uma visão do fim do mundo e decidiu que, se o mundo estivesse condenado, ele poderia muito bem fazer o que realmente valorizava. Assim, ele se matriculou na California School of Fine Arts (hoje San Francisco Art Institute) em seu apogeu, quando o padrinho da pintura figurativa da Bay Area, David Park, e o magistral abstracionista Clyfford Still estavam entre seus professores.

Mas ele não se contentou em adotar o estilo dominante do expressionismo abstrato, a forma oficial de rebelião da época. Ele começou a colar imagens de revistas, a fazer referência a contos de fadas, a trabalhar com palavras, com a cultura pop e, eventualmente, com emblemas herméticos e tradições místicas - o Tarô, a alquimia. Seu trabalho era abertamente gay em sua apreciação dos nus masculinos e abertamente desmasculado em ousar ser bonito, delicado, brincalhão - todas as coisas tão distantes de Jackson Pollock quanto você poderia estar, assim como as referências literárias difundidas (a tudo de "The Mágico de Oz "para" Finnegans Wake "). Ele abandonou seu sobrenome para repudiar sua família. Ele também se estabeleceu com o poeta Robert Duncan, que também era um grande rebelde - Duncan tinha acabado de queimar muitas de suas pontes ao publicar um ensaio sobre ser gay - e os dois viveram juntos até a morte de Duncan no final dos anos 1980. A rebelião de Jess foi tranquila, gentil e absoluta.

A versão oficial da história da arte descreve Nova York: Primeiro havia o expressionismo abstrato com seu misticismo altivo e desinteressado e machista; depois, nos anos 60, havia o pop, que tratava da publicidade, dos divertidos e da cultura de consumo contemporânea. Artistas como Jess bagunçaram essa cronologia ao fazer um trabalho que era ambos, uma década antes do suposto Pop ter chegado. Em meados da década de 1950, ele estava cortando e reorganizando a história em quadrinhos Dick Tracy em uma confusão surrealista cujo título reprojetado agora dizia "Tricky Cad". As colagens expressam tanto o prazer pela riqueza visual da história em quadrinhos quanto a resistência ao seu autoritarismo.

O trabalho de Jess sempre foi refazer o mundo existente em algo mais rico e estranho, por meio de pinturas sobre pinturas de brechós, executando imagens encontradas no estilo pintura por número e colagens. Ele pegou a propaganda eufemística de "Modess porque" da época e os reconfigurou em uma série de divindades festivamente distorcidas, cujo slogan agora dizia "Deusa porque".

O trabalho do veterano da Guerra da Coréia Wally Hedrick foi ainda mais uma prefiguração da Pop Art. Uma das minhas favoritas sempre foi "Fred's TV", uma pintura alta em ricos tons de marrom de um console de televisão em estilo pedestal, parecendo uma espécie de obelisco de templo. A tela estava cheia de hieróglifos e uma boca vermelha se abriu ao pé da coisa. Era sinistro, místico e sarcástico ao mesmo tempo, como costumava ser o trabalho de Hedrick. Como Jess, ele foi capaz de reunir coisas contraditórias ou mutuamente exclusivas. Ele também começou a pintar bandeiras na década de 1950, antes de Jasper Johns, de Nova York, embora nenhuma das pinturas tenha sobrevivido. Hedrick - sempre o anti-carreirista - pintou muitas dessas bandeiras de preto para protestar contra a Guerra do Vietnã. Foi um protesto idiossincrático, mas apaixonado.

Hedrick era casada com o pintor Jay DeFeo, que se tornou muito mais conhecido desde sua morte em 1989 (uma mostra de seu trabalho foi recentemente exibida no Whitney em Nova York). Durante vários anos, no final dos anos 1950 e início dos anos 1960, eles viveram em um prédio de artistas famosos em 2322 Fillmore, cujos outros apartamentos foram habitados ao longo dos anos pelo pintor Joan Brown, o poeta Michael McClure e uma sucessão de outros artistas. Isso foi durante a era da fuga dos brancos para os subúrbios e dos aluguéis baixos, quando os casais de artistas que viviam de um salário de meio período pareciam ter sua escolha no mercado imobiliário aberto. Politicamente, os anos 50 foram muito mais opressivos do que o presente - quase qualquer inconformismo poderia ser interpretado como comunista, e havia muito menos pessoas que ousaram discordar. Mas, economicamente, os tempos eram fáceis e parte da liberdade dos artistas veio da falta de pressão financeira.

Apenas escolher morar em San Francisco parecia, nos anos 1950, uma decisão de abandonar a carreira. O que é chamado de "o mundo da arte" quase não existia, pois quase não havia galerias ou chances de vender obras, embora o Chronicle tivesse um bom crítico de arte, Alfred Frankenstein, e o Museu de Arte Moderna de Young e San Francisco tivesse diretores ousados ​​e curadores. Ninguém esperava ganhar a vida fazendo arte e, quando surgia a oportunidade, muitas vezes nem se incomodavam em responder. Hedrick e DeFeo foram incluídos na mostra de 16 americanos do Museu de Arte Moderna que também deu a Jasper Johns e Robert Rauschenberg sua estreia no museu, mas eles não se preocuparam em ir a Nova York para a estréia que poderia ter lançado suas carreiras. Hedrick estava ocupado pintando suas bandeiras de preto. DeFeo estava trabalhando em "The Rose", a enorme pintura à qual ela dedicaria sete anos de sua vida. Ambos eram boas maneiras de sabotar uma carreira.

Embora Jess tivesse muitos amigos íntimos, ele optou por não sair muito de casa e renunciar às festas e eventos públicos. Em meados da década de 1960, ele e Duncan compraram sua casa na 20th Street na Mission, onde Jess morou até sua morte, algumas semanas atrás.

Eu o visitei lá para entrevistá-lo em 1988. Era um reino magicamente introspectivo, com janelas envoltas, uma desordem maravilhosa de lâmpadas Tiffany e outras peças Victorianas compradas quando essas coisas ainda estavam nos brechós por uma canção, com pilhas de livros em muitos quartos e a arte de Jess e a arte de amigos, como o pintor britânico RB Kitaj, nas paredes. No último andar ficava o estúdio de Jess com uma desordem mais fantástica - molduras antigas, recortes prontos para colagem, estatuetas, fotografias - e em uma prateleira uma pequena placa de papelão com letras pastéis: "As Sete Virtudes Mortais da Arte Contemporânea". Listados entre esses pecados: originalidade, espontaneidade, simplicidade e imediatismo. Visitei de vez em quando ao longo dos anos, bebendo um café fraco e falando sobre livros infantis. Eu parei de ir nos últimos anos, porque Jess tinha Alzheimer e eu pensei que explicar a ele quem eu era e por que deveríamos conversar poderia ser um fardo para ele. Agora eu me arrependo.

Hedrick havia vagado cada vez mais para o norte, morando na Baía de Bodega nos últimos anos. Ele se esquivou de uma carreira tão avidamente quanto qualquer artista jamais fez, ensinando pintura no College of Marin, mostrando aqui e ali, e parecendo inteiramente satisfeito com a vida que resultou. Ele me disse que na década de 1950, "havia uma tradição para os pintores Figurativos - eles eram chamados de Figos - de interpretar os Rastejantes Assustadores - que eram os Expressionistas Abstratos - todos os anos para ver quem era o melhor... Todos grupo viria com uma equipe, e eu seria o árbitro. Estou muito orgulhoso do fato de eles confiarem em mim. Quer dizer, eu não tive nada a ver com nenhum dos estilos, e o fato é que eles reconheceram isso. " Mas ele continuou a tocar banjo no Studio 13 Jass Band, formado no início dos anos 1950, quando seus membros incluíam os ilustres pintores David Park (piano) e Elmer Bischoff (trompete).

A banda de jazz, como King Ubu e Six Galleries, foi um dos muitos gestos para fazer uma comunidade e uma cultura. Pois o que esses artistas perceberam é que antes de poderem fazer arte, eles tinham que fazer uma cultura na qual fosse possível fazer arte, e tal coisa mal existia na Costa Oeste naquela época. Eles fizeram isso iniciando projetos coletivos - galerias, publicações, sociedades de exibição de filmes - mas também prestando atenção e apoiando as obras de arte uns dos outros e ensinando e orientando artistas mais jovens. A comunidade resultante misturou pintores, poetas e cineastas, heterossexuais e queers - não havia dissidentes suficientes para permitir que as pessoas formassem grupos homogêneos de contracultura, como a Bay Area faz agora.

Dos seis artistas sobre os quais escrevi, apenas Bruce Conner - que ainda mora e trabalha em San Francisco - ganhou destaque, e isso mais por seu filme experimental do que por suas artes visuais. Mas, como cultura underground, eles semearam o que floresceria como a contracultura dos anos 1960, bem como as sensibilidades artísticas das gerações posteriores. Hedrick ensinou Jerry Garcia no San Francisco Art Institute e gerações no campus Indian Valley do College of Marin em Novato. Jess nunca ensinou, mas conheço três poetas que o consideram uma grande influência, dois dos quais ensinam em San Francisco, e deve haver muitos mais. Seu trabalho está nas principais coleções de museus em todo o país, e uma recente exposição South of Market documentou sua influência sobre uma geração mais jovem de artistas. Ao fazer uma arte abertamente política, mística, sexual, lúdica e repleta de ícones da cultura popular, eles expandiram as possibilidades das artes visuais e desenvolveram uma nova linguagem para descrever o mundo em que ainda vivemos e, mais particularmente, para definir o que Bay Area se tornaria.

Hoje em dia, fazer arte, escrever e, na verdade, muito do que fazemos, me parece um ato de fé. Quem sabe quem o verá, se algum dia tocará um acorde ressonante, que tipo de mundo está nascendo e o que fará com essas ofertas no altar do futuro? Você não pode saber qual será o seu impacto, mas pode guiar por princípios e inspiração. Ninguém jamais fez isso com mais integridade e paixão do que esses artistas.


Arte californiana

A Fundação da Society of California Pioneers e da Pioneer Art Collection
Desde o início, São Francisco foi o centro da vida intelectual e cultural da Califórnia (Hughes, 2002). O primeiro influxo de artistas americanos na Califórnia veio com a Gold Rush. Começando em São Francisco na década de 1850, a Society of California Pioneers começou a acumular todos os tipos de bens históricos, incluindo desenhos, pinturas e gravuras. Em 1894, o primeiro edifício da Sociedade em Pioneer Place se tornou um depósito para esta coleção eclética de tesouros históricos. Até o final do século 19, a coleção de arte exposta no Pioneer Hall era a única coleção em São Francisco que oferecia acesso total ao público (Evans, 1955).

Foi uma grande perda para a Sociedade e a Califórnia quando tudo, exceto o conteúdo do cofre, foi perdido no grande terremoto e incêndio de 1906 (Evans, 1960). Após o incêndio, a Sociedade imediatamente começou a reconstruir suas coleções, começando pela biblioteca. Uma segunda coleção de arte foi montada, principalmente de arte que sobreviveu em coleções particulares e cresceu ao longo do tempo a partir dos gostos e generosidade de seus doadores, onde hoje a coleção considerável da sociedade totaliza cerca de 2.500 obras de arte individuais (Haas, 1999). Em 1934, a sociedade comprou a John Drum Collection, que incluía um grande número de litografias e pinturas raras da Califórnia, cobrindo uma ampla gama de temas antigos. Em 1940, a Sociedade adquiriu a Turrell Collection de materiais impressos, negativos de fotos e impressões, e valiosos esboços e desenhos. Na década de 1960, as coleções de McCarthy, Meussdorffer e Eppler enriqueceram ainda mais os acervos da Society & # 8217s com obras adicionais significativas dos primeiros pintores da Califórnia e uma coleção impressionante de litografias em grande escala do século 19 na Califórnia (Evans, 1960 Haas, 1999).

Enquanto algumas peças são valorizadas principalmente por sua documentação histórica, outras obras de arte são apreciadas tanto por realizações artísticas quanto como importantes registros do passado. O diretor da sociedade Elliot Evan observou: "A partir dessas fotos, muito do senso de urgência e significado do artista pioneiro do aqui e agora, da história em formação, é comunicado a nós." (Evans, 1955: 12) Ambas as vidas pessoais e artísticas desses primeiros artistas pioneiros da Califórnia estavam entrelaçadas com a história - eles estavam criando história à medida que faziam sua arte. Os primeiros artistas foram fundadores do Bohemian Club, membros da Sociedade Pioneira, Comitê Vigilante do Corpo de Bombeiros Voluntário, etc. suas realizações artísticas.

A coleção fotográfica de mais de 60.000 imagens é considerada em uma coleção separada e as impressões litográficas são consideradas em uma categoria separada. Na discussão das obras de arte originais abaixo, incluindo pinturas (aquarelas, pastéis, óleos) e desenhos, os artistas e temas e estilos de arte que representam a parte mais forte e coesa da coleção da Sociedade das primeiras artes da Califórnia de meados de 1800 a aproximadamente o início do século 20 será explorado (Capecci, et al., 2005). Biografias individuais de artistas importantes da coleção estão vinculadas a esta visão geral.

Arte da Corrida do Ouro
Historiador da Society of California Pioneers J.S. Hittell comentou em 1878 sobre a rápida transformação de São Francisco de “uma vila tão insignificante que mal tinha uma menção no mapa” para palácios “que rivalizam com as casas dos príncipes europeus” (Olmsted, 1971: 1).

San Francisco cresceu rapidamente de uma cidade próspera para a Paris do Oeste a partir das riquezas acumuladas na corrida do ouro de 1849, tanto da mineração quanto da prestação de serviços aos garimpeiros. O desejo da América de competir com a cultura europeia no século XIX alimentou uma demanda por retratos formais e em nenhum lugar isso era mais verdadeiro do que no início de São Francisco, onde pintores de retratos logo se tornaram residentes estabelecidos (Jones, 1995 Hughes, 2002: 7). O artista pioneiro William Keith comentou sobre o apogeu da arte em São Francisco:

“As pessoas tinham dinheiro, tinham mais do que precisavam, então compravam obras de arte com generosidade ... homens que podiam misturar cores e colocar cores na tela não tinham dificuldade em vender a tela acabada. Alguns dos que vendiam quadros aqui naquela época podiam fazer mais do que misturar cores, e alguns poucos podiam até pintar quadros merecidamente classificados como obras de arte ... o país era jovem então e os homens podiam ver a poesia, o romance e a arte que colocar em suas próprias portas ... ”(The Call, 1895)

A Sociedade acumulou uma coleção importante dessas primeiras pinturas de retratos que incluem um retrato de James Lick de Alice Chittenden, vários de William Smith Jewett, incluindo retratos de Joseph Folsom e John Sutter, e o retrato de Adeline Ballou do icônico personagem de São Francisco, Imperador Norton. Mesmo com o advento da fotografia na década de 1850, a pintura era considerada como tendo mais status entre os ricos e a demanda por pintura continuou forte até o século 20 (Capecci, et al., 2005).

Pinturas de gênero da vida doméstica e cotidiana na Califórnia refletindo a diversidade única e originalidade da cultura californiana foram temas populares nos primeiros dias e estão bem representados na coleção da Sociedade Pioneira. Quatro pinturas de gênero excepcionais fazem parte da coleção da Sociedade desde a era pré-terremoto: O pioneiro por Jules Tavernier, pintado em 1877 William Ralston dirigindo seu carrinho de dois cavalos por Thomas Hill em 1860 ano Novo Chinês por Ernest Narjot em 1888 e Sonho de Mineiro por um artista desconhecido ca. 1850 (Haas, 1999).

A era da grande pintura de paisagens
Durante a década que se seguiu à conclusão da ferrovia transcontinental em 1869, a natureza selvagem cênica e intocada da Califórnia tornou-se mais acessível (Jones, 1995: 1). A grandiosidade da acidentada Sierra Nevada, das sequoias gigantes e do vale de Yosemite se tornou um ímã para artistas dos estados do leste e da Europa. A paisagem da Califórnia se tornou o símbolo da expansão ocidental e do destino da América, mitificada como um Éden exótico e intocado (Capecci et al., 2005). O historiador da Califórnia Kevin Starr explica, & # 8220Os anos 1870 estavam emergindo como uma era dourada da pintura de paisagens no Far West, e a Atenas dessa era dourada era San Francisco & # 8221 (Starr, 2011). Durante a próspera década de 1870, muitos clientes ricos encomendaram grandes paisagens para enfeitar as paredes de suas casas palacianas em São Francisco. (Hughes, 2002: 8 Baird, 1970: 5)

Muitos artistas da Califórnia viajaram por terras exóticas a caminho de São Francisco antes da construção do Canal do Panamá. Na década de 1870, as pinturas de paisagens tropicais tornaram-se moda e muitos artistas pintaram cenas tropicais a partir de desenhos e fotografias feitos no caminho para a Califórnia e em novas viagens para o Havaí, México e América do Sul e Central (Neubert, 1971). Desde o início, a arte na Califórnia desenvolveu uma identidade regional caracterizada por um profundo senso de lugar, uma espécie de comunhão mística entre o artista e a terra. As pessoas eram tipicamente retratadas em proporções minúsculas em comparação com a vasta escala da selva circundante. A maioria desses primeiros artistas, incluindo Thomas Hill e William Keith, viajou extensivamente na Sierra a pé ou a cavalo, enquanto fazia longas viagens de desenho. Desenhos de campo foram usados ​​para desenvolver paisagens pintadas acabadas em seus estúdios de São Francisco (Jones, 1995: 1). Além de Hill e Keith, outros notáveis ​​paisagistas da época incluídos na coleção da Sociedade dos Pioneiros da Califórnia são Hiram Bloomer, Ransom Holdredge, Virgil Williams, Julian Rix, William Marple e Juan Wandesford (Miller, 1975). Durante este mesmo período, temas marítimos e outros assuntos de transporte, como trens foram retratados em marinhas e paisagens. A coleção da Sociedade inclui notáveis ​​artistas marítimos da Califórnia deste estilo, Gideon Denny, William Coulter e Charles D. Robinson.

Primeiros movimentos de artistas em São Francisco
A primeira grande exposição de arte na Califórnia foi realizada em 1857 na Primeira Exposição Industrial Anual do Instituto de Mecânica de São Francisco. A California Art Union, fundada em 1865, realizou apenas duas exposições de arte (Mille, 1975: 10). Fundado em 1872 em San Francisco, o clube Bohemia tornou-se um centro para o crescimento da arte e de todas as coisas culturais. Entre seus membros fundadores estavam os artistas Jules Tavernier, Thomas Hill, William Keith e Theodore Wores, cujas obras estão representadas na coleção da Sociedade. Fundada em 1871, a San Francisco Art Association estabeleceu a primeira escola de arte, a California School of Design, em 1893, localizada na antiga mansão de Mark Hopkins. A School of Design foi um campo de treinamento para artistas emergentes e eventualmente evoluiu para o moderno San Francisco Art Institute (Hughes, 2002). As primeiras mulheres artistas expuseram no bastião masculino do clube Bohemian e foram membros fundadores da Art Association. Dos sessenta alunos da primeira turma da Escola de Design, quarenta e seis eram mulheres. Uma dessas primeiras alunas, Alice Chittenden, se tornou uma das primeiras mulheres a expor no Bohemian Club, a primeira mulher docente da School of Design e sócia fundadora do Sketch Club feminino de 1906. Obras de Chittenden estão incluídas na coleção da Society of California Pioneers, bem como do membro do Sketch Club Mary Richardson (Wilson, 1983).

Influências europeias
Os artistas da escola francesa Barbizon em meados de 1800 se tornaram os primeiros pintores plein air a trabalhar ao ar livre, onde experimentaram a paisagem direta e pessoalmente. “En plein air” é uma expressão francesa que significa & # 8220 ao ar livre & # 8221 (Jones, 1996 Baird, 1967). Seu estilo romântico, evocativo e realista era bem adequado à inclinação californiana de ver a paisagem como uma metáfora. Hiram R. Bloomer e Ransom Gillet Holdredge, ambos representados na coleção da The Society of California Pioneers, estiveram entre os primeiros artistas da Califórnia a partir para Paris, leiloando suas pinturas em 1874 para financiar a viagem (Baird, 1967). O pintor nascido na Dinamarca, Joachim F. Richardt, adotou esse estilo em sua pintura de 1876 San Francisco by Moonlight, considerada uma das obras de arte mais importantes do pré-terremoto de São Francisco e uma das principais obras da coleção da Sociedade (Harrison, 1989). A famosa pintura A descoberta da Baía de São Francisco por Portola de Emile Pissis exibida em 1896 é também uma importante obra deste período e estilo em nossa coleção.

Embora o tonalismo californiano dos anos 1890-1920 tenha origens no movimento francês Barbizon, ele é diferente da pintura ao ar livre. O Tonalismo explorou a paisagem da imaginação do artista em vez de um lugar identificável usando uma paleta discreta de cores frias e cinzas para cenas muitas vezes vistas através de uma névoa na luz reduzida do início da manhã ou da noite (UC Davis, 1967 Jones, 1995). Essas paisagens tranquilas de natureza intensamente pessoal permitem que o espectador se imagine passeando ou sentando-se calmamente em uma paisagem de escala humana, em contraste com as vistas grandiosas e selvagens de Yosemite. O tonalismo se tornou o estilo dominante no norte da Califórnia na virada do século, enquanto a influência do impressionismo estava apenas começando a ser sentida na Califórnia, décadas após seu desenvolvimento na Europa. William Keith foi influente mais tarde em sua carreira artística ao tornar o Tonalismo o estilo artístico dominante no final do século XIX.

Tempos de expansão e recessão, desastre e diáspora
A popularidade das paisagens da Califórnia sustentou uma próspera comunidade artística até a década de 1880, quando um declínio econômico resultante do fim do boom da prata em Nevada em 1878 e o aumento das viagens para o exterior em grandes passeios pelos ricos patronos da arte de São Francisco mudou o gosto para a coleção de mais arte europeia . Os alunos matriculados na San Francisco School of Design, enfrentando perspectivas severamente reduzidas em casa, partiram para estudar no exterior (Miller, 1975 Wilson, 1983). Os artistas de São Francisco William Keith e Arthur E Mathews, inspirados por seus estudos em Paris, construíram uma ponte entre as antigas tradições artísticas de paisagens épicas da Califórnia e os primeiros experimentos impressionistas de uma nova geração emergente de artistas inspirados pelos movimentos artísticos europeus. Keith e Mathews foram fundamentais na organização da exposição de arte na Feira Internacional de Midwinter da Califórnia em 1894, realizada no Golden Gate Park de São Francisco, que reviveu a estagnada cena artística da Califórnia (Hughes, 2002). No entanto, a revigorada cena artística de São Francisco morreu com o terremoto e o incêndio de 1906. Galerias, coleções particulares e estúdios de artistas foram perdidos em um golpe mortal mais profundo do que a queda da arte na década de 1880. No rastro da destruição, um êxodo de artistas deixou São Francisco para outras localidades, incluindo o sul da Califórnia.

Impressionismo da Califórnia e o desenvolvimento de uma identidade regional
Apesar da atenção gerada para os artistas da Califórnia pela Exposição Internacional do Panamá-Pacífico em 1915, que foi chamada de "divisor de águas mais importante na história da arte da Califórnia" (Wilson, 1983: 7), no início do século 20 todos, exceto o mais famoso dos primeiros artistas da Califórnia caíram em relativa obscuridade no cenário artístico nacional. Apesar de seu perfil mais baixo, um movimento de arte regional floresceu de 1900 a 1950, quando as paisagens dramáticas e a qualidade da luz da Califórnia se tornaram os temas favoritos dos artistas de inspiração impressionista do sul da Califórnia em lugares como Carmel-by-the-Sea, Laguna Beach, Los Angeles e Pasadena da adolescência aos anos 1930. A French Barbizon School, no norte da Califórnia, havia se tornado tão arraigada que tendia a inibir a introdução de novas influências, (Hughes, 2002), com exceção de uma "Sociedade dos Seis" de pintores de Oakland organizada em 1917 (AskArt) e o surgimento da Estilo decorativo da Califórnia. O uso da cor pelo pintor da Sociedade dos Seis em pinturas ao ar livre pavimentou o caminho para os artistas modernos do pós-guerra da região, como Richard Diebenkorn e Wayne Thiebaud. Arthur Mathews, que era juiz de arte na Exposição do Panamá-Pacífico, inspirou um estilo pós-terremoto conhecido como Decorativo da Califórnia com pinturas em um estilo decorativo plano de figuras clássicas brincando em paisagens idílicas, murais e vários objetos decorativos durante o auge do Movimento American Arts and Crafts. (Hughes, 2002) Representado na coleção da Society of California Pioneers, Eugen Neuhaus, um artista nascido na Alemanha que chegou à Califórnia pouco antes do terremoto, desenvolveu sua própria versão do estilo decorativo em paisagens tipo mural com áreas ousadas de cor lisa (Baird, 1970).

O impressionismo californiano atingiu seu pico de popularidade nos anos anteriores à Grande Depressão de 1929, quando o mercado de arte entrou em colapso junto com o resto da economia (Stern, 2001). Depois dessa época, houve um interesse crescente na pintura realista social para refletir as lutas da época e uma geração mais jovem de artistas começou a experimentar a pintura abstrata inspirada em temas além da paisagem (Jones, 1996). Nas décadas de 1960 e 1970, a arte americana do século XIX teve um renascimento e, mais uma vez, as primeiras pinturas de paisagens majestosas e românticas da Califórnia desfrutaram de uma valorização renovada à medida que a natureza selvagem americana estava desaparecendo rapidamente do ataque do desenvolvimento urbano (Baird, 1970).

-Dana Smith, estagiária
Novembro de 2012

Livros

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Materiais impressos - Society of California Pioneers

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San Francisco Art Institute - História

Depois de grandes cortes e críticas dos alunos, alguns pensaram que o SFAI era história, mas a escola de arte de 149 anos não está desistindo.

/> San Francisco Art Institute, Chestnut Street Campus. (Foto cortesia de SFAI)

Pouco antes das 15h30 na segunda-feira, 23 de março, Gordon Knox, o presidente do San Francisco Art Institute, e Pam Rorke Levy, a presidente de seu Conselho de Curadores, enviaram um e-mail de nove parágrafos, com o assunto de uma palavra "Update", para o alunos, professores, funcionários e apoiadores da escola que disseram que a instituição estava “considerando a suspensão de nossos cursos regulares e programas de graduação começando imediatamente após a formatura em maio deste ano”.

O San Francisco Art Institute funciona há 149 anos, e a notícia de que em breve deixará de ser uma instituição que concede um diploma - e logo deixará de ser o tipo de escola que atraiu um quem é quem do corpo docente (incluindo Ansel Adams, Dorothea Lange , Mark Rothko, David Park e Joan Brown) e uma lista de alunos que se tornaram estrelas do mundo da arte (incluindo Annie Leibovitz, Karen Finely e Kehinde Wiley) - foi um dos anúncios mais impressionantes do O mundo da arte de São Francisco nos últimos tempos.

As sete semanas desde aquele e-mail fatídico foram igualmente tumultuadas. O corpo docente da escola recebeu notificações de dispensa. Os alunos que deveriam continuar suas aulas no outono foram orientados a encontrar outra escola. E alguns desses professores e alunos - irritados com a súbita mudança de sorte da escola - acusaram a administração de incompetência, dizendo que a escola exagerou quando teve milhões de dólares em dívidas em 2015 para abrir uma extensão do campus em Fort Mason, e que a SFAI's os problemas orçamentários, que motivaram o anúncio de 23 de março, foram em parte culpa da própria escola.

A escola, que tem dívidas de US $ 19 milhões e apresenta déficit orçamentário anualmente, tinha 700 alunos em 2015. Agora, apenas cerca de 300 estão matriculados. A diminuição do corpo discente do San Francisco Art Institute - uma realidade que as faculdades dos Estados Unidos também enfrentam - foi agravada pelo alto custo de vida de San Francisco, diz Levy, que defende a expansão do Fort Mason da escola como um passo então necessário para evoluir os programas da escola e oferecem aos alunos de pós-graduação um espaço acessível e próximo para estúdios, em vez de fazê-los atravessar a cidade de São Francisco até a 3rd Street, onde realiza o 3rd Street Studios Program.

/> San Francisco Art Institute e campus do Fort Mason Center # 8217s. (Foto cortesia de SFAI)

“Talvez fosse melhor não pegar Fort Mason”, diz Levy SF Weekly. “Mas quando penso sobre a alternativa, não sei naquela estaria certo também. Acho que isso pode ter tido um efeito ainda mais dramático nas inscrições a longo prazo. ”

Levy e o diretor de operações Mark Kushner contam SF Weekly que o San Francisco Art Institute ainda pode continuar seu papel de longa data como uma instituição de concessão de graduação. Eles também dizem que uma manifestação pública de apoio arrecadou mais de US $ 4 milhões nas últimas sete semanas, e que Wiley - cujas pinturas são vendidas regularmente por mais de US $ 250.000 - se ofereceu para doar cinco obras de arte ao longo de cinco anos para arrecadar dinheiro de bolsa para a escola alunos mais necessitados. Doações futuras e futuros leilões de benefício de obras de arte de Wayne Thiebaud, Robert Mapplethorpe e outros artistas também irão reforçar os cofres da instituição, e Levy diz que a escola ainda está considerando vender seu bem mais valioso: um mural de 1931 avaliado em US $ 50 milhões, A fabricação de um afresco mostrando a construção de uma cidade, aquele aclamado muralista mexicano Diego Rivera pintou dentro do antigo campus Russian Hill da instituição em Chestnut Street.

“Seria negligente não considerar isso”, diz Levy. “Qualquer pequena instituição que tem uma obra de arte valiosa está sempre pensando:‘ O que esse trabalho compraria em termos de gerações de alunos? ’”

Levy e Kushner dizem que também estão considerando outras opções, incluindo transformar o San Francisco Art Institute em uma escola que oferece aulas de educação de adultos, aulas online para alunos de todas as idades ou seminários tipo residência onde artistas como Wiley entrariam e Ensinar. Em outras palavras, o San Francisco Art Institute pode se reinventar como uma instituição que combina aulas de arte populares para adultos (como aulas oferecidas pela UC Berkeley Extension, Stanford Continuing Studies e outros estabelecimentos educacionais) com aulas online e presenciais para alunos que estão interessados ​​em uma experiência mais acadêmica.

“Pode ser que faça mais sentido para nós sermos um programa de residência artística, onde convidamos Kehinde de volta e ele dá uma aula magistral”, diz Levy. “Existem todos os tipos de permutações diferentes que poderíamos observar. Poderíamos ativá-lo também como um espaço social que faz parte da comunidade. … Ensinamos arte prática em estúdio em um ambiente muito personalizado - um tipo de coisa muito individual. O que pode ser isso para outras plataformas? Para outros públicos? Para alunos adultos? Eu assisto uma aula a cada trimestre na Stanford Continuing Education, e provavelmente farei isso pelo resto da minha vida. Por que não trazer pessoas para o San Francisco Art Institute para continuar tendo aulas de arte pelo resto de suas vidas? Então, realmente desenvolvendo esses outros mercados e população de uma forma que realmente não fizemos nos últimos 10-20 anos. ”

“A desvantagem de ser um programa de graduação”, acrescenta Levy, “é que tende a ser insular. Esta é uma oportunidade de abri-lo e vivificá-lo de uma forma que foi durante a maior parte de sua história. ”

De 1871 a 1954, o Instituto de Arte de São Francisco não ofereceu diplomas, Kushner ressalta, dizendo que: “Era uma associação de arte. Era para artistas. A escola tem muitas permutações historicamente e pode ser muitas coisas diferentes no futuro. Estamos tentando reimaginar como seria uma faculdade de arte financeiramente sustentável no século 21? Como faremos isso nos próximos 150 anos? Como podemos permanecer sustentáveis ​​para que não tenhamos essa dor anual de problemas financeiros? ”

Em um cenário, a escola se funde com outra instituição - não com outro campus de artes, mas com um mandato educacional mais amplo, como uma universidade privada - que pode permitir que o San Francisco Art Institute continue seus programas de concessão de diplomas. A escola estava perto de anunciar tal fusão há alguns meses, mas essas negociações fracassaram em meio à economia vacilante, que foi atingida por fechamentos de abrigos no local relacionados ao COVID-19. Levy diz que a administração do instituto não teve escolha a não ser rescindir os contratos de seus cerca de 150 professores e funcionários, e dizer aos alunos que retornariam no outono para encontrar outras escolas - embora ainda haja uma chance de o San Francisco Art Institute o fará , no último minuto, manter seus programas de concessão de graduação no outono.

/> Mural de Diego Rivera no campus da Chestnut Street da SFAI. (Foto cortesia de SFAI)

“É nossa intenção oferecer aulas de graduação”, diz Kushner, “mas estamos trabalhando com o credenciamento e outras pessoas para entender o que isso significa. Então, isso é um ‘TBD’. Certamente estamos oferecendo aulas de arte e instrução de arte. Temos vários professores que querem lecionar no ano que vem, e um dos cargos é dotado. Estamos investigando, ‘O que é um programa de graduação? E o que é um programa credenciado? 'Então, isso também está no ar. ... É minha intenção oferecer programas de graduação, mas isso ainda está para ser visto. ”

Apesar disso, alguns alunos e professores dizem que as ações passadas e atuais da administração refletem uma visão míope da missão da escola - e que, mesmo desde o anúncio de 23 de março, a escola tem atrapalhado seu alcance aos alunos e professores, criando um nível de desconfiança que eles dizem era desnecessário e isso minou qualquer boa vontade para com a instituição. Um exemplo, eles dizem: para arrecadar dinheiro, a administração está tentando alugar o espaço Fort Mason de 67.000 pés quadrados da escola, onde muitos alunos de pós-graduação ainda têm suas obras de arte - mas, dizem eles, a administração ignorou seus pedidos de prazo atualizações sobre o possível aluguel e que tal aluguel pode forçar os alunos durante os pedidos de abrigo no local do COVID-19 a recuperar seus pertences. Muitos alunos preferem manter suas obras de arte em Fort Mason durante o período de abrigo obrigatório no local.

“Nosso problema é que a escola parece estar escolhendo essa via de financiamento, o que realmente prejudicará seus próprios alunos ao nos forçar a sair no meio da pandemia”, diz Evan Pettiglio, que completou um MFA em estúdio de arte neste semestre. “Ao contrário de escolher outras rotas para gerar fundos que não exigem que mais de 100 alunos cheguem, talvez com uma semana de intervalo entre si, para retirar uma grande quantidade de pertences do prédio, o que poderia colocar todos nós em risco.”

Os alunos também dizem que a administração tratou mal uma oportunidade de ajudar os alunos não formandos a se transferirem para outras escolas. “Eles nos disseram desde o início: 'Vocês deveriam apenas se transferir para escolas diferentes'. Mas o governo nos deu pouca ou nenhuma ajuda ou orientação em termos de tornar essa transição mais tranquila”, disse Cardamom Blue, que é um dos três alunos da SFAI que formaram um grupo de protesto chamado Grupo Revolucionário de Ação Extra, que diz que a administração da escola deve ser responsabilizada mais pelas falhas financeiras da SFAI e deve ser mais transparente com os alunos, professores e funcionários sobre como está planejando corrigir o finanças da escola e avançar com as aulas.

“Não havia desculpa para eles não pularem nisso e ajudarem seu corpo discente”, diz Blue.

Blue, que neste semestre obteve um diploma de graduação na SFAI, está dando um discurso de formatura em vídeo para a formatura virtual da escola que está marcada para 16 de maio. Algumas semanas atrás, Blue e outros membros do grupo jogaram uma faixa de protesto nas portas fechadas do campus da Chestnut Street da SFAI que dizia: “Aqui está a Top Art School de São Francisco, RIP, 1871-2020”. Blue e os outros membros do grupo dizem que os seguranças da escola foram avisados ​​para chamar a polícia imediatamente se manifestantes aparecerem em qualquer lugar dentro do campus - mas eles dizem que as ações do grupo galvanizaram colegas que deixaram a escola frustrados logo após o anúncio de 23 de março.

“Muitos alunos (SFAI) que foram deslocados para fora da área da baía estão felizes e gratos por estarmos fazendo algo, ”Diz Liz Hafey, uma estudante de graduação do primeiro ano que é outro membro do Extra Action Revolutionary Group e diz que está se transferindo para outra escola. “Portanto, representamos uma grande parte da nossa comunidade.”

Kal Spelletich, um artista de longa data e instrutor adjunto que ministra cursos populares de robótica, hacking, arte e tecnologia no San Francisco Art Institute e que apóia o grupo, diz que a administração está fazendo seus planos sem consultar seriamente os instrutores da escola - embora Kushner nega essa afirmação.

“Eles mantêm essas quase-prefeituras pedindo opiniões, mas mais ou menos nos dizendo o que eles vão fazer - ou não exatamente nos dizendo - e fingindo que temos uma voz nisso”, diz Spelletich, que é conhecido por seus primeiros Burning Man arte e ganha cerca de US $ 5.000 por semestre para dar uma única aula. “Estive envolvido em muitas ações na política da cidade e é a mesma coisa - eles têm um processo de tomada de decisão no qual você não está incluído. Tenho uma proposta que espero que Kushner veja que estamos flutuando ao redor. Estou inserido na cena da tecnologia da arte do robô. Por que não transformamos isso em uma escola de arte e tecnologia de ponta, invertemos todo o roteiro, fazemos com que o corpo docente comande mais, sermos inovadores na educação e darmos aulas neste verão? Estamos entregando a eles essas ideias matadoras, mas não estamos obtendo resposta. Pelo menos ainda não. E as pessoas têm medo de falar. E aqui estou - mordendo a mão que nunca me alimentou muito bem. ”

Nos dias que se seguiram ao anúncio da faculdade em 23 de março, muitas pessoas pensaram que o San Francisco Art Institute estava perto de fechar definitivamente e vários relatos da mídia divulgaram essa possibilidade. Levy e Kushner dizem que um desligamento completo nunca foi considerado. Mas como a escola se reinventa e como essa reinvenção afeta o corpo docente atual e até mesmo a reputação da escola, ainda está para ser visto. E essa incerteza persistente, por enquanto, lançou uma mortalha sobre a escola - mesmo que o San Francisco Art Institute mantenha seus programas de graduação para alunos de graduação e pós-graduação, e mesmo como Levy, Kushner e outros administradores SFAI dizem que são fazendo o seu melhor para salvar o futuro da escola. Mesmo os alunos que ficaram por aqui e estão participando da formatura virtual deste mês estão tendo dificuldade para comemorar. Os instrutores também estão se sentindo condenados ao ostracismo.

“Não há confiança - ela foi quebrada”, diz Spelletich, que leciona na escola há 13 anos. “Essencialmente, todo o corpo docente foi demitido. Meu contrato termina na próxima quarta-feira (13 de maio). Eles nos disseram que nossos contratos são nulos e sem efeito, ou alguma outra terminologia - mas estamos todos sem trabalho. Eu não tenho emprego. Vou fazer 60 este ano. Quem diabos está contratando um artista esquisito de 60 anos no meio de uma sociedade em colapso? Eu estou chateado."

(Kushner diz que não sabe "exatamente quando e quantas" pessoas serão demitidas, mas que "teremos que eventualmente demitir professores e funcionários.")

Blue, que está pré-gravando o discurso de formatura em 16 de maio, diz que o endereço será positivo - apesar do que Blue chama de tentativas da escola de minimizar potenciais protestos estudantis. Mesmo com as peças pré-gravadas, a formatura virtual do dia 16 de maio tem transmissão ao vivo no YouTube.

“Se quisermos falar alguma coisa sobre a escola ou a administração, não podemos”, diz Blue. “Eles estão garantindo que isso seja completamente censurado. ... Eles querem ter certeza de que não há nada de adverso em meu discurso, eu acho. E, na verdade, eu não abordei nada disso realmente. Eu deixei cair uma linha sobre COVID-19 no final dela. E fiz isso porque estou olhando para esta formatura como um momento para comemorar. E eu queria me concentrar nisso, em oposição a toda essa negatividade. ”


Sonhos abortados

Cansado de seu trabalho de vendas, Brandon Schultz decidiu finalmente perseguir seu sonho de se tornar um designer gráfico em 2008. Ele se matriculou na divisão online do Art Institute & # x27s. "Eu queria entrar em um campo de que gostasse", disse Schultz, 36 anos. & quotThe Art Institute of Pittsburgh, parecia sofisticado. & quot

Ele logo ficou desapontado ao descobrir como as aulas eram básicas. "Foram apenas algumas lições para iniciantes sobre como usar esses programas", disse Schultz. & quotNunca fiz nenhum trabalho de design gráfico. & quot

Ele diz que a comunicação com os professores era escassa e que seu tempo com os tutores da escola era estritamente limitado.

"Só consegui falar com um tutor por um certo tempo até que eles me cortaram", disse ele. & quotMuitos deles & # x27não sabiam realmente falar inglês. & quot

Ele estava apenas uma classe tímida de se formar com seu diploma de associado em design gráfico, disse ele, quando recebeu um telefonema preocupante de alguém do Instituto de Arte. Disseram que ele estava sem empréstimos.

"Fiquei bravo", disse Schultz. & quotEu estava tipo, & # x27O que você está falando? Você está me dizendo no final de tudo isso? & # X27 & quot

Desesperado, ele aceitou o empréstimo.

"Acho que escolas como essa se aproveitam do fato de que muitas pessoas não recebem orientação sobre como ir para a faculdade", disse Schultz. & quotEles apenas fazem o que precisam para obter seu diploma. & quot

Schultz foi a entrevistas para cargos de design gráfico, mas disse que não estava preparado para os testes de trabalho comuns que esses empregadores atribuem.

Agora, ele ganha a vida com trabalhos estranhos, como pintura e paisagismo, e diz que não tem como pagar os mais de US $ 80.000 que deve por seu tempo no Art Institute. Ele entrou com um pedido no governo, alegando que seus empréstimos federais deveriam ser cancelados, mas ele não teve uma resposta.

"Tudo o que posso fazer é esperar que o governo me dê algum tipo de julgamento", disse Schultz.

Em resposta a uma onda de reclamações de alunos de que foram fraudados por suas escolas, o Departamento de Educação do presidente Barack Obama anunciou um regulamento em 2016 que estabeleceria um processo administrativo para que as pessoas tivessem seus empréstimos federais cancelados se sua escola acabasse ser predatório.

Essa regra foi definida para entrar em vigor em julho de 2017.

Apenas um mês antes dessa data, no entanto, um grupo da indústria do setor universitário com fins lucrativos, a Associação de Escolas Privadas de Ensino Superior da Califórnia, entrou com uma ação no Departamento de Educação, argumentando que a regulamentação estava fora da autoridade do governo. Logo depois, o departamento anunciou que estava adiando certas disposições do regulamento. Poucos meses depois, o departamento anunciou mais um atraso.

Falando em uma conferência, a secretária de Educação, Betsy DeVos, disse que sob a regra atual, "tudo o que uma pessoa precisava fazer era levantar a mão para ter direito ao chamado dinheiro grátis".


10 lugares mais incrivelmente assombrados de São Francisco

# 10) Neptune Society Columbarium

Crédito da foto: flickr / sally_mcburney

Só a ideia de andar por um cemitério, mausoléu ou columbário pode causar calafrios.

No entanto, o San Francisco Columbarium, também conhecido como Neptune Society Columbarium, causará arrepios na espinha enquanto você caminha entre as cinzas cremadas de mais de 30.000 restos mortais.

Alguns deles datam de 1898, quando o edifício fazia parte da sociedade secreta The Odd Fellows.

Embora as condições do prédio e os restos mortais sejam suficientes para assustar os visitantes, na verdade existem fantasmas que andam inquietos ao redor do columbário.

Você pode identificar um se for para lá à noite ou ser uma das poucas pessoas que realmente sentiu sua presença.

Uma mulher que recentemente fez um passeio pelo Columbarium sentiu uma mão em suas costas, mas não viu ninguém quando se virou.

No entanto, ela descobriu uma marca de mão branca em sua blusa escura quando chegou em casa!

# 9) Trinity + St. Igreja Episcopal Peters

Por mais sagradas que as igrejas possam ser, elas são um dos lugares favoritos dos fantasmas.

Trinity + St. A Igreja Episcopal Peters vem para provar isso, pois é um dos lugares insanamente mal-assombrados de São Francisco.

Os frequentadores da igreja viram uma figura cinza sair do banheiro masculino apenas para desaparecer por uma parede do outro lado do corredor.

Até a data, ninguém foi capaz de identificá-lo ou descobrir o que o fez assombrar este local específico.

Enquanto estava na Trinity + St. Igreja Episcopal de Peters, você também deve experimentar 3 versões direcionais, o que é estranho considerando o quão fechado é o lugar.

Você também pode notar a sombra de uma pessoa dançando nas paredes ou até mesmo ter sorte (?) De se deparar com o fantasma de terno branco.

Espere um olhar mortal e um rosto sinistro encontrar seus olhos.

Como a figura cinza, o motivo pelo qual ele assombra a igreja é desconhecido.

# 8) Alcatraz

Crédito da foto: flickr / JaveFoto

Uma formidável penitenciária federal no passado, Alcatraz continua a assustar aqueles que vêm a ela.

Visite esta prisão assombrada em San Francisco e você ouvirá os sons de homens em conversas acaloradas, gemidos, soluços, gritos e portas de metal batendo.

Há também histórias de uma entidade chamada ‘The Thing’, que tem olhos brilhantes e um cheiro terrível.

Porém, eles não são nada comparados aos próprios fantasmas de Alcatraz.

Crédito da foto: Matthew Christopher

Se você realmente deseja enviar arrepios na espinha, vá para o D-Block.

Conhecido como o quarteirão mais assombrado de toda a prisão, é onde os piores presidiários costumavam ser trancados.

Mesmo quando Alcatraz estava funcionando, os criminosos mais duros gritavam por ajuda.

Alguns dizem que um prisioneiro do século 19 costumava matar presidiários ali, acrescentando seus espíritos aos que já estavam presos lá para sempre.

Faça um tour e pare nas células 12 e 14D para uma experiência verdadeiramente assustadora ... se você ousar!

# 7) Os Banhos Sutro

Os Banhos Sutro são agora ruínas do que antes era um grande complexo de piscinas públicas de água salgada.

Queimados por um incêndio misterioso na década de 1960, hoje os Banhos Sutro são assombrados pelos espíritos de quem mais desfrutou de suas instalações em suas vidas.

Você pode facilmente identificá-los por suas roupas, especialmente durante a noite, já que o clima de São Francisco torna incomum que as pessoas exibam vestidos de sol e calças de banho.

Na maioria dos casos, os fantasmas irão ignorá-lo.

Parece que eles estão presos em um loop, revivendo o apogeu dos Banhos Sutro.

Você pode até ouvir risos e cantos se se concentrar o suficiente.

Mesmo que você não acredite em histórias de fantasmas, recomendamos que você não se aventure nos túneis por conta própria.

A entidade por trás das marcas de garras em todo o sistema de túneis pode não ser tão inofensiva quanto os fantasmas no topo.

# 6) Golden Gate Park

Crédito da foto: flickr / good_dood

O Golden Gate Park é realmente um dos lugares insanamente mal-assombrados de São Francisco, pois tem TRÊS entidades esperando para interagir com os vivos.

O primeiro vem da história da Dama do Lago, com a qual muitos habitantes locais estão familiarizados.

O fantasma descalço de cabelos louros em um vestido branco sujo está constantemente procurando por seu bebê que rolou no lago e se afogou enquanto ela estava ocupada conversando com outra mulher.

Se você quiser fazer seu coração bater mais forte por um segundo, tome cuidado com a senhora branca perto da estátua das Mulheres e Crianças Pioneiras.

Enquanto o fantasma está ativo, a estátua se move!

Ele ganha vida e sua expressão muda.

Às vezes, seu rosto muda de forma ou seus braços ou cabeça desaparecem!

Apenas certifique-se de não ser pego pelo policial fantasma de Golden Park Gate.

Depois de morrer em serviço no parque, ele tende a vagar e emitir multas para aqueles que cometem infrações de trânsito.

Se você se deparar com ele, saia do parque imediatamente!

# 5) Centro Médico UCSF

O UCSF Medical Center está cheio de energia durante o dia, mas chega a noite, os longos e solitários corredores tornam-se frios e assustadores com todos os fantasmas deslizando por eles.

Você pode se deparar com mulheres que morreram no parto ao espiarem os quartos das pacientes no 15º andar, onde ficava o Berçário de Terapia Intensiva.

Algumas novas mães foram atacadas lá por entidades malévolas que as odiavam por terem sobrevivido ao parto.

O 8º andar é o mais assustador.

Anteriormente a unidade pediátrica do UCSF Medical Center, os espíritos das crianças assombram o local.

Eles costumavam pregar peças em outros pacientes lá, muitos dos quais levaram a algumas mortes.

Como resultado, todo o chão teve que ser exorcizado.

Ainda assim, alguns dos fantasmas mais jovens permanecem, assustando a equipe, os pacientes e outros que procuram se conectar com eles.

# 4) Ponte São Francisco-Oakland Bay

Crédito da foto: flickr / exxonvaldez

A ponte da baía de SF tem alguns fantasmas que estão tentando fazer com que os que estão dirigindo.

Existem até relatos paranormais recentes de pessoas caminhando pela nova Bay Bridge no lado de Oakland.

O primeiro fantasma é o de um homem usando um chapéu e capa de chuva estilo anos 40.

Diz a lenda que seu carro quebrou em 1948 no lado da ponte de São Francisco e foi atropelado enquanto ele caminhava até uma cabine telefônica.

Se você o vir, certifique-se de olhá-lo com o canto do olho.

Ele vai desaparecer se você olhar diretamente para ele.

Se você não conseguir vê-lo, com certeza encontrará o homem sem cabeça.

Possivelmente vítima do terremoto Loma Prieta em 1989, ele tende a se esgueirar para o banco de trás de motoristas desavisados.

Se você não o vê, mas ouve batidas nas janelas do seu carro enquanto dirige no convés inferior, talvez seja o Bay Bridge Troll.

Encarregada de guardar a ponte, os moradores dizem que ela costumava residir na escultura de ferro de 18 polegadas, mas agora se esconde do sol sob as águas rasas da baía.

# 3) Instituto de Arte de São Francisco

Crédito da foto: wanderart.org

O Art Institute of San Francisco foi assombrado por décadas.

Os fantasmas do cemitério Russian Hill onde foi construído ficaram furiosos depois que sua casa para sempre foi perturbada.

Seus gritos e vozes raivosas podem ser ouvidos em todo o campus.

Muitos alunos ficaram apavorados com o som de passos os seguindo depois que as luzes se apagaram repentinamente.

Você pode querer ficar longe da torre da escola.

Há uma presença maligna ali que é conhecida por causar problemas de saúde, problemas pessoais e causar acidentes.

O espírito interferiu na construção da torre por meio deles, gritando às vezes para assustar os trabalhadores ou quebrando móveis para mostrar sua raiva.

Uma sessão espírita na torre revelou que existem vários fantasmas por trás das assombrações lá.

Portanto, vá para o San Francisco Art Institute com cautela.

# 2) Casa Donaldina Cameron

Crédito da foto: flickr / mdalton

Donaldina Cameron foi um anjo por esconder imigrantes chineses forçados à prostituição e à escravidão na Chinatown de São Francisco.

No entanto, queimar sua casa junto com os imigrantes que buscavam refúgio lá fez desta uma casa realmente mal-assombrada e um dos lugares mais mal-assombrados de SF.

Atualmente uma igreja e agência de serviço à família, o prédio está repleto de amuletos de ouro e vermelho que supostamente afastam os maus espíritos.

Tente tirar uma foto lá e você poderá notar figuras brancas flutuando no fundo.

Isso porque os espíritos das mulheres que morreram no incêndio nunca mais saíram.

Juntando-se aos espíritos das mulheres estão os fantasmas dos meninos chineses que foram abusados ​​sexualmente entre 1947 e 1977.

Enquanto a Cameron House era uma missão presbiteriana, o reverendo F.S. “Dick” Wichman abusou das crianças e das escravas chinesas e, às vezes, as matou.

Você pode ouvir facilmente o choro das crianças vindo do porão durante as noites calmas, mas isso se você tiver permissão para ficar lá.

# 1) Parque Mary Ellen Pleasant

Crédito da foto: Google Earth

Mary Ellen Pleasant Park é o menor parque da cidade, mas um dos mais assustadores, considerando quem o assombra:

O fantasma Mary Ellen Pleasant.

Em vida, Mary Ellen Pleasant foi uma ativista que secretamente abrigou pessoas que fugiam da escravidão e encontrou-lhes novos empregos.

Listada como capitalista no censo de 1890, ela ganhou a reputação de sacerdotisa vodu, pois muitos de seus colegas, vários clientes e até seu amante caucasiano morreram repentinamente e sem uma causa conhecida.

No entanto, sem nenhuma evidência que a ligasse a essas mortes, Maria não foi condenada por crime.

Se você acha que é corajoso o suficiente para se encontrar com Mary Ellen, busque seu espírito e chame seu nome.

Apenas certifique-se de não dizer nada de ruim sobre ela ou ela vai empurrar você ou derrubar algo na sua cabeça.

Fique especialmente atento a corvos ou sons próximos às árvores e arbustos, pois eles indicam que ela está por perto.

Curiosamente, alguns locais dizem que você pode fazer com que ela lhe conceda um desejo ou favor, mas apenas se você pedir com educação.

Escolhendo um lugar assombrado para visitar

Pronto para visitar um ou mais desses lugares mal-assombrados?

Em segundo lugar, reúna o seu pelotão e verifique os lugares nesta lista.

E tome cuidado para não irritar nenhum dos espíritos & # 8230, caso contrário, você nunca poderá voltar para casa.


Assista o vídeo: San Francisco - Scott McKenzie